Después de presentar Cuerpos Vol. 1 &nbsp;el 25 y 26 de junio de este año, Babasónicos regresó al estadio de Villa Crespo con un repertorio que combinó nuevas canciones y clásicos de distintas etapas de su discografía. Una nueva oportunidad para encontrarse con un público que acompaña sus transformaciones desde hace más de tres décadas.La banda se subió al escenario pasadas las nueve de la noche cuando el riff de guitarra de Revelaciones aparte marcó el inicio del show para luego seguir con Tiempo off, ambas pertenecientes a su último trabajo. El grupo liderado por Adrián Dárgelos sabe reinventarse y sorprender a los oídos que deciden sumergirse en esa fusión de sonidos e instrumentos distorsionados junto a sus letras que no buscan complacer al oyente sino invitarlo a incomodarse y encontrar interpretaciones variadas en la escucha.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/10/17/BABASONICOS_MOVISTAR_16_OCT_BONETTO_3104321_.jpeg"><figcaption>Foto: Martín Bonetto</figcaption></figure>&nbsp;El recorrido continuó con canciones que atravesaron distintas épocas y se instalaron en el repertorio popular de la banda. Sonaron Pijama y Yo anuncio, de Mucho, su octavo álbum de estudio, editado en 2008. Después llegó Fizz de Jessico, el disco con el que Babasónicos se metió entre los grupos más importantes del país.&nbsp;Al setlist de la noche se le sumaron Miau, Las demás, Risa y Once. Ininterrumpidamente le siguieron El maestro, Putita y En privado, donde se veía un Dárgelos que no paraba de hacer suyo el estadio, con movimientos de cadera estrafalarios e hipnotizantes. Se trata de un frontman que no solo interpreta sino que hace del escenario es su hábitat natural. El show continuó con Estoy rabioso, Labios apilados, Puesto, Ideas y Advertencia. Luego llegó Microdancing y el campo se convirtió en un mar de brazos agitándose y fluyendo con el ritmo explosivo de su estribillo.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/10/17/BABASONICOS_MOVISTAR_16_OCT_BONETTO_0897135_.jpeg"><figcaption>Foto: Martín Bonetto</figcaption></figure>La atmósfera del estadio adquirió un tono más psicodélico con “La pregunta”. Su base electrónica, casi como un mantra, con una letra contestataria y a la vez reflexiva que siempre encuentra la forma de adaptarse a nuestro tiempo.&nbsp;Llegando casi al final, sonaron Maracuyá, Mimos, Paradoja y Como eran las cosas, a esta última el público la recibió con nostalgia y entonando con intensidad su estribillo. Bye bye, Carismático y su fusión con Yegua fueron la previa de los bises.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/10/17/BABASONICOS_MOVISTAR_16_OCT_BONETTO_2446578_.jpeg"><figcaption>Foto: Martín Bonetto</figcaption></figure>&nbsp;Después de una breve pausa, Babasónicos regresó al escenario entre los gritos eufóricos del público: Cocos, Y qué y El colmo se convirtieron en los elegidos para cerrar la noche.No alcanzaron las dos horas que duró el show para abarcar el extenso repertorio de clásicos de ayer y de hoy de una banda que, 30 años después, aún sigue agotando entradas.Mientras el público abandonaba el estadio, se veía un amalgama de generaciones entremezclándose y conviviendo en un mismo espacio. Esta es, quizás, una prueba viviente de que la banda oriunda de Lanús no le teme a su metamorfosis, por el contrario, la abraza y si es necesario vuelve al pasado para hacerlo dialogar con lo que vendrá.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;

Del sonido de Jessico a las canciones de Cuerpos Vol. 1, el grupo recorrió distintas etapas de su discografía en el estadio de Villa Crespo, donde volverá a presentarse este sábado 17 de octubre.

Del sonido de Jessico a las canciones de Cuerpos Vol. 1, el grupo recorrió distintas etapas de su discografía en el estadio de Villa Crespo, donde volverá a presentarse este sábado 17 de octubre.

Babasónicos en Buenos Aires: la reinvención constante de una banda que no envejece

Babasónicos en Buenos Aires: del sonido de Jessico a las canciones de Cuerpos Vol. 1

Buenos Aires atravesaba una tarde lluviosa. Desde las siete, el público comenzaba a llegar a C Art Media entre paraguas y abrigos mojados, que poco a poco iban quedando en el guardarropa. Adentro, jóvenes, adultos, familias y personas de distintas edades se acomodaban mientras crecía la expectativa por una nueva edición de Actos de gentileza, el ciclo musical de Florian Fernández Capello. A las 21.30 hs. la vedette tomó la palabra con un monólogo mientras los músicos aparecían en escena. Después del enunciado teatral Florian se hizo presente en el escenario, quien abrió la noche con “Muerte del ángel”, de Astor Piazzolla, y dio comienzo a un recorrido por distintas épocas del cancionero nacional. El tango y el folklore, muchas veces asociados a un público de generaciones anteriores, encontraron en la sala de Villa Crespo un espacio donde convivieron con el rock, el pop y nuevas formas de interpretar canciones populares. Lo que comenzó en Strummer Bar como un ciclo de encuentros musicales fue creciendo hasta convertirse en un proyecto colectivo que pasó por distintos escenarios porteños. Sin abandonar el espíritu de aquellas primeras presentaciones, Actos de gentileza volvió a reunir a amigos, colegas y músicos de diferentes escenas, esta vez con un repertorio de 31 canciones que recorrió clásicos del cancionero nacional y composiciones contemporáneas. Florian condujo el espectáculo como anfitrión e intérprete principal, compartiendo distintas piezas musicales con artistas que fueron sumándose a lo largo de la noche.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/10/08/florian-c-art-media-1.jpg3875_.jpeg"><figcaption>@lucasfonsecaph</figcaption></figure> Los primeros encuentros estuvieron atravesados por el tango, con Cucuza Castiello en “Fueron tres años”, La Piba Berreta en “De contramano”, Vera Frod en “Muñeca brava” y “Los mareados”, y La Valenti en “Nada”. Esta última canción también permitió recuperar una faceta del repertorio propio de Florian, quien la publicó originalmente en 2022 y luego presentó una nueva versión junto a la cantante en el album que lleva el mismo nombre del ciclo. El tango también salió de las voces para hacerse baile. Una pareja subió al escenario varias ocaciones y comenzó a desplegar sus pasos al compás de la música, mientras sus movimientos se proyectaban en la pantalla del fondo. Algunas personas del público también se sumaron desde sus lugares al compás del 2/4. La banda que acompañó a Florian también tuvo un papel fundamental durante la noche. El piano ocupó un lugar destacado, con Fulvio Giraudo sumándose en distintos momentos, entre ellos “Cuesta abajo”, junto a Ariel Ardit, y “Tinta roja”, con Vicentico. El propio Florian también se sentó frente al instrumento, mientras que Emi Ferrer en guitarra y Mariano Velardi en bombo legüero aportaron los sonidos del folklore.Con Santiago Motorizado, el escenario recibió “Como dos extraños” y “Muchacha de los ojos negros”, esta última con el acompañamiento de Ferrer y Velardi. El folklore continuó ganando espacio con interpretaciones de canciones que forman parte de la memoria musical argentina, mientras Florian mantenía el rol de conductor de un espectáculo que se construyó a partir de diversas colaboraciones.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/10/08/florian-c-art-media-3.jpg4338_.jpeg"><figcaption>Foto: @lucasfonsecaph</figcaption></figure> Uno de esos encuentros llegó con Astor Cianciarulo, a quien Florian invitó a subir al escenario después de recordar una historia que los une desde el nacimiento. Entre risas, contó que lo conocía desde sus primeros días de vida y recordó que, por aquel entonces, sus padres, Vicentico y Flavio Cianciarulo, estaban de gira. Años después, los hijos de los integrantes de Los Fabulosos Cadillacs compartieron escenario, con Astor tocando el bajo y sumando su voz a “Muy temprano”. También participó en “La pomeña”, acompañado por Ferrer y Velardi. El recorrido por el folklore también contó con Feli Colina, cantante salteña y pareja de Florian, quien se sumó a “Balderrama” y “Merceditas”. Junto a Colo Vasconcellos, integrante y líder del grupo de folclore Ahyre, y los músicos que acompañaron las interpretaciones, las canciones recuperaron sonidos de distintas regiones del país. La presencia de Feli también aportó otro vínculo personal a una noche en la que Florian compartió escenario con amigos, familiares y artistas con los que construyó relaciones dentro y fuera de la música.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/10/08/florian-c-art-media-11.jpg4195_.jpeg"><figcaption>@lucasfonsecaph</figcaption></figure> Uno de los momentos de mayor participación del público llegó con “Que nadie sepa mi sufrir”, con Florian en la voz principal. Cuando la canción terminó, Florian volvió al estribillo y dió lugar a un bis. Entre brazos levantados y agitados simulando el tradicional revoleo del poncho de Soledad Pastorutti, C Art Media se convirtió en un verdadera fiesta popular. La escena reflejó una conexión que se repitió durante el show con canciones que muchos reconocían desde la primera respiración del bandoneón.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/10/08/florian-c-art-media-19.jpg8420_.jpeg"><figcaption>@lucasfonsecaph</figcaption></figure> También hubo lugar para el humor y el juego con Juliana Gattas, quien se sumó a Florian en “El choclo”, “Maquillada” y “TKM”. Durante “Maquillada”, perteneciente al proyecto solista de la cantante, Florian se convirtió en su camarógrafo personal. El momento contrastó con el tango que habían interpretado anteriormente y dio paso a “TKM”, una de las primeras canciones de la carrera solista del músico.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/10/08/florian-c-art-media-8.jpg3990_.jpeg"><figcaption>@lucasfonsecaph</figcaption></figure> Más adelante llegó otro de los encuentros familiares de la noche, cuando Vicentico compartió escenario con su hijo para cantar “Tinta roja”, acompañado por Fulvio Giraudo al piano. Después, ambos continuaron con “Vasos vacíos” y “Siguiendo la luna”, canciones que forman parte del repertorio de Los Fabulosos Cadillacs. La presencia del músico permitió recorrer otra parte de la historia musical argentina, esta vez desde el rock y el ska.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/10/08/florian-c-art-media-13.jpg9527_.jpeg"><figcaption>@lucasfonsecaph</figcaption></figure> El costado teatral del tango volvió a aparecer con Lucrecia Merico, quien interpretó “Entre curdas” mientras todos los “gentiles”, como se identifica a los músicos e invitados del ciclo, se sumaban a una suerte de representación sobre el escenario. La milonga relata con humor negro e ironía un velorio que termina convirtiéndose en una reunión de borrachos, con situaciones cada vez más absurdas. Mientras Lucrecia cantaba, sus compañeros acompañaron la historia con gestos, actuaciones y una puesta que transformó el escenario en parte de aquel relato. La cantante también compartió junto al protagonista de la noche “Cambalache”, el clásico de Enrique Santos Discépolo que conserva su vigencia a través de la crítica social y la ironía. El poder satírico del tango también dió lugar durante la interpretación para que Florian introdujera un guiño a la actualidad al reemplazar “Don Chicho” de la letra original por “Adorni” y Napoleón.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/10/08/florian-c-art-media-18.jpg2472_.jpeg"><figcaption>@lucasfonsecaph</figcaption></figure> Hacia el final, Felipe Romeo sumó una intervención teatral y el espectáculo llegó a su último tramo con “Verano porteño”, de Astor Piazzolla, y “Por una cabeza”, de Carlos Gardel y Alfredo Le Pera. Para esta última canción, todos los gentiles regresaron al escenario y sus voces se mezclaron con las de un público que también se sumó al canto. Florian había agradecido a los valientes que, a pesar del clima, llegaron aquella noche y recordó que el amor era lo que los había reunido.&nbsp; Cuando el público volvió a salir a las calles de Buenos Aires, la lluvia había cesado. Los paraguas salieron del guardarropa y cada uno emprendió su camino de regreso. Adentro quedaban las últimas notas de una noche en la que el tango y la música popular se cantó, se tocó, se actuó y también se bailó. Un GRAN acto de gentileza. &nbsp;

Con 31 canciones e invitados de distintas escenas, el músico recorrió el tango, el folklore, el rock y el pop en el C Art Media, donde la lluvia no impidió que el público acompañara una nueva edición del ciclo.

Con 31 canciones e invitados de distintas escenas, el músico recorrió el tango, el folklore, el rock y el pop en el C Art Media, donde la lluvia no impidió que el público acompañara una nueva edición del ciclo.

Entre amigos, familia y canciones: Florian celebró la música argentina con sus Actos de gentileza

Florian y sus Actos de gentileza: una celebración de la música popular argentina

El reloj marcaba las 21.04 cuando se apagaron las luces del Monumental. Decir que ahí empezó el tercer y último River de Lali sería contar la mitad de una noche que duró bastante más que sus casi tres horas de show. El demonio ya andaba por Núñez desde la tarde.Sobre Figueroa Alcorta, los colectivos estacionados a ambos lados de la avenida eran la primera pista. De ahí y de las combis bajaban grupos de amigos y amigas con velos de novia, remeras que decían "What the fuck is Lali?" y la certeza de estar yendo a una despedida. Más de 80.000 personas que habían decidido atender al demonio y desoír el título del último disco. Adentro, del campo a la Sívori, de la San Martín a la Belgrano, esa mezcla de fiesta y final se contagiaba entre sectores.Por los parlantes sonaban Britney, Miranda, y Cerati, y la gente los cantaba como para ir entrando en calor. Entonces se apagaron las luces y los gritos envolvieron el Monumental. Alcanzó con el rasguido rockero que abre "Lokura" para que nadie dudara. La llamada había entrado, y el estadio atendió al primer tono.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/28/undefined"><figcaption>Foto: @juligarciafotografia</figcaption></figure>Lali apareció hipnótica. Se podría decir que literalmente se elevó sobre el escenario, y sería cierto, pero lo que la eleva es otra cosa. Tiene una presencia capaz de estremecer al mismísimo demonio que le da nombre al álbum. Es la pop star que rompe patrones y estereotipos, que abraza la libertad en el sentido más amplio de la palabra y que sabe que su público nunca espera menos de ella. Aun así, siempre encuentra la forma de ir un poco más allá. Para eso cuenta con un equipo que conoce de memoria: Lautaro Espósito en la dirección artística y Juan Giménez Kuj en la dirección musical, que en River volvió a subir la vara. A eso se le sumó un despliegue de bailarines que hizo de cada canción una experiencia aún más performática.Durante la primera parte, el concierto fue un viaje por todas sus etapas. Pasaron "Sexy", "2son3", el enganchado de "Tu novia" con "N5", "Obsesión" y "Diva", hasta que llegó uno de los momentos más inesperados de la noche. En plena fiesta del pop, Lali le dejó el escenario al tango. El bandoneonista Nicolás Perrone y el cantor Cucuza Castiello interpretaron "Pasional", el clásico que inmortalizó la orquesta de Osvaldo Pugliese, mientras ella los escuchaba sentada en la escalinata. "Gracias por darle lugar al tango", le dijo Cucuza. Después, Lali se sumó para cantar "Morir de amor", y cerró el momento con un "gracias, Buenos Aires" antes de volver a encender el Monumental con "Amor es presente".<figure class="media"><oembed url="https://twitter.com/filonewsOK/status/2104244678107509087"></oembed></figure>La banda se quedó con el escenario para un set instrumental de "Asesina", "Eclipse" y "Laligera", con las coristas al frente, y el estadio se encargó de poner la letra. Más tarde llegaron "¿Quiénes son?" y "KO", y siguieron "Baum Baum", "Brishito" y "Ahora". Para "Boomerang" se sumó el Cuarteto Divergente, con violines, viola y cello, que la acompañó durante todo ese tramo. Cuando sonó "Incondicional", Lali se la dedicó a su público, a los que agotan estadios y a los que siguen ahí, con ella, etapa tras etapa. La respuesta fue un Monumental lleno de celulares en alto, con las linternas prendidas y cantando la canción entera junto a ella.Las cuerdas siguieron en "Perdedor" y "Ego", y Lali aprovechó para repasar los estadios que había llenado a lo largo de la gira. No eran pocos. Cinco Vélez en 2025 y tres River en menos de un año, algo que ninguna otra artista argentina había logrado. Ese momento dio paso a "No hay héroes", donde se vio a una Lali emocionada y agradecida. El demonio había llamado muchas veces, y el público nunca dejó de atender.Tras la proyección del videoclip de "Popstar", Miranda! también se sumó para cantar "Mejor que vos", la canción que grabaron juntos y que continúa demostrando una amistad que se potencia cada vez que comparten escenario. Después, "Histeria" y "A bailar" terminaron de preparar el terreno para lo que venía.<h4>El cruce más deseado del pop argentino</h4>El Monumental empezó a gritar antes de entender qué estaba pasando. Un velo de novia, igual a los que cientos de fans llevaban puestos desde la tarde, subía en medio del escenario.&nbsp;Cuando se abrió, ahí estaba Tini Stoessel, de blanco. Detrás surgió Lali, también vestida para el altar, y juntas cantaron "Like a Virgin" en la previa de sus respectivos casamientos. Era la despedida de soltera de ambas, y el estadio ya venía preparado para la ocasión.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DdyzdSADspk/"></oembed></figure>Parecía que la sorpresa terminaba ahí, hasta que Marilina Bertoldi se sumó con su guitarra. Camisa negra, pantalones de cuero y cadenas plateadas en la cintura, el contraste perfecto con las dos novias. Las tres recrearon el beso de Madonna con Britney Spears y Christina Aguilera en los VMAs de 2003, una noche que también empezó con vestidos blancos y esa misma canción.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Ddy0r_djabw/"></oembed></figure>Después de cantar, Tini tomó el micrófono. "Para mí es un gran honor estar acá. Te vimos crecer todos los argentinos, fuiste parte de mi casa, de mi living, de mis meriendas", le dijo. Lali le respondió con una frase que, según contó, ya se habían dicho en privado. "Esta invitación es por las niñas que fuimos, pero sobre todo por las mujeres en las que nos convertimos". Luego de la icónica frase "Nos enamoramos taradas" de Lali, cantaron juntas "1Amor". Durante años, sus fandoms se enfrentaron en redes y la industria hizo lo suyo para alimentar esa competencia, la vieja trampa de poner a dos mujeres exitosas una contra la otra. Verlas juntas en River, cantando y agradeciéndose, fue la respuesta a años de rumores y a una rivalidad que nunca les perteneció.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Ddy5i1PEvRV/"></oembed></figure><h4>Campo de batalla</h4>Tras un enganchado de "Sola", "Motiveishon" y "Como tú", llegó "Soy", y con ella la Drag Dealer Company, que acompañó a Lali en la canción que hace tiempo dejó de ser solo suya para convertirse en un himno de la comunidad LGBTIQ+. Si toda la noche había sido una celebración de la libertad, ahí quedó claro de cuál se trataba. La de ser quien sos, en un momento en el que desde algunos lugares insisten en apropiarse de su significado para otros fines.Después de "Disciplina" y "Plástico", fue el turno de "Fanático", la canción con la que había empezado todo exactamente dos años antes. Cuando se convirtió en blanco de ataques desde lo más alto del poder, Lali recibió un llamado de Fito Páez con un consejo que después contó en la radio. "Tu campo de batalla siempre será el arte, si vos te vas a pelear a otro lado perdés". "Fanático" fue, en buena medida, esa respuesta. Esta vez se tomó una pequeña licencia. Donde la letra habla de alguien que, si le preguntan por su video, asegura que no lo vio, Lali cantó "ahora sí que lo vio", y no hizo falta aclarar más.Enseguida apareció Dillom para ponerle la épica a "33", la canción que grabaron juntos para el disco. Horas después del show, el cantante subió un divertido posteo con un audio en el que Lali, en tono irónico, le pedía que se aprendiera la canción, y confesó que por fin lo había logrado.<figure class="media"><oembed url="https://twitter.com/filonewsOK/status/2104304453046194602"></oembed></figure>Pero en la fiesta también hubo momentos para detenerse. Antes de interpretar por primera vez en un recital propio "Ciudad de pobres corazones", de Fito, habló de un tema que la había conmovido en las últimas semanas. Recordó que el suicidio es hoy la principal causa de muerte entre jóvenes de 15 a 34 años en la Argentina. "¿Qué estamos haciendo como sociedad?", se preguntó frente al Monumental, e interpeló a las autoridades. Contó también que hace dos meses perdió a una persona muy querida, que había estado en su River anterior y que esta vez ya no pudo acompañarla. Le dedicó la canción a las familias que perdieron a alguien, a quienes acompañan todos los días el dolor de un ser querido y, en especial, a las personas con discapacidad y sus familias que se sienten solas. En medio de una noche de fiesta, Lali eligió hablar de lo que duele sin perder la furia que atraviesa la canción del rosarino.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Ddy2FWBgMxx/"></oembed></figure><h4>Los últimos minutos de la llamada&nbsp;</h4>El final fue puro rock con "Pendeja", "Payaso" y un cierre con "No me importa", que tuvo el solo de guitarra de "Jijiji", de los Redondos, mientras las pantallas proyectaban una caricatura del Indio Solari con sus anteojos oscuros. No es casualidad ya que Lali reivindica las raíces de la cultura argentina y las sube con ella al escenario, como hizo con el tango, con Fito y con el Indio. También sabe en qué país canta, y por eso se animó a hablar de salud mental frente a 80.000 personas. Su música también es bandera.Se despidió y el Monumental empezó a desconcentrar. Muchos ya bajaban las escaleras cuando las pantallas se volvieron a encender con el logo de Lali TV, el formato que usó durante toda esta era para anunciar novedades. Apareció un televisor antiguo con el símbolo de la gira y una voz conocida, la de Evelyn Botto, que ya había sido la locutora de "Fin de la transmisión" en el disco. La voz se preguntaba si Lali es la heroína que la época necesita o la mayor delincuente de la historia. Cuando anunció "una cosa más, la más importante…", la transmisión se cortó.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Ddy_paqig5I/"></oembed></figure>¿Será que volveremos a atender al demonio? Afuera, los colectivos seguían en la misma fila de horas antes y nadie tenía apuro por subirse. El demonio llamó durante dos años exactos y Lali atendió cada vez. Si vuelve a sonar el teléfono, en Núñez ya saben qué hacer.

Ante más de 80.000 personas, la artista cerró la gira de No vayas a atender cuando el demonio llama. Tini, Marilina Bertoldi, Dillom y Miranda pasaron por el escenario de una noche que terminó con un video misterioso en las pantallas

Ante más de 80.000 personas, la artista cerró la gira de No vayas a atender cuando el demonio llama. Tini, Marilina Bertoldi, Dillom y Miranda pasaron por el escenario de una noche que terminó con un video misterioso en las pantallas

Lali atendió por última vez al demonio e hizo historia con su tercer River agotado

Lali atendió por última vez al demonio en su tercer River agotado

Antes de que aparecieran los músicos en escena, las luces bajaron y solo algunos tonos fríos quedaron iluminando el escenario, donde los instrumentos esperaban a sus intérpretes. Sonidos de agua corriendo inundaron el Teatro Colón y, entre efectos de humo, los músicos ingresaron en fila, cada uno guiándose con una mano apoyada en el hombro del otro. Mientras la sala permanecía en silencio, de a poco ocuparon sus asientos. Con su pelo y su barba blanca tan característicos, Gustavo Santaolalla, recibió ayuda para subir hasta el lugar dispuesto en el centro del escenario. Ahí lo esperaba su ronroco, instrumento que lo acompaña desde hace décadas y que da nombre al álbum de 1998 que esa noche sería uno de los ejes del recorrido. Durante la noche, como a lo largo de toda la gira, Santaolalla estuvo acompañado por un ensamble que transformó permanentemente el sonido. Él pasó por ronroco, charango, guitarra acústica, tubo, percusión, voz y guitarra octava; Javier Casalla sumó violín, viola, charango y armónica; Barbarita Palacios, teclados, glockenspiel, percusión, autoharp y voces; Nicolás Rainone alternó entre violonchelo, guitarra barítono, guitarra octava, ronroco y voz; y Santiago Carregal rotó entre guitarras, charango, autoharp y ronroco.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/22/SantaolallaTeatroColÃ³n_CrÃ©dito_Gentileza_Aspix_ySantaolalla_(3)5907_.jpg"><figcaption>Gentileza Aspix/Gustavo Santaolalla</figcaption></figure> Los primeros rasgueos del instrumento familiar del charango en “Way Up” colmaron la sala y dieron comienzo a un recorrido por Ronroco y por otras composiciones que marcaron distintos momentos de su carrera. “Gaucho”, “Jardín”, “Desandando el camino”, “Coyita” y “Del pago” fueron sucediéndose y convirtiendo los acordes en imágenes que remitían a paisajes y lugares de la Argentina. En las pausas del repertorio, Santaolalla también se tomó el tiempo para hablar con el público, que lo recibió con aplausos y ovaciones desde la primera interpretación. Contó sobre su interés por la física cuántica y remarcó la importancia de la energía de cada persona presente. Aquella presentación, señaló, no sería la misma sin el público, ni el público sin quienes estaban sobre el escenario. Así los invitó a formar parte y construir juntos ese concierto.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/22/SantaolallaTeatroColÃ³n_CrÃ©dito_Gentileza_Aspix_ySantaolalla_(2)7118_.jpg"><figcaption>Gentileza Aspix/Gustavo Santaolalla</figcaption></figure> Entre “Sicalis” y “Canto en la rama” aparecieron pequeñas transiciones que continuaron llevando el concierto hacia distintos paisajes sonoros. Primero se escucharon pájaros y luego llegaron el gong y los platillos. Más adelante, Santaolalla revelaría que aquel gong era en realidad una bandeja metálica del hotel Meliá. También tomó un simple tubo de PVC y explicó que, así como distintas culturas originarias otorgaban un alma a los objetos, ese tubo también podía tener una voz propia. Bastó hacerlo sonar para que volviera a transformar el espacio. Una bandeja metálica, un tubo, las cuerdas de un ronroco o un violín podían convivir en el mismo escenario y encontrar, cada uno a su manera, su propia musicalidad.<h4 style="text-align:justify;">Cuando la música también cuenta historias</h4>El recorrido continuó con una fusión entre “Cordón de Plata” y &nbsp;“Ella” para entonces dar paso a “Alma”. Luego llegaron “Iguazú” y “Endless Flight”, dos composiciones que también forman parte de la banda sonora de Babel, la película de Alejandro González Iñárritu por la que Santaolalla recibió en 2007 su segundo Oscar consecutivo a Mejor Banda Sonora, después de haberlo ganado el año anterior por Brokeback Mountain.Tampoco faltó “De Ushuaia a La Quiaca”, el tema instrumental que nació como cortina de uno de los proyectos más ambiciosos que compartieron Santaolalla y León Gieco y que, años más tarde, terminó convirtiéndose en una de las joyas más emotivas del álbum Ronroco. Entre 1981 y 1985, ambos encabezaron un equipo que recorrió el interior del país para buscar, registrar y documentar expresiones de la música y la cultura popular en sus lugares de origen. El proyecto tomó su nombre de los dos extremos geográficos que marcaron aquel recorrido por la Argentina. Entonces llegó uno de los momentos más esperados de la noche. El anuncio de Santaolalla de que se acercaba el bloque dedicado a The Last of Us fue recibido con gritos y ovaciones. Primero sonó “The Last of Us Intro”, luego “All Gone” y finalmente el tema principal de la saga. Gustavo compuso la música del videojuego original de 2013 y años después volvió sobre ese universo para su adaptación televisiva. En el Colón no hicieron falta imágenes de Joel o de Ellie, ni de aquel mundo devastado. Bastaron unas pocas notas para que la referencia apareciera en la cabeza del público. Cada tono, cada pieza, tenía la fuerza de hacer estremecer hasta las butacas aterciopeladas del Colón. Hasta el silencio tenía casi tanto peso como cada acorde y, cuando terminó el bloque, buena parte de la sala se puso de pie para ovacionarlo. Santaolalla, con un gesto enternecedor que repetía cada vez que terminaba una pieza, lanzaba besos al público, juntaba las manos en señal de agradecimiento y luego abría los brazos hacia la sala.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/22/SantaolallaTeatroColÃ³n_CrÃ©dito_Gentileza_Aspix_ySantaolalla_(5)3110_.jpg"><figcaption>Gentileza Aspix/Gustavo Santaolalla</figcaption></figure> Entre las ovaciones, los músicos también se ponían de pie y lo señalaban a él, como devolviéndole parte del reconocimiento que llegaba desde las plateas. Había una complicidad evidente entre ellos, construida a partir de miradas y pequeños gestos, aunque por momentos cada uno parecía hipnotizado por su propio instrumento. En Santaolalla esa sensación era todavía más marcada. Cada vez que rasgaba las cuerdas del ronroco, parecía fundirse con él, como si el instrumento dejara de ser un objeto para convertirse en una extensión más de su cuerpo.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/22/SantaolallaTeatroColÃ³n_CrÃ©dito_Gentileza_Aspix_ySantaolalla_(1)_(1)7796_.jpg"><figcaption>Gentileza Aspix/Gustavo Santaolalla</figcaption></figure><h4 style="text-align:justify;"> Brokeback Mountain y el cierre de la noche</h4>Después llegaron “Zenda”, “Lela” y “La vuelta”, hasta que Santaolalla habló sobre la importancia que había tenido para él participar de Brokeback Mountain y reflexionó sobre la necesidad de permanecer unidos y buscar una “frecuencia más alta” frente a los momentos difíciles que atraviesan el mundo y, especialmente, a la Argentina. La música de la película cerró el repertorio de la noche. Allí, la guitarra acústica y el pedal steel guitar acompañaron una banda sonora construida alrededor de la inmensidad del paisaje de Wyoming y la soledad de sus protagonistas.&nbsp; Como canta León Gieco en “Pensar en nada”, canción producida por Gustavo Santaolalla, “quizás en la soledad no haya dolor”. Hay algo de ese sentimiento, de sentirse pequeño frente a un mundo inmenso, que también atraviesa muchas de sus composiciones. Pero con Santaolalla como banda sonora, la soledad nunca parece absoluta. Sus sonidos acompañan, contienen y remiten a una identidad profundamente ligada a la cultura argentina y latinoamericana. &nbsp;

Foto: Gentileza Aspix/Gustavo Santaolalla

Junto a su ensamble, el músico criado en Ciudad Jardín repasó gran parte de Ronroco, una obra atravesada por sus raíces argentinas y latinoamericanas, además de composiciones ligadas a Babel, The Last of Us y Brokeback Mountain.

Junto a su ensamble, el músico criado en Ciudad Jardín repasó gran parte de Ronroco, una obra atravesada por sus raíces argentinas y latinoamericanas, además de composiciones ligadas a Babel, The Last of Us y Brokeback Mountain.

Gustavo Santaolalla en el Teatro Colón: un recorrido sonoro entre Ronroco, The Last of Us y el cine

Gustavo Santaolalla construyó su propio paisaje sonoro en el Teatro Colón

Los primeros gritos llegaron antes que ella. Sobre el escenario de Deseo, su banda ya ocupaba sus lugares mientras que detrás de ellos, un gran telón proyectaba dos manos en posición de rezo sosteniendo una vela. Entonces apareció Blair, el proyecto artístico de Julieta Ordorica: peluca rubia, vestido claro, detalles de encaje y una imagen angelical pero inquietante con la que comienza la historia de Bar Scorpios. Como en el álbum, todo parecía delicado antes de empezar a romperse.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/19/IMG_8161.JPG3740_.jpeg"><figcaption>Foto: @triplab</figcaption></figure> “Rabia del corazón” abrió la noche y dejó uno de los primeros guiños personales del show. Después de cantar “se me gastó el amor a los 22”, Blair aclaró entre risas “25, casi”. Faltaban apenas unas horas para la medianoche y para su cumpleaños, en una fecha que ya tenía clima de cierre y comienzo de una nueva etapa. &nbsp;A “Rabia del corazón” le siguieron “Rothmans”, “Opuesto complementario” y “Yo &amp; Yo”. Las tres últimas recuperaron canciones de Llorando en la fiesta, su primer álbum, pero encontraron un lugar natural dentro del relato. En ese comienzo todavía dominaba una Blair que representaba lo luminoso, aunque debajo de esa superficie empezaba a insinuarse algo lúgubre que terminaría por salir. Y mientras el personaje avanzaba en su transformación, el público cantaba prácticamente cada palabra. Incluso cuando el micrófono de Blair tuvo problemas durante un momento del show, las voces continuaron por encima de la música. La cantante se tomó entonces un momento para hablar con sus fans. La despedida de Bar Scorpios tenía algo de cierre y también de transición, el final de una etapa compartida entre una artista y una audiencia que hizo propio ese universo.Parte de esa conexión puede encontrarse en sus letras. Blair escribe sobre sentimientos profundos desde frases simples, sin esconderlos detrás de demasiadas capas. Y quizás allí esté una de las razones por las que las canciones regresaban desde el público casi con la misma fuerza con la que salían del escenario. Luego de “Todo lo que tengo”, Blair bajó por un momento la intensidad del show. En “Dejar de ser yo” se sentó al teclado para interpretar una de las canciones más melancólicas del repertorio, con una cadencia íntima que por momentos se acercaba a una plegaria. En “Mi suerte”, pidió que el público levantara las luces de los celulares, y la sala se llenó de pequeños puntos blancos sobre las cabezas. &nbsp;Después llegó “Novios imaginarios”, otra visita a Llorando en la fiesta. Para esa canción, Blair tomó su característica guitarra con forma de corazón, antes de volver de lleno al universo de Bar Scorpios con “Intenté salvar a Dios”.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/19/IMG_8169.JPG9146_.jpeg"><figcaption>Foto: @triplab</figcaption></figure> El quiebre llegó con “Pecados Brutos”, la pieza en la que la artista sumó a la escritora Mariana Enríquez. La colaboración nació también de un punto de encuentro entre ambas por la fascinación por el terror y lo onírico, dos elementos que forman parte del concepto del disco. La cantante abandonó el escenario y en el telón comenzó a proyectarse el diario que aparece en el videoclip mientras la voz en off de Enríquez recitaba el texto. Poco a poco, el público empezó a acompañarlo. Lo que originalmente formaba parte de una pieza audiovisual se convirtió en una oración colectiva dentro de Deseo. Blair regresó con su característico pelo negro, flequillo recto, vestido rojo y tacos, dejando atrás la imagen angelical del comienzo. Si la primera parte había estado dominada por aquello que parecía puro y sagrado, ahora llegaba el descenso hacia lo oscuro. &nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/19/IMG_8181.JPG8434_.jpeg"><figcaption>Foto: @triplab</figcaption></figure>El nuevo capítulo comenzó con “Entre caníbales”, su versión de la canción de Soda Stereo que ya había llevado a una sesión para Spotify. La elección no interrumpió el relato sino que, por el contrario, su clima permitió entrar definitivamente en una segunda mitad donde el personaje dejaba ver aquello que hasta entonces había permanecido contenido.&nbsp; &nbsp;Llegó después “Carne Viva”, grabada originalmente junto a Dillom. Su presencia dentro del álbum profundiza justamente ese imaginario crudo y sombrío que atraviesa la obra. En Deseo, la canción acentuó el contraste con aquella figura luminosa que había aparecido al principio.&nbsp; &nbsp;“Padre muerto” y “Otra noche en los 70” mantuvieron uno de los juegos más inquietantes del universo de Blair donde melodías pop animadas y pegadizas conviven con letras mucho más oscuras. La segunda, además, significó otra regresión a Llorando en la fiesta, pero encajó naturalmente dentro de Bar Scorpios por esa misma tensión entre lo alegre y lo perturbador, una dualidad que aparece con frecuencia. Cuando finalmente empezó a sonar “Bar Scorpios”, la canción que da nombre al disco, la historia entraba en su último acto. La protagonista parecía quedar atrapada por el peso de aquello que había intentado esconder: la culpa, el pecado y una redención que nunca termina de llegar. El tramo final continuó con “Hombre Roto”, canción que en el álbum cuenta con la participación de Santiago Motorizado y suma uno de los registros más melancólicos del proyecto. Después llegó “Mañana hablarán de mí” antes de alcanzar uno de los momentos más intensos de la noche. Aunque “Sola” aparece al comienzo de Bar Scorpios, en Deseo quedó reservada para uno de los últimos momentos del show. El cambio de orden reforzó su peso dentro del cierre de la historia donde Blair terminó tendida sobre el piso del escenario mientras el público repetía “Nací sola, crecí sola, me siento sola, moriré sola”.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/19/IMG_8180.JPG8751_.jpeg"><figcaption>Foto: @triplab</figcaption></figure> Más que la letra de una canción, la frase funcionó como un mantra colectivo, repetido por toda la sala mientras la protagonista sufría en soledad, una imagen que condensa buena parte del universo de su último álbum. Ya no quedaba mucho de aquella chica de pelo rubio que había iniciado la noche frente a unas manos en oración. No hubo demasiado tiempo para permanecer en ese clima. “Nunca lo van a entender” llevó el final hacia el punk, con guitarras más crudas, una energía acelerada y los gritos característicos con los que Blair rompe la melodía durante la canción. Pero antes, la artista pidió el pogo más grande de la noche y el centro de Deseo se abrió inmediatamente para formar una gran olla.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/19/IMG_8165.JPG4763_.jpeg"><figcaption>Foto: @triplab</figcaption></figure> Después de casi todo un show construido alrededor de un lenguaje religioso, la última comunión tomó la forma de cuerpos saltando y chocando en el medio de la sala. &nbsp;<h4>El próximo capítulo de Blair&nbsp; &nbsp;</h4>Con esta etapa terminada, Blair ya trabaja en la composición de su tercer álbum de estudio, el proyecto que marcará su próxima elección musical. Después de construir en Bar Scorpios un universo atravesado por el cine, la religión, el terror y una narrativa que excedió a las canciones, ahora la expectativa queda puesta en descubrir qué forma tomará su nuevo relato.&nbsp; &nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/19/IMG_8177.JPG7568_.jpeg"><figcaption>Foto: @triplab</figcaption></figure>

La artista repasó su segundo disco con una puesta conceptual, cambios de personaje y un cierre punk ante una sala llena en Buenos Aires.

La artista repasó su segundo disco con una puesta conceptual, cambios de personaje y un cierre punk ante una sala llena en Buenos Aires.

De la plegaria al pogo: Blair despidió Bar Scorpios con un show agotado en Deseo

Blair despidió Bar Scorpios con un show agotado en Deseo

Referentes del rock, el pop y la música urbana compartirán escenario con proyectos que destacan por su propia personalidad y una impronta auténtica en un panorama donde suele parecer que todo está inventado. Ese cruce será uno de los ejes de la octava edición del Harlem Festival, que reunirá a 34 artistas durante dos jornadas en el Predio Estación Belgrano en la Ciudad de Santa Fe.En diálogo con Filo.news, BB Asul, La Grecia, La Valenti y Sakatumba hablaron sobre el desafío de condensar sus repertorios, tocar frente a públicos que quizás todavía no conocen sus canciones y aprovechar el festival como una vidriera para ampliar sus audiencias.<h4>BB Asul: de la composición para otros artistas a su propio universo</h4>Además de desarrollar su carrera como cantante, BB Asul, nombre artístico de Isabela Terán Lieban, construyó un recorrido como compositora. Participó en la escritura de canciones de Lali como “Fanático”, “No me importa”, “Lokura” y “Plástico”, incluidas en el álbum No vayas a atender cuando el demonio llama.En septiembre de 2026 publicó Miss Universo, un disco atravesado por el rock, el pop y una instrumentación más pesada. El álbum incluye participaciones de Lali, Massacre y Taichu, mientras que la canción que le da nombre al proyecto funciona como una síntesis de esta nueva etapa de su carrera.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/17/SaveClip.App_798415138_18127306057808604_2485055881239713949_n9555_.jpg"><figcaption>Foto: VideoClip "Miss Universo" (@bbasul)</figcaption></figure>&nbsp;Su llegada al Harlem tendrá, además, un significado particular. BB Asul ya había participado del festival haciendo coros para otros proyectos, pero esta vez se presentará al frente de su propia banda y con un repertorio más personal. Además, la artista resaltó la oportunidad para trasladar su propuesta fuera de la Ciudad de Buenos Aires.Al abordar la transición de un recital de hora y media a un bloque más acotado en un festival, Ia cantante explicó la importancia de la precisión:<blockquote>"Es elegir las canciones que siento que son por las que vinieron, así que voy a llevar las mejores".</blockquote>Para quienes todavía no conocen su música, la artista eligió “Miss Universo” como puerta de entrada a su discografía.<h4>La Grecia: una nueva generación que recupera el rock clásico</h4>La Grecia nació en Buenos Aires en 2022 y está integrada por Martín “Chino” Benítez en voz, Dylan Sorokin y Benjamín Puelles en guitarras, Joaquín Wittenstein en bajo y Valentino Wengrovski en batería. El grupo se formó a partir de la amistad entre sus integrantes y tomó como referencia tanto al rock argentino como a figuras internacionales del género.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/17/SaveClip.App_729283247_17987660895006576_5830276683539679834_n5143_.jpg"><figcaption>Foto: Redes Sociales (@lagrecia__)</figcaption></figure>Después de publicar su disco homónimo en 2024, la banda profundizó ese camino con Lady Garrón, editado en 2025. El álbum fue presentado en Niceto Club y algunas de esas interpretaciones quedaron registradas posteriormente en un EP en vivo. Canciones como “No quiere mi amor”, “Descansar” y “Dámelo” forman parte de esta etapa de crecimiento.Para sus integrantes, participar del Harlem representa la posibilidad de compartir escenario con músicos que forman parte de sus propias referencias:<blockquote>"Es un sueño estar en estos festivales compartiendo con artistas que admiramos tanto y pagar el derecho de piso que corresponde por ser una banda que está emergiendo".</blockquote>Al hablar sobre la diferencia entre tocar en espacios pequeños y presentarse en un festival, respondieron con humor que ahora “podés correr en el escenario si querés”. Sin embargo, sostuvieron que la esencia de la banda no cambia con el tamaño de la infraestructura: el objetivo continúa siendo transmitir "la fe en la canción y la melodía", y generar una conexión directa con el público.Si pudieran elegir un grupo de la grilla con el que les gustaría encontrarse arriba del escenario, coincidieron al únisono: "Perras on the Beach", la banda cuyana que tocará durante la primera jornada del festival.<h4>La Valenti: el cierre de una etapa y un nuevo ciclo después de "La Capitana"</h4>La Valenti es el nombre artístico de Valentina Soria, cantautora y productora criada en Neuquén y radicada en Buenos Aires. Su música parte de una identidad patagónica, pero incorpora elementos del pop, el folclore latinoamericano y la electrónica. Esa combinación le permite moverse entre repertorios acústicos, canciones propias y relecturas de clásicos populares.Durante 2026 desarrolló La Peña de La Capitana, un ciclo de ocho funciones que reunió canciones propias, clásicos del folclore latinoamericano e invitados.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/17/SaveClip.App_728704154_18599365822061861_7030679613106888226_n3794_.jpg"><figcaption>Foto: Redes Sociales (@soylavalenti)</figcaption></figure>Su presentación en el Harlem funcionará como apertura de una nueva gira y cierre del ciclo de La Capitana. De cara a sus próximos lanzamientos, la artista busca abandonar la construcción de personajes y presentarse desde un lugar más directo.El formato de festival también le plantea el desafío de reducir su repertorio:<blockquote>“Es dificilísimo porque tenés que ser muy cuidado y muy preciso. Pero es bienvenido porque te entrena, hasta ahora siempre ha salido bien”.</blockquote>Para quienes todavía no conocen su música, recomendó dos canciones que representan momentos diferentes de su recorrido: “Medusa”, perteneciente a su primera etapa, y “Volver al sur”, incluida en La Capitana.<h4>Sakatumba: una oportunidad para conquistar nuevos públicos</h4>Formada en la Ciudad de Buenos Aires en 2019, la banda under se mueve entre el rock alternativo, el punk y la tradición cancionera del rock nacional. Después de publicar un primer EP homónimo, la banda editó en 2023 el álbum Puro Teatro y continuó ampliando su repertorio con canciones como “Hermoso desastre” y “Espiral”, esta última presentada en 2026 como parte de una sesión compartida con Salas Velatorias.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/17/SaveClip.App_742382221_18484481443100742_8264253081664432961_n1676_.jpg"><figcaption>Foto: Redes Sociales (@sakatumba_)</figcaption></figure>Su llegada al Harlem marcará la primera presentación del grupo en Santa Fe. Para sus integrantes, ocupar uno de los horarios iniciales no representa una desventaja sino una posibilidad de darse a conocer a personas que no los tenian en el radar:<blockquote>“Nos ve un montón de gente que capaz va por otros artistas más conocidos, pero se encuentran con algo muy interesante”.</blockquote>Como puerta de entrada a su identidad, recomendaron escuchar “Espiral” y “El mundo es una estación”.<h4>Cuándo y dónde será el Harlem Festival 2026</h4>La octava edición se realizará el sábado 10 y el domingo 11 de octubre en el Predio Estación Belgrano, ubicado en Boulevard Gálvez 1100, ciudad de Santa Fe. Las puertas abrirán a las 14, el ingreso estará habilitado hasta las 22 y la actividad terminará a las 2 en ambas jornadas, de acuerdo con la información oficial.El encuentro contará con tres escenarios, propuestas gastronómicas y actividades. Las entradas generales para cada fecha y los abonos para los dos días se venden por los canales oficiales del evento.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DbqTaiIDqN6/?hl=es&amp;img_index=1"></oembed></figure>

Del rock and roll al sonido urbano y del punk a la electrónica: BB Asul, La Grecia, La Valenti y Sakatumba muestran la impronta de una generación que no le tiene miedo a la reinvención.

Del rock and roll al sonido urbano y del punk a la electrónica: BB Asul, La Grecia, La Valenti y Sakatumba muestran la impronta de una generación que no le tiene miedo a la reinvención.

Harlem Festival 2026: cómo la escena emergente conquista la grilla entre la diversidad de géneros y la autenticidad

Harlem Festival 2026: los artistas emergentes que conquistan la grilla

La expectativa comenzó a construirse antes de que se apagaran las luces. En el centro del escenario, un gran telón circular permanecía desplegado y ocultaba lo que sucedía en su interior. Al comenzar el show, la estructura se iluminó en tonos azules con la silueta del oso proyectada sobre su superficie. Segundos después, la tela dejó al descubierto a Ozuna y comenzaron a sonar los primeros acordes de “Una Aventura”, la canción que le da nombre a su nueva gira internacional. El grito del público marcó el inicio de la noche.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/09/@candeallende.ph_-_Ozuna_-_Movistar-181365_.jpg"><figcaption>Fotos Candela Allende / Foggia Company</figcaption></figure>&nbsp;Unos minutos antes, Ramapal by WASABI había preparado el terreno con una selección de reggaeton que convirtió la previa en una fiesta. Entre clásicos del género y canciones reconocibles desde los primeros segundos, el DJ consiguió que las plateas y el campo comenzaran a moverse mucho antes de la aparición del protagonista.La puesta en escena acompañó el repertorio con pantallas gigantes, fuego, humo y juegos de luces. El oso, figura ligada a la identidad artística del puertorriqueño, ocupó un lugar central dentro del universo visual de Una Aventura World Tour. Un cuerpo de bailarines completó el despliegue con coreografías que siguieron los cambios de ritmo y de clima del espectáculo.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/09/@candeallende.ph_-_Ozuna_-_Movistar-263653_.jpg"><figcaption>Fotos Candela Allende / Foggia Company</figcaption></figure>&nbsp;El primer tramo reunió “La Modelo”, “Del Mar”, “Caramelo”, “Vaina Loca”, “Tu Foto” y “Se Preparó”. El recorrido conectó rápidamente con la etapa que llevó al cantante a ocupar un lugar central dentro de la música urbana y mostró hasta qué punto aquellas canciones continúan instaladas en la memoria de sus seguidores.Más adelante llegaron “Corazón de Seda”, “Me Reclama” y “ZIZI”, su reciente colaboración con Omar Courtz. La inclusión de este último tema permitió unir los clásicos de 2017 y 2018 con el presente de Ozuna y con una nueva generación del sonido urbano puertorriqueño.Para cerrar ese bloque, Emanuel Noir, cantante de Ke Personajes, apareció como el primer invitado de la noche. Juntos interpretaron “Te Vas” en una versión en cumbia que puso a bailar a todo el estadio.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/09/@candeallende.ph_-_Ozuna_-_Movistar-401679_.jpg"><figcaption>Fotos Candela Allende / Foggia Company</figcaption></figure>&nbsp;“En la Intimidad”, “Solita” y “Ahora Dice” abrieron una parte más melódica del concierto, antes de que “Yo x Ti, Tú x Mí”, “Síguelo Bailando” y “Hey Mor” volvieran a acelerar el ritmo. Los bailarines regresaron al centro de la escena mientras las pantallas y las luces acompañaban cada transición.Mientras sonaba “Municiones” en versión guaracha, Ozuna dejó momentáneamente el escenario principal y se trasladó hacia una segunda estructura ubicada al fondo del campo. El cambio le permitió acercar el espectáculo a quienes se encontraban en las plateas traseras y darle una nueva disposición a la puesta.Allí cantó “Que va", "Dile que Tú Me Quieres”, “Amor Genuino”, “Quiero Repetir” y “Escápate Conmigo”. Rodeado nuevamente por sus seguidores, el músico aprovechó ese segmento para recorrer una parte más íntima de su catálogo antes de emprender el regreso hacia el escenario central mientras sonaba “China”.Otro de los momentos que reforzó su conexión con el público argentino ocurrió después de un cambio de vestuario. El artista regresó con una remera de Diego Maradona y recibió desde el campo una camiseta de la Selección argentina. Luego se la mostró al estadio y expresó: “Como quieras, somos los campeones del mundo”.El vínculo local se completó con el mate. Días antes del recital, Ozuna lo había probado durante una transmisión en vivo junto al streamer Cocker. Ya sobre el escenario, entre una canción y otra, integrantes de su equipo se acercaron para pasarle uno,en una escena celebrada desde las plateas y el campo.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Dc_fZGZj7SM/?img_index=1"></oembed></figure>De regreso en el escenario principal, “Me Niego”, “Baila Baila Baila” y “Criminal” marcaron el comienzo de la despedida. Los primeros acordes fueron suficientes para que las voces del público se impusieran por momentos sobre la música y confirmaran la vigencia de canciones publicadas durante distintos períodos de su carrera.La última sorpresa llegó con “El Farsante”. Luz Gaggi apareció en escena para interpretar junto a Ozuna la misma canción que había presentado durante su participación en La Voz Argentina. El encuentro marcó la primera actuación conjunta de ambos artistas y se convirtió en uno de los momentos destacados del concierto.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/09/@candeallende.ph_-_Ozuna_-_Movistar-431934_.jpg"><figcaption>Fotos Candela Allende / Foggia Company</figcaption></figure>&nbsp;“Si Tu Marido No Te Quiere” y “Te Boté” extendieron el tramo final antes de que “Taki Taki” fuera la elegida para cerrar la noche. Ozuna volvió a agradecer el recibimiento argentino y obtuvo la misma respuesta que había acompañado todo el espectáculo: gritos, baile y coros que recorrieron cada sector del estadio.Una Aventura World Tour funciona como una mirada hacia la trayectoria del cantante, pero también como una reafirmación de su presente. La gira lleva el nombre del sencillo con el que el artista regresó a sus raíces musicales.&nbsp;

El puertorriqueño se reencontró con el público argentino después de diez años y presentó Una Aventura World Tour con localidades agotadas, dos escenarios y bailarines en escena. Invitados sorpresa y guiños a nuestro país marcaron la noche en el Estadio de Villa Crespo.

El puertorriqueño se reencontró con el público argentino después de diez años y presentó Una Aventura World Tour con localidades agotadas, dos escenarios y bailarines en escena. Invitados sorpresa y guiños a nuestro país marcaron la noche en el Estadio de Villa Crespo.

Ozuna regresó a Buenos Aires: invitados sorpresa y guiños a la cultura argentina

Cindy Cats se reencontró este miércoles con el lugar donde, de a poco, empezó a tomar forma esta juntada de amigos alrededor de la música. Con el público rodeando el escenario, artistas visuales interviniendo el espacio y DJ Cot Cardillo desde la cabina antes del comienzo, más de 14 músicos volvieron a encontrarse en una ronda que por momentos se parece más a un fogón que a un recital.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/08/27/cindy_1_ago26_x_@irishsuarez_-_0059714_.jpg"><figcaption>Foto: @irishsuarez</figcaption></figure><h4>Un viaje musical entre rock, folklore y rap</h4>Felipe Herrera le puso nombre desde el comienzo: un “viaje musical”. La primera parada fue El pibe de los astilleros y, cuando terminó, llegó la dedicatoria: “Todo este bloquecito está dedicado al gran Indio Solari”, dijo antes de agradecer “su obra, sus palabras, sus pensamientos, sus creencias, su amor por la música y el respeto por quienes la hacen”.El viaje recién empezaba. Abismo, de Illya Kuryaki and the Valderramas y editada originalmente en 1995, trasladó la noche hacia ese cruce de funk, rap y rock que el dúo ayudó a instalar en la música argentina y que Cindy Cats ya había llevado a una de sus grabaciones en vivo. Después apareció Emme para NSYSV (No soy yo, sos vos), Herrera tomó su propia Desencontrados y Seminare abrió otra puerta hacia la historia del rock nacional.&nbsp;Creado por Pedro Pasquale, Francisco Alduncin, Axel Introini, Felipe Herrera, Julián Gallo, Carlos Salas y Gonzalo Isaí Palacios, el proyecto encuentra justamente ahí una de sus marcas: no interpretar las canciones como piezas inmóviles, sino hacerlas viajar entre arreglos, músicos y generaciones.<h4>Invitados, freestyle y un guiño a la soberanía cultural</h4>La siguiente estación encontró a Maggie Cullen, una de las voces jóvenes del folklore, primero en El olvidao y después en Alma de diamante, de Luis Alberto Spinetta. Más tarde, Little Boogie, rapero surgido del freestyle y con paso por las batallas de El Quinto Escalón, tomó Quieren rock, de Intoxicados, y permaneció en la ronda para Carnavalito del Duende junto a Nelson Giménez. En medio de una canción atravesada por las raíces del folklore, Little Boogie se tiró un freestyle y puso a convivir, dentro de un mismo momento, sonidos tradicionales con una forma de expresión del presente. Detrás de ellos, la pantalla terminó de completar la escena con una frase: “La patria no se vende”, escrita con una tipografía que remitía a la bandera de “Las Malvinas son argentinas” que acompañó a la Selección durante el Mundial. Cindy Cats volvía así a abrazar las raíces y el concepto de soberanía desde el arte, recuperando sonidos propios no como algo del pasado, sino como una identidad que todavía puede transformarse y encontrar nuevas voces.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/08/27/ChatGPT_Image_27_ago_2026,_01_36_24_p.m.9231_.png"><figcaption>La frase "La patria no se vende" acompañó la noche de la jam. (Foto: @guadablasco)</figcaption></figure>&nbsp;Yo vengo a ofrecer mi corazón siguió ampliando ese mapa hasta que apareció Klan, uno de los amigos habituales de la jam, para R.A.C.H Vol. 38. Emme también se incorporó durante esa interpretación y, en vivo, apareció el “matan a pobres corazones” de Fito Páez, otro cruce dentro de una noche hecha de canciones que se iban encontrando entre sí. Después llegó el cypher y la lógica de fogón terminó de imponerse: raperos y freestylers, entre ellos artistas que pasaron por El Quinto Escalón, fueron tomando el micrófono para tirarse sus free, mientras distintos amigos se sumaban a tocar. Lucas Fridman pasó por los teclados y Willy Bronca ocupó la batería antes de agarrar también el micrófono e improvisar.<h4>El homenaje a Rubén Rada</h4>La música hizo lugar entonces para lo que había atravesado todo ese miércoles. “Un gran aplauso para el maestro del candombe, el Negro Rubén Rada”, pidieron desde el escenario para homenajear al artista uruguayo fallecido durante la jornada. “El Río de la Plata nos une, porque navegar en la música que amás te hace vivir una vida más feliz, como era él”, agregaron antes de interpretar Quién va a cantar. El recuerdo de Rada terminó de poner en palabras algo que Cindy Cats había hecho durante toda la noche: volver sobre una historia musical compartida para hacerla circular nuevamente entre quienes estaban ahí, desde el folklore y el rock hasta el candombe, el rap y la improvisación.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Dci8RMZDafn/?img_index=1"></oembed></figure><h4>De Bad Bunny a Divididos: el cierre del show</h4>Después de Huayno del diablo, el recorrido se acercó al presente con la Sesión .AR de Bad Bunny, el formato en el que Cindy Cats reinterpreta canciones con banda y arreglos en vivo. Antes de tocar, desde el escenario contaron que aquella sesión permitió incluso que artistas como Rosalía conocieran el proyecto. Y el último punto fue Sábado, de Divididos, otra versión que —como Abismo— ya fue registrada por la banda y se convirtió en una recurrente de sus jams. Terminó el show, pero no necesariamente el encuentro: Cot Cardillo volvió a la cabina y la música siguió con la gente todavía alrededor de esa misma ronda.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/08/27/cindy_1_ago26_x_@irishsuarez_-_0672674_.jpg"><figcaption>Foto: @irishsuarez</figcaption></figure><h4>Próximas fechas</h4>Cindy Cats volverá a presentarse este jueves 27 con entradas agotadas, alcanzando cuatro sold out consecutivos en Amérika, mientras ya prepara su última fecha del año en el mismo lugar para el 10 de diciembre.

La jam reunió a más de 14 músicos, invitados, freestyle, homenajes y versiones que cruzaron rock, folklore, candombe y escena urbana. En medio del show, homenajearon a Rubén Rada, uno de los artistas más queridos del Río de la Plata.

La jam reunió a más de 14 músicos, invitados, freestyle, homenajes y versiones que cruzaron rock, folklore, candombe y escena urbana. En medio del show, homenajearon a Rubén Rada, uno de los artistas más queridos del Río de la Plata.

Guadalupe Blasco

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