Después de varios años de publicar canciones de manera individual, El Príncipe Idiota, el proyecto solista de Mariano Di Cesare, vuelve al formato de álbum con Carisma Secreto. El disco representa una nueva etapa para una obra que comenzó en 2015 y que, diez años después de Doméstico, encuentra otra forma de desplegarse.Para Di Cesare, el álbum fue el resultado de un proceso largo, hecho de canciones que fueron apareciendo y acumulándose con el tiempo, pero también de decisiones. “Son canciones que vengo arrastrando hace mucho tiempo y algunas que salieron a último momento, como para poder terminar de cerrar el cuerpo de canciones del disco”, contó en diálogo con Filo.news.El momento decisivo llegó cuando decidió trasladar el proceso de trabajo a Tigre, donde se encerró durante diez días junto a Cruz, productor del disco; su hermano Juan Pablo Di Cesare, fundamental en la composición y los arreglos; y Andyno Plex, músico mendocino que participó de la coproducción y que ahora también integra la banda que llevará las canciones a los escenarios.“Los discos y las obras, más que música, están hechos a base de decisiones”, explicó Mariano. Después de probar diferentes productores y posibilidades de grabación, encontró en ese equipo y en ese retiro la forma de terminar de darle cuerpo a Carisma Secreto.<h4>Entre El Príncipe Idiota y Mi Amigo Invencible</h4>El regreso de El Príncipe Idiota al formato de larga duración también estuvo condicionado por otro de los grandes proyectos de Di Cesare: Mi Amigo Invencible, banda que fundó y lidera desde 2007 y con la que mantiene una intensa actividad.Durante los últimos años, la agenda de la banda ocupó buena parte de su tiempo. Este año, después de una extensa gira internacional, Mariano encontró un espacio de aproximadamente seis meses para concentrarse en su proyecto solista. “Quería sacar un disco sabiendo que iba a poder presentarlo. No podía grabar un disco sin saber que iba a poder presentarlo”, explicó.La convivencia entre ambos universos, sin embargo, no implica una separación tajante. Mientras prepara la gira de Carisma Secreto, Di Cesare también trabaja junto a Mi Amigo Invencible en el décimo álbum de la banda, que está previsto para 2027.Para él, las diferencias entre ambos proyectos aparecen naturalmente. “En El Príncipe Idiota soy yo el engranaje. En cambio, en Mi Amigo Invencible yo soy un engranaje”, resumió.La frase sintetiza dos maneras distintas de trabajar. Mientras en Mi Amigo Invencible las decisiones son más grupales, El Príncipe Idiota le permite tener libertad absoluta sobre las canciones y su dirección artística. Esa diferencia también determina cómo aborda cada composición.<h4>Un disco de atmósferas que busca otra forma de sonar en vivo</h4>Carisma Secreto está atravesado por una búsqueda sonora expansiva y cinematográfica, con canciones de raíz rock y sensibilidad folk, texturas electrónicas y una fuerte presencia de atmósferas.Sin embargo, llevar ese universo al escenario supone para Di Cesare un desafío particular: hacer exactamente lo contrario de lo que podría esperarse de una producción de esas características.“Estoy tratando de entender que las cosas son más simples y que pueden transmitir muchísimo más sin una parafernalia que un poco está sucediendo”, señaló. Su intención es oponerse, especialmente, a la “parafernalia sonora” y traducir las canciones del disco a una versión más minimalista.La apuesta estará puesta en que el espacio, los silencios y el ambiente también sean parte de la música. “El disco está hecho a base de atmósferas bastante ambientales. Entonces, el desafío más grande en los shows es darle esa atmósfera al espacio, a los silencios y demás”, explicó.Para la presentación en vivo, Mariano trabajará en formato de trío junto a Mariano Otero y Andyno, además de contar con algunos de los músicos invitados que participaron en el álbum.La gira comenzará el 31 de octubre y se extenderá hasta el 12 de diciembre, con nueve presentaciones que recorrerán Argentina y llegarán hasta México.<h4>Devendra Banhart y Lucas Martí: dos colaboraciones nacidas de la admiración</h4>Uno de los atractivos de Carisma Secreto son las participaciones de Devendra Banhart y Lucas Martí, dos artistas que forman parte del universo musical que Di Cesare admira.En el caso de Banhart, el vínculo tuvo un componente inesperado. Ambos habían compartido algunas noches en Mendoza y, durante esos encuentros, el músico estadounidense le contó a Mariano que escuchaba su música desde 2020.“Me dejó bastante sorprendido”, recordó Di Cesare. A partir de ese encuentro, el cantante se animó a enviarle un demo cuando imaginó su voz dentro de una de las canciones. Banhart aceptó y grabó su participación desde su casa.La colaboración con Lucas Martí tuvo otra historia detrás. Después de años de cruzarse en recitales sin demasiadas posibilidades de conversar por el volumen de los shows, ambos comenzaron a intercambiar mensajes por Instagram. “Nos mimamos un poco por internet”, contó Mariano entre risas.Finalmente, lo invitó a participar de una canción y se encontraron en La Besexua, un estudio vinculado también a la historia de Luis Alberto Spinetta. Según recordó, Martí desplegó allí “una magia increíble” durante las dos horas que compartieron, una experiencia que también le permitió aprender del proceso creativo de otro músico que admira.<h4>Por qué se llama El Príncipe Idiota</h4>El nombre de su proyecto solista tampoco nació de una planificación estricta. Di Cesare contó que siempre le interesaron los nombres compuestos por dos palabras que, en principio, parecen distantes entre sí. Puso como ejemplos a Los Auténticos Decadentes y Los Fabulosos Cadillacs.En esa elección también aparece una conexión personal con Los Auténticos Decadentes, grupo que, según recordó, fue fundamental en su acercamiento inicial a la música. “Fue el grupo que me trajo la música de mi vida”, contó.La historia concreta del nombre, sin embargo, apareció a partir de una escena mucho más azarosa. Mariano había visto un documental sobre un centro cultural de La Plata y quedó fascinado con una mujer de espíritu punk que tenía tatuada en la panza una frase: “No soy una princesa”.La idea quedó dando vueltas en su cabeza hasta transformarse en El Príncipe Idiota. Días después, su madre le señaló que ese nombre correspondía a una novela de Fiódor Dostoyevski, algo que él desconocía.Casi al mismo tiempo, Mariano estaba viendo Barry Lyndon, la película de Stanley Kubrick, cuyo protagonista también es presentado como una suerte de príncipe idiota. “Ahí arrancó”, recordó.Con "Carisma Secreto", aquel proyecto que comenzó en 2015 vuelve ahora a tomar impulso. Entre canciones que llevaban años esperando, nuevas composiciones, colaboradores admirados y una búsqueda por reducir el ruido para darle más lugar a las atmósferas, El Príncipe Idiota encuentra una nueva forma de continuar su recorrido.

Tras seis años de publicar singles, Mariano Di Cesare retoma el formato de larga duración con "Carisma Secreto", un disco que nació durante un retiro creativo en Tigre y que marca una nueva etapa para su proyecto solista. En diálogo con Filo.news, habló sobre la construcción del álbum, sus colaboraciones con Devendra Banhart y Lucas Martí, la convivencia con Mi Amigo Invencible y el desafío de llevar estas canciones al vivo.

Tras seis años de publicar singles, Mariano Di Cesare retoma el formato de larga duración con "Carisma Secreto", un disco que nació durante un retiro creativo en Tigre y que marca una nueva etapa para su proyecto solista. En diálogo con Filo.news, habló sobre la construcción del álbum, sus colaboraciones con Devendra Banhart y Lucas Martí, la convivencia con Mi Amigo Invencible y el desafío de llevar estas canciones al vivo.

El Príncipe Idiota vuelve al álbum con “Carisma Secreto”: “Estoy tratando de entender que todo puede ser más simple”

El Príncipe Idiota vuelve al álbum con “Carisma Secreto”

Desde el primer momento, el público acompañó a Jorge en cada canción y convirtió al Teatro en el escenario perfecto para este comienzo. “Piano &amp; Voz” no es un show que necesite de sorpresas externas para generar impacto: la propia propuesta es la sorpresa. Se trata de un proyecto que Jorge viene trabajando desde hace varios años y al que dedicó un año completo de preparación, entre grabaciones y ensayos, para llevar a escena una experiencia artística de enorme exigencia.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Dd1TKi0ERpb/?stkn=MXg5YjZ0ZG45aDB5dg%3D%3D"></oembed></figure> El formato pone especialmente en primer plano su voz y su interpretación, en un performance vocalmente desafiante y de gran intensidad, acompañado únicamente por el piano. A la vez, propone un espectáculo exquisito desde lo artístico, que permite descubrir nuevas dimensiones de un repertorio y de un artista que sus seguidores han podido acompañar a lo largo de los años en sus distintas facetas, búsquedas y desafíos. &nbsp;El encuentro con el público rosarino estuvo atravesado por grandes momentos musicales y por la emoción de ser testigos del primer capítulo de un proyecto que Jorge continuará presentando durante los próximos meses. &nbsp;Este primer show de “Piano &amp; Voz” fue una gran demostración de todo el trabajo que Jorge viene realizando y que ahora continuará su recorrido por distintas ciudades del país. La gira pasará por Santa Fe, Córdoba, Mendoza, Buenos Aires, Salta y Tucumán, con una presentación especial el 7 de noviembre en el Teatro Coliseo de Buenos Aires. &nbsp;<h4>Próximos Shows — Piano &amp; Voz</h4>3 de octubre: ATE Casa España, Santa Fe, Argentina (ENTRADAS AGOTADAS) 23 de octubre: Quality Espacio, Córdoba, Argentina 31 de octubre: Teatro Independencia, Mendoza, Argentina 7 de noviembre: Teatro Coliseo, Buenos Aires, Argentina 14 de noviembre: Teatro Provincial “Juan Carlos Saravia”, Salta, Argentina 20 de noviembre: Teatro Mercedes Sosa, Tucumán, Argentina&nbsp;

Jorge Rojas dio inicio a “Piano &amp; Voz”, su nueva y esperada gira, con un emotivo primer show en el Teatro El Círculo de Rosario, con localidades agotadas, acompañado por Román Ramonda en el piano y por la danza en escena con Azul Abigail y Santy Sastre.

Jorge Rojas dio inicio a “Piano &amp; Voz”, su nueva y esperada gira, con un emotivo primer show en el Teatro El Círculo de Rosario, con localidades agotadas, acompañado por Román Ramonda en el piano y por la danza en escena con Azul Abigail y Santy Sastre.

Jorge Rojas dio inicio a “Piano & Voz”, su nueva gira, con una noche emotiva e inolvidable en Rosario

Ni Boy band, ni Girl band, llega un nuevo estilo de agrupación donde el género no hace foco y la experiencia es totalmente musical.Sin modismos ni etiquetas la banda &nbsp;integrada por cuatro artistas de China, Taiwán, Corea del Sur y Japón, se presentara por primera vez en Argentina con una propuesta que rompe con los estereotipos tradicionales de género eliminando las etiquetas en la música y la estética.&nbsp;El nombre XLOV combina la “X”, símbolo de lo desconocido y las infinitas posibilidades, con “LOV”, una representación de un amor incompleto que encuentra su significado en la conexión con sus seguidores. &nbsp;Desde su debut en enero de 2025 con I'mma Be, el cuarteto ha cautivado a la crítica especializada y a su comunidad de fans, conocida mundialmente como EVOL, gracias a su versatilidad vocal, potentes performances con guiños al vogueing y una estética andrógina sumamente cuidada.¿QUIÉNES SON LOS CUATRO ARTISTAS QUE COMPONEN ESTE FENÓMENO GLOBAL? WUMUTI (LÍDER Y PRODUCTOR)<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/28/1L8687_.jpg"></figure>Originario de China, Wumuti es el corazón creativo y motor de la agrupación. Con una trayectoria previa marcada por su destacada participación en conocidos programas de supervivencia como Boys Planet, se consolidó como un artista integral capaz de componer y producir los propios lanzamientos del grupo, incluido el sencillo debut "I'mma Be". En escena, destaca por su liderazgo carismático, su impecable capacidad vocal y una visión artística sin ataduras.RUI (VOCALISTA Y PERFORMER) <img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/28/4_L6192_.jpg">De nacionalidad taiwanesa, Rui aporta una presencia escénica magnética y una elegancia visual que captura la atención desde el primer momento. Tras su paso por Boys Planet, donde entabló un gran lazo con Wumuti y Haru, se unió al proyecto para convertirse en una pieza clave de la armonía del grupo. Su estilo se caracteriza por la fluidez de sus movimientos, su expresión andrógina sofisticada y una voz versátil capaz de transmitir profunda emotividad. &nbsp;HYUN (VOCALISTA Y VISUAL)<img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/28/3_L3730_.jpg"> &nbsp;Nacido en Corea del Sur, Hyun se distingue por su identidad visual impactante y un timbre de voz suave que aporta equilibrio al sonido del grupo. Como integrante surcoreano de la banda, conecta de manera fundamental con las raíces del K-pop clásico al tiempo que empuja los límites del género mediante apuestas estéticas vanguardistas que desafían el concepto estilístico tradicional. &nbsp;HARU (BAILARIN Y MAKNAE) &nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/28/2L4584_.jpg"></figure>Nacido en Japón, Haru es el miembro más jóven del grupo (maknae) y destaca por su destreza técnica en la danza. También ex participante de Boys Planet, aporta una energía arrolladora a las coreografías complejas de la banda, incorporando soltura y expresividad en cada movimiento. Su ternura y carisma fuera del escenario contrastan con su fuerza interpretativa durante las presentaciones en vivo.&nbsp;XLOV se presentará en Argentina el próximo 25 de noviembre en C Art Media como parte de su tour por Latinoamérica, que también tendrá shows en México, Perú y Chile. En un momento de pleno auge del K-pop en la región, la comunidad EVOL argentina podrá presenciar en directo un espectáculo inmersivo que combina pop, performance y la propuesta estética única que define a este cuarteto. Tickets a la venta a través de passline.com &nbsp; &nbsp;

Integrado por cuatro artistas de China, Taiwán, Corea del Sur y Japón, el grupo se presenta por primera vez en Argentina con una propuesta que rompe con los estereotipos tradicionales de género eliminando las etiquetas en la música y la estética.&nbsp; &nbsp;

Integrado por cuatro artistas de China, Taiwán, Corea del Sur y Japón, el grupo se presenta por primera vez en Argentina con una propuesta que rompe con los estereotipos tradicionales de género eliminando las etiquetas en la música y la estética.&nbsp;&nbsp;

Quién es quién en XLOV, la primera banda de K-pop genderless en llegar a Argentina

Wanda Jael llega a Club Paraguay con “Nacional y Popular”, un festival que busca combinar música, cultura y comunidad en una jornada de celebración. El encuentro será el próximo 22 de octubre en Córdoba y contará con un show en vivo de la artista, además de la participación de invitados de distintos puntos del país.La propuesta nació a partir del reconocimiento de Wanda Jael como Artista Pop Revelación de Córdoba y como una manera de compartir ese logro con su comunidad. La jornada tendrá una capacidad de hasta 1.000 personas y propone una entrada accesible para acercar al público una experiencia artística de gran formato.El festival también tendrá una dimensión solidaria. Durante el evento se realizará una colecta de alimentos no perecederos destinados a comedores comunitarios, con el objetivo de sumar una acción concreta a la celebración.<h4>Una propuesta que cruza pop, electrónica y música urbana</h4>La artista cordobesa desarrolla una propuesta escénica intensa y performática, con una identidad sonora que combina pop, electrónica y música urbana, junto con matices latinos, andinos y folklóricos.Su puesta en escena se caracteriza por una fuerte presencia teatral y por performances que pueden adaptarse a diferentes formatos y escenarios. En su álbum debut, “El Presagio de la Diosa”, construyó un universo electro-telúrico atravesado por una propuesta performática y un mensaje de empoderamiento.A partir de ese trabajo, Wanda Jael llevó su música a distintos escenarios de Argentina y Chile, con presentaciones en Santiago y Valparaíso. También fue convocada para abrir shows de artistas como Six Sex, Feli Colina y Juana Rozas, y compartió festivales con nombres como Marilina Bertoldi, Lali y Él Mató a un Policía Motorizado.En 2025 presentó “MÁMÁ P...”, un single de funk-urbano realizado en colaboración, y recientemente lanzó “¡BOLUDA, TRANQUILA!”, una canción de género hyperpop que funciona como adelanto de su próximo trabajo discográfico, previsto para publicarse completo durante este año.<h4>“Nacional y Popular”: cuándo y dónde es</h4>El festival “Nacional y Popular” de Wanda Jael se realizará el 22 de octubre en Club Paraguay, Córdoba, con capacidad para 1.000 personas y participación de artistas invitados de todo el país.Además del espectáculo musical, quienes asistan podrán colaborar con la colecta de alimentos no perecederos destinada a comedores comunitarios. Entre los espacios confirmados para recibir las donaciones se encuentra Merendero Los Bajitos Olla, mientras que se prevé sumar otros dos merenderos.La propuesta busca así unir música y encuentro comunitario en una celebración que pone en el centro la escena artística cordobesa y el recorrido de Wanda Jael.

La artista cordobesa celebrará el reconocimiento como Artista Pop Revelación de Córdoba con un show en vivo el 22 de octubre en Club Paraguay. El encuentro también tendrá una colecta de alimentos para comedores comunitarios.

La artista cordobesa celebrará el reconocimiento como Artista Pop Revelación de Córdoba con un show en vivo el 22 de octubre en Club Paraguay. El encuentro también tendrá una colecta de alimentos para comedores comunitarios.

Wanda Jael presenta “Nacional y Popular”, un festival de música, cultura y comunidad en Córdoba

Wanda Jael presenta “Nacional y Popular”

La espera terminó para la comunidad del heavy metal y los más aficionados al rock industrial, ya que Marilyn Manson y Slipknot anuncian su arribo a la Argentina para el próximo 8 de septiembre de 2027 en el Estadio Huracán.&nbsp;&nbsp;La fecha marcará la quinta visita de Slipknot al país y un nuevo encuentro con los “maggots” argentinos, a dos años de su última presentación en Buenos Aires. Mientras que para Marilyn Manson es un regreso muy esperado, siendo su última visita en 2016 y tras haber lanzado recientemente dos discos nuevos.&nbsp;La preventa de entradas para clientes SANTANDER VISA será el 1° de octubre a las 10:00 horas y contará con el beneficio de 6 cuotas sin interés, &nbsp;mientras que la venta general (con cualquier medio de pago) sucederá el 2 de octubre, también a las 10:00 horas. La única plataforma para comprar los tickets es All Access.Skipknot celebra el aniversario número veinticinco de su disco debut homónimo<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/28/undefined"></figure>Skipknot continúa consolidando su alineación actual, que está integrada por Corey Taylor en voz, Shawn "Clown" Crahan en percusión, Mick Thomson y Jim Root en guitarras, Alessandro "V-Man" Venturella en bajo, Michael "Tortilla Man" Pfaff en percusión y teclados, Eloy Casagrande en batería, y un músico que permanece enmascarado y sin identificar públicamente, a cargo de samplers, teclados y percusión desde 2023.Desde su primera presentación en el estadio Obras Sanitarias, hace ya más de veinte años, Slipknot viene armando un vínculo fuerte con su base de fans locales, que se siguió en 2022, cuando la Argentina fue sede del Knotfest: un show en el Estadio Arena en el que el grupo compartió cartel con Judas Priest.&nbsp;Dos años después, en 2024, el Knotfest volvió a instalarse en Buenos Aires, esta vez en el Parque de la Ciudad, con Amon Amarth, Meshuggah y Babymetal completando el lineup con una convocatoria impresionante.Esta quinta visita es un nuevo capítulo en el vínculo de la banda con uno de los públicos más fieles de la región. Con esta nueva fecha, Slipknot promete otra noche a puro metal, a la altura de la historia que viene construyendo con sus fans argentinos.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/28/mm9986_.png"></figure>Marilyn Manson y un regreso épico<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/28/undefined"></figure>La banda liderada por Brian Warner, más conocido como Marilyn Manson, regresó a los escenarios, y vida pública, tras un conflicto legal y varias acusaciones por parte de la actriz, y exnovia, Evan Rachel Wood. Tras cuatro años en silencio, el vocalista volvió a la escena con un contestario disco que lo subió nuevamente a los escenarios y la llevó de gira por algunas partes del mundo con el tour "One Assassination Under God - Chapter 1".&nbsp;Te puede interesar: <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2024/11/22/marilyn-manson-regreso-con-su-nuevo-album-se-lo-dedico-a-mis-fans-que-han-estado-fuertemente-a-mi-lado">"Marilyn Manson regresó con su nuevo álbum: "Se lo dedico a mis fans que han estado fuertemente a mi lado""</a>Además, Manson regresó con nueva formación de músicos que lo acompañará por Reba Meyers en la guitarra, Tyler Bates en la guitarra, Matt Montgomery (Piggy D.) en el bajo y Gil Sharone en la batería que lo acompañaron durante la primera parte de la gira.&nbsp;Con el lanzamiento de la segunda parte de "One Assassination Under God-Part 2", el músico sorprende con el regreso de viejos conocidos como Tim Sköld, y nuevas incorporaciones tras la salida del guitarrista Tyler Bates.&nbsp; &nbsp;

Será el 8 de septiembre de 2027 en el Estadio Huracán, y contará con Hatebreed como invitados especiales. &nbsp;

Será el 8 de septiembre de 2027 en el Estadio Huracán, y contará con Hatebreed como invitados especiales.&nbsp;

Slipknot y Marilyn Manson regresan a Argentina: todo lo que tenes que saber

El reloj marcaba las 21.04 cuando se apagaron las luces del Monumental. Decir que ahí empezó el tercer y último River de Lali sería contar la mitad de una noche que duró bastante más que sus casi tres horas de show. El demonio ya andaba por Núñez desde la tarde.Sobre Figueroa Alcorta, los colectivos estacionados a ambos lados de la avenida eran la primera pista. De ahí y de las combis bajaban grupos de amigos y amigas con velos de novia, remeras que decían "What the fuck is Lali?" y la certeza de estar yendo a una despedida. Más de 80.000 personas que habían decidido atender al demonio y desoír el título del último disco. Adentro, del campo a la Sívori, de la San Martín a la Belgrano, esa mezcla de fiesta y final se contagiaba entre sectores.Por los parlantes sonaban Britney, Miranda, y Cerati, y la gente los cantaba como para ir entrando en calor. Entonces se apagaron las luces y los gritos envolvieron el Monumental. Alcanzó con el rasguido rockero que abre "Lokura" para que nadie dudara. La llamada había entrado, y el estadio atendió al primer tono.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/28/undefined"><figcaption>Foto: @juligarciafotografia</figcaption></figure>Lali apareció hipnótica. Se podría decir que literalmente se elevó sobre el escenario, y sería cierto, pero lo que la eleva es otra cosa. Tiene una presencia capaz de estremecer al mismísimo demonio que le da nombre al álbum. Es la pop star que rompe patrones y estereotipos, que abraza la libertad en el sentido más amplio de la palabra y que sabe que su público nunca espera menos de ella. Aun así, siempre encuentra la forma de ir un poco más allá. Para eso cuenta con un equipo que conoce de memoria: Lautaro Espósito en la dirección artística y Juan Giménez Kuj en la dirección musical, que en River volvió a subir la vara. A eso se le sumó un despliegue de bailarines que hizo de cada canción una experiencia aún más performática.Durante la primera parte, el concierto fue un viaje por todas sus etapas. Pasaron "Sexy", "2son3", el enganchado de "Tu novia" con "N5", "Obsesión" y "Diva", hasta que llegó uno de los momentos más inesperados de la noche. En plena fiesta del pop, Lali le dejó el escenario al tango. El bandoneonista Nicolás Perrone y el cantor Cucuza Castiello interpretaron "Pasional", el clásico que inmortalizó la orquesta de Osvaldo Pugliese, mientras ella los escuchaba sentada en la escalinata. "Gracias por darle lugar al tango", le dijo Cucuza. Después, Lali se sumó para cantar "Morir de amor", y cerró el momento con un "gracias, Buenos Aires" antes de volver a encender el Monumental con "Amor es presente".<figure class="media"><oembed url="https://twitter.com/filonewsOK/status/2104244678107509087"></oembed></figure>La banda se quedó con el escenario para un set instrumental de "Asesina", "Eclipse" y "Laligera", con las coristas al frente, y el estadio se encargó de poner la letra. Más tarde llegaron "¿Quiénes son?" y "KO", y siguieron "Baum Baum", "Brishito" y "Ahora". Para "Boomerang" se sumó el Cuarteto Divergente, con violines, viola y cello, que la acompañó durante todo ese tramo. Cuando sonó "Incondicional", Lali se la dedicó a su público, a los que agotan estadios y a los que siguen ahí, con ella, etapa tras etapa. La respuesta fue un Monumental lleno de celulares en alto, con las linternas prendidas y cantando la canción entera junto a ella.Las cuerdas siguieron en "Perdedor" y "Ego", y Lali aprovechó para repasar los estadios que había llenado a lo largo de la gira. No eran pocos. Cinco Vélez en 2025 y tres River en menos de un año, algo que ninguna otra artista argentina había logrado. Ese momento dio paso a "No hay héroes", donde se vio a una Lali emocionada y agradecida. El demonio había llamado muchas veces, y el público nunca dejó de atender.Tras la proyección del videoclip de "Popstar", Miranda! también se sumó para cantar "Mejor que vos", la canción que grabaron juntos y que continúa demostrando una amistad que se potencia cada vez que comparten escenario. Después, "Histeria" y "A bailar" terminaron de preparar el terreno para lo que venía.<h4>El cruce más deseado del pop argentino</h4>El Monumental empezó a gritar antes de entender qué estaba pasando. Un velo de novia, igual a los que cientos de fans llevaban puestos desde la tarde, subía en medio del escenario.&nbsp;Cuando se abrió, ahí estaba Tini Stoessel, de blanco. Detrás surgió Lali, también vestida para el altar, y juntas cantaron "Like a Virgin" en la previa de sus respectivos casamientos. Era la despedida de soltera de ambas, y el estadio ya venía preparado para la ocasión.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DdyzdSADspk/"></oembed></figure>Parecía que la sorpresa terminaba ahí, hasta que Marilina Bertoldi se sumó con su guitarra. Camisa negra, pantalones de cuero y cadenas plateadas en la cintura, el contraste perfecto con las dos novias. Las tres recrearon el beso de Madonna con Britney Spears y Christina Aguilera en los VMAs de 2003, una noche que también empezó con vestidos blancos y esa misma canción.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Ddy0r_djabw/"></oembed></figure>Después de cantar, Tini tomó el micrófono. "Para mí es un gran honor estar acá. Te vimos crecer todos los argentinos, fuiste parte de mi casa, de mi living, de mis meriendas", le dijo. Lali le respondió con una frase que, según contó, ya se habían dicho en privado. "Esta invitación es por las niñas que fuimos, pero sobre todo por las mujeres en las que nos convertimos". Luego de la icónica frase "Nos enamoramos taradas" de Lali, cantaron juntas "1Amor". Durante años, sus fandoms se enfrentaron en redes y la industria hizo lo suyo para alimentar esa competencia, la vieja trampa de poner a dos mujeres exitosas una contra la otra. Verlas juntas en River, cantando y agradeciéndose, fue la respuesta a años de rumores y a una rivalidad que nunca les perteneció.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Ddy5i1PEvRV/"></oembed></figure><h4>Campo de batalla</h4>Tras un enganchado de "Sola", "Motiveishon" y "Como tú", llegó "Soy", y con ella la Drag Dealer Company, que acompañó a Lali en la canción que hace tiempo dejó de ser solo suya para convertirse en un himno de la comunidad LGBTIQ+. Si toda la noche había sido una celebración de la libertad, ahí quedó claro de cuál se trataba. La de ser quien sos, en un momento en el que desde algunos lugares insisten en apropiarse de su significado para otros fines.Después de "Disciplina" y "Plástico", fue el turno de "Fanático", la canción con la que había empezado todo exactamente dos años antes. Cuando se convirtió en blanco de ataques desde lo más alto del poder, Lali recibió un llamado de Fito Páez con un consejo que después contó en la radio. "Tu campo de batalla siempre será el arte, si vos te vas a pelear a otro lado perdés". "Fanático" fue, en buena medida, esa respuesta. Esta vez se tomó una pequeña licencia. Donde la letra habla de alguien que, si le preguntan por su video, asegura que no lo vio, Lali cantó "ahora sí que lo vio", y no hizo falta aclarar más.Enseguida apareció Dillom para ponerle la épica a "33", la canción que grabaron juntos para el disco. Horas después del show, el cantante subió un divertido posteo con un audio en el que Lali, en tono irónico, le pedía que se aprendiera la canción, y confesó que por fin lo había logrado.<figure class="media"><oembed url="https://twitter.com/filonewsOK/status/2104304453046194602"></oembed></figure>Pero en la fiesta también hubo momentos para detenerse. Antes de interpretar por primera vez en un recital propio "Ciudad de pobres corazones", de Fito, habló de un tema que la había conmovido en las últimas semanas. Recordó que el suicidio es hoy la principal causa de muerte entre jóvenes de 15 a 34 años en la Argentina. "¿Qué estamos haciendo como sociedad?", se preguntó frente al Monumental, e interpeló a las autoridades. Contó también que hace dos meses perdió a una persona muy querida, que había estado en su River anterior y que esta vez ya no pudo acompañarla. Le dedicó la canción a las familias que perdieron a alguien, a quienes acompañan todos los días el dolor de un ser querido y, en especial, a las personas con discapacidad y sus familias que se sienten solas. En medio de una noche de fiesta, Lali eligió hablar de lo que duele sin perder la furia que atraviesa la canción del rosarino.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Ddy2FWBgMxx/"></oembed></figure><h4>Los últimos minutos de la llamada&nbsp;</h4>El final fue puro rock con "Pendeja", "Payaso" y un cierre con "No me importa", que tuvo el solo de guitarra de "Jijiji", de los Redondos, mientras las pantallas proyectaban una caricatura del Indio Solari con sus anteojos oscuros. No es casualidad ya que Lali reivindica las raíces de la cultura argentina y las sube con ella al escenario, como hizo con el tango, con Fito y con el Indio. También sabe en qué país canta, y por eso se animó a hablar de salud mental frente a 80.000 personas. Su música también es bandera.Se despidió y el Monumental empezó a desconcentrar. Muchos ya bajaban las escaleras cuando las pantallas se volvieron a encender con el logo de Lali TV, el formato que usó durante toda esta era para anunciar novedades. Apareció un televisor antiguo con el símbolo de la gira y una voz conocida, la de Evelyn Botto, que ya había sido la locutora de "Fin de la transmisión" en el disco. La voz se preguntaba si Lali es la heroína que la época necesita o la mayor delincuente de la historia. Cuando anunció "una cosa más, la más importante…", la transmisión se cortó.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Ddy_paqig5I/"></oembed></figure>¿Será que volveremos a atender al demonio? Afuera, los colectivos seguían en la misma fila de horas antes y nadie tenía apuro por subirse. El demonio llamó durante dos años exactos y Lali atendió cada vez. Si vuelve a sonar el teléfono, en Núñez ya saben qué hacer.

Ante más de 80.000 personas, la artista cerró la gira de No vayas a atender cuando el demonio llama. Tini, Marilina Bertoldi, Dillom y Miranda pasaron por el escenario de una noche que terminó con un video misterioso en las pantallas

Ante más de 80.000 personas, la artista cerró la gira de No vayas a atender cuando el demonio llama. Tini, Marilina Bertoldi, Dillom y Miranda pasaron por el escenario de una noche que terminó con un video misterioso en las pantallas

Lali atendió por última vez al demonio e hizo historia con su tercer River agotado

Lali atendió por última vez al demonio en su tercer River agotado

Tokiba presenta su segundo EP "Inteligencia Artesanal", cinco composiciones escritas desde la experiencia propia, donde el artista porteño toma el título del trabajo no solo como una fina ironía, sino como una clara declaración de principios: una apuesta consciente por la calidez de la instrumentación real, el desgarro vocal y una producción que abraza sus propias imperfecciones.El núcleo sonoro de este estreno se consolida en "A 200 EN PEDO Y LOCO", el focus track del proyecto que aborda con honestidad el caos emocional de una separación, apelando al humor y a situaciones de la vida cotidiana. El lanzamiento se complementa con su videoclip oficial, navegando en una lancha, realizando tareas de campo o habitando una rústica cabaña de madera, Tobika recorre la canción en medio de una atmósfera tranquila y luminosa, donde el paisaje y el protagonismo de la guitarra contrapesan la ansiedad de la historia narrada.&nbsp; &nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=9pahdQgYjEo&amp;list=RD9pahdQgYjEo&amp;start_radio=1"></oembed></figure>Completan el repertorio de esta obra “Ibuprofeno” junto a Zoe Gotusso y la balada "CHE MI AMOR" junto a Yami Safdie, acompañadas por "QUÉ NOS PASÓ?" y “SAIRE”.En "Inteligencia Artesanal", TOBIKA toma el estudio como un lienzo donde pinta a mano alzada los cruces del amor, el vacío de las rupturas y las grietas de la realidad social que habita. Es una apuesta por el calor de la instrumentación real y el desgarro vocal, y por esos lazos que sólo se gestan al andar, tropezar y sentir en carne propia.&nbsp;Tobika presentará su nuevo material el próximo 9 de octubre en Niceto Club. &nbsp;Las entradas para el concierto de Buenos Aires ya se pueden adquirir únicamente a través de Venti. &nbsp;

Con “A 200 EN PEDO Y LOCO” como su focus track, el artista porteño presenta su nuevo trabajo de cinco canciones, que afirma su lugar como uno de los proyectos más frescos de la escena actual. &nbsp;

Con “A 200 EN PEDO Y LOCO” como su focus track, el artista porteño presenta su nuevo trabajo de cinco canciones, que afirma su lugar como uno de los proyectos más frescos de la escena actual.&nbsp;

Tobika presenta su segundo EP "Inteligencia Artesanal"

<h4>Maxi Espíndola presenta hagamos que pase un nuevo adelanto de su próximo álbum</h4>Una canción romántica, fresca y llena de energía que retrata la magia de los encuentros inesperados y abre la puerta a un nuevo universo creativo. Luego de tres shows consecutivos agotados en Niceto Club, consolidándose como una de las voces más sensibles y auténticas del pop en la actualidad, Maxi Espíndola presenta “Hagamos Que Pase”, una canción que marca el inicio de una nueva etapa artística y adelanta el universo conceptual que acompañará sus próximos lanzamientos. Con una impronta fresca y renovada, el nuevo single muestra una faceta diferente del artista. Sin abandonar la sensibilidad romántica que caracteriza sus composiciones, Maxi se sumerge en un sonido más POP y enérgico, con una melodía contagiosa y una producción que remite al espíritu del verano, las noches interminables y esos momentos capaces de cambiarlo todo en cuestión de segundos. La conexión es inmediata.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=MRD5zALiQP0"></oembed></figure> La canción retrata ese instante exacto en el que dos desconocidos descubren que existe algo imposible de ignorar entre ellos. Una atracción que aparece de forma inesperada, casi como una fuerza inevitable, y que transforma una noche cualquiera en una historia que merece ser vivida. De ahí nace el espíritu de “Hagamos Que Pase”, de la decisión de entregarse al momento, y dejar de pensar demasiado. Abandonar las dudas y permitirse explorar aquello que está ocurriendo frente a los propios ojos. El videoclip nos muestra a Maxi interpretando la canción desde un Sillón Rojo, un elemento que veremos muy presente en este nuevo universo creativo, y que funciona como símbolo de refugio e intimidad. Un espacio donde desaparecen las expectativas externas, se silencian los juicios y surge la posibilidad de simplemente ser. Desde allí nacen las historias, las canciones y las emociones que darán forma a esta nueva etapa. A través de ese sillón, Maxi se transporta a distintos escenarios mientras canta la canción con su guitarra. Inspirado por una etapa de profundos cambios personales y artísticos, Maxi comenzó un proceso de búsqueda que lo llevó a conectar con una versión más libre, más auténtica y más intuitiva de sí mismo. En ese recorrido surgieron nuevas canciones, nuevas preguntas y una mirada renovada sobre su propia identidad creativa. No es casual que el cierre de “Hagamos Que Pase” incluya una frase reveladora: “Te abro la puerta, mi amor”. Más que un final, ese verso funciona como una invitación. La primera señal de un recorrido que recién comienza. Con este lanzamiento, Maxi Espíndola inaugura oficialmente un nuevo capítulo en su carrera. Una etapa que combina la cercanía emocional de sus canciones más queridas con una propuesta conceptual más ambiciosa, invitando al público a acompañarlo en un viaje donde cada canción es una puerta abierta hacia un lugar distinto. “Hagamos Que Pase” ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales.***<h4>Luck Ra y Thalía transforman el himno “A quién le importa” en un poderoso y contagioso cuarteto</h4>&nbsp;Luck Ra vuelve a demostrar su capacidad para transformar grandes clásicos de la música latina en contagiosos himnos de cuarteto argentino. Esta vez, el artista se une a Thalía, ícono global y una de las figuras más influyentes del pop latino, para presentar “A QUIÉN LE IMPORTA (VERSIÓN CUARTETO)”, una reinterpretación explosiva de uno de &nbsp;los himnos más icónicos del pop en español y uno de los temas más importantes de la carrera de la superestrella mexicana, ahora con una nueva energía, sonidos renovados y la identidad característica del género cordobés.Luck Ra se ha convertido en una de las figuras clave en la nueva generación del cuarteto argentino, llevando su estilo a grandes canciones de la música latina junto a artistas como Miranda!, Elvis Crespo y Chayanne. Ahora, une fuerzas con Thalia en “A Quién Le Importa”, un himno generacional que mantiene intacto su poderoso mensaje.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=YsTIdoqQeFQ&amp;list=RDYsTIdoqQeFQ&amp;start_radio=1"></oembed></figure>“‘A Quién Le Importa’ es una canción que ha acompañado a muchas generaciones con un mensaje de libertad, orgullo y autenticidad. Para mí, ese mensaje también tuvo un significado muy personal. La grabé en un momento de grandes cambios, tanto en mi vida como en mi carrera, y se convirtió en un grito de fortaleza frente a las críticas y en un impulso para seguir adelante. Me emociona compartir esta nueva versión con Luck Ra, llevarla al universo del cuarteto y acercarla a nuevas generaciones a través de su energía. Espero que la gente la cante, la baile y la haga suya una vez más”, expresó Thalia.Convertida en un símbolo de autenticidad, libertad e identidad personal, “A Quién Le Importa” encuentra una nueva vida en el cuarteto, creando un encuentro entre generaciones y culturas latinoamericanas incorporando la energía festiva y bailable de uno de los géneros más representativos de Argentina. &nbsp;La versión que Thalia lanzó en 2002 llevó su mensaje a nuevas audiencias y convirtió la canción en uno de los temas más emblemáticos de su carrera. La producción de esta versión estuvo a cargo de Javier Sanglerman “Ramky” y Deevoy, quienes también participaron en los arreglos de interpretación. La grabación contó con músicos especializados en los sonidos del cuarteto, incluyendo acordeón, piano, percusión, guitarra, bajo y batería, instrumentos que aportan el carácter distintivo de esta nueva adaptación. “A QUIÉN LE IMPORTA (VERSIÓN CUARTETO)” representa la expansión global de los ritmos latinos y la creciente conexión entre artistas consagrados y nuevas figuras de la música tropical y urbana. Luck Ra, representante de la nueva generación argentina, aporta su energía y estilo a un clásico interpretado por una de las grandes estrellas del pop latino, que conserva su esencia mientras abraza una nueva identidad sonora. La canción forma parte de la evolución constante de la música latina, donde los grandes himnos encuentran nuevas formas de conectar con audiencias alrededor del mundo. Con la unión de dos generaciones de artistas, Thalia y Luck Ra celebran la diversidad musical de Latinoamérica a través de una colaboración que mezcla nostalgia, innovación y fiesta.Previo a este brillante lanzamiento, Luck Ra sorprendió con “El último baile” homenajeando a Messi y representando la pasión argentina junto a Juan Portella, quien compuso el tema, Un poco de Ruido, y Ramky surge este estreno colmado de alegría, cuarteto y una energía que contagia de principio a fin.Durante este año, el artista cordobés, continúa celebrando su gran momento profesional recibiendo dos estatuillas en los Premios Gardel 2026 en las categorías “Mejor Álbum de Cuarteto” por su segundo material “Que sed” y “Mejor Canción de Cuarteto” por “Tu Misterioso Alguien (cuarteto)”, su colaboración con Miranda!.<h4>***</h4><h4>Milo J llega a los cines con La Jangada, un live set que se estrenará en funciones exclusivas dentro y fuera del país &nbsp;</h4>Un año después, las canciones de La Vida Era Más Corta encuentran una nueva forma de reunirse con el público que las acompañó desde el comienzo. Para celebrar el aniversario del álbum, <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://youtube.com/shorts/OoKIgBBmU6Q?si=AFtIXpLznatqXzV4">Milo J </a>llegará a los cines con La Jangada, un live set de ocho canciones que vuelve sobre la obra desde nuevas voces, cruces y sonoridades.&nbsp; El 29 de septiembre, el proyecto se presentará en funciones exclusivas y de capacidad limitada en salas de Argentina y distintos puntos del mundo. Será una oportunidad para que los fans descubran La Jangada por primera vez en pantalla grande, un día antes de su estreno en el canal oficial de YouTube de Milo J y en las principales plataformas digitales, incluyendo Spotify, Apple Music, Amazon Music, Pandora, Deezer y Tidal. &nbsp;

Luck Ra y Thalía, Maxi Espíndola y Milo J lanzan nuevo material. Encontralos todos y escuchalos, en esta nota.

Luck Ra y Thalía, Maxi Espíndola y Milo J lanzan nuevo material. Encontralos todos y escuchalos, en esta nota.

Luck Ra y Thalía, Maxi Espíndola y Milo J los estrenos de la semana

Las presentaciones del 17 de septiembre en Orlando y 18 de septiembre en Miami dieron comienzo a esta nueva etapa del tour. Gorillaz desplegó un espectáculo de enorme escala: nuevas canciones, clásicos de toda su trayectoria y el universo visual de Jamie Hewlett convertido en una experiencia audiovisual que atraviesa generaciones.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/reel/Dcb-4FSM7Z9/?utm_source=ig_web_copy_link&amp;stkn=NTc4MTIwNjQ2YQ=="></oembed></figure> Feel Good Inc., Clint Eastwood, 19-2000, On Melancholy Hill, Rhinestone Eyes, Stylo y Kids With Guns convivieron con el nuevo repertorio de The Mountain, confirmando que Gorillaz no mira únicamente hacia su pasado: continúa expandiendo su propio universo. &nbsp;Fiel a su espíritu colaborativo, y como sucedió desde los primeros shows de la gira de THE MOUNTAIN, Gorillaz continúa invitando al escenario a algunos artistas que participaron de su último álbum, como es el caso de Asha Puthli, reconocida cantante y compositora india vinculada al jazz.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DdmHYUigGIu/?utm_source=ig_web_copy_link&amp;stkn=NTc4MTIwNjQ2YQ=="></oembed></figure> &nbsp;Esto generó gran expectativa entre los fans argentinos, quienes sueñan con volver a ver a Gorillaz y a Trueno juntos en un escenario. el próximo sábado 28 de noviembre en el Primavera Sound Buenos Aires.&nbsp; Trueno participó del disco “The Mountain”, en el tema “The Manifesto” y ya compartió escenario con la banda, durante la última presentación de Gorillaz en Argentina, sorprendiendo a todos los presentes.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Dbn33anMr10/?utm_source=ig_web_copy_link&amp;stkn=NTc4MTIwNjQ2YQ=="></oembed></figure> En una reciente entrevista con FM LUZU, Damon Albarn elogió al artista argentino: “Es un rapero espontáneo y brillante”A pedido de los fans, septiembre trae el Pack Primavera Friends &amp; Family: ¡4x3 en entradas y abonos! Disponible en <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.enigmatickets.com/event/7755c471-83a1-41a7-ab6a-a42538df09af">EnigmaTickets.com</a> (Los clientes BBVA tendrán hasta 6 cuotas sin interés, durante todas las fases de venta)Abonos y entradas con un 20%OFF para la comunidad de FILO, ingresando el código FILO en ENIGMA TICKETS &nbsp;

El pasado fin de semana marcó el inicio de una nueva etapa de la gira de Gorillaz “The Mountain Tour 2026”, el tramo que recorre Estados Unidos y Canadá y que anticipa el esperado concierto que la banda ofrecerá el sábado 28 de noviembre, en el Primavera Sound Buenos Aires. &nbsp;

El pasado fin de semana marcó el inicio de una nueva etapa de la gira de Gorillaz “The Mountain Tour 2026”, el tramo que recorre Estados Unidos y Canadá y que anticipa el esperado concierto que la banda ofrecerá el sábado 28 de noviembre, en el Primavera Sound Buenos Aires.&nbsp;

Gorillaz: de Miami a Buenos Aires con el show que llega a la Argentina en noviembre

Emanero presenta “Ojo de loca” junto a Bandana, una nueva entrega de Runfla, el formato que el artista viene construyendo como punto de encuentro entre diferentes voces, generaciones y universos de la música popular argentina. &nbsp;En esta oportunidad, el artista convoca a la icónica banda pop argentina, para un cruce que conecta universos y recupera inevitablemente la memoria afectiva de los 2000, pero desde una canción completamente nueva y con una historia que habla en presente. &nbsp;“Ojo de loca” pone en primer plano la intuición, el amor propio y ese sexto sentido que aparece cuando algo no está bien. “Ojo de loca no se equivoca” funciona como el gran lema de una canción sobre reconocer las señales, confiar en lo que uno siente y saber cuándo una historia ya no merece otra oportunidad.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=3T2CuW6BwH4&amp;list=RD3T2CuW6BwH4&amp;start_radio=1"></oembed></figure>La colaboración llega además en un gran momento para Emanero, quien actualmente se encuentra recorriendo escenarios con su “Todo por un Beso Tour”. La gira fue presentada a sala llena en el Estadio Arena de Buenos Aires, alcanzando así su quinto show en el arena, y continuó por distintas ciudades del interior de Argentina y Uruguay. Este año, el tour también marcó un nuevo paso en su expansión internacional con su primera gira por España, donde realizó más de cinco fechas, llevando por primera vez este presente artístico al público español. &nbsp;Runfla: un formato musical que creceRunfla funciona como un formato de encuentros musicales: una propuesta en la que cada entrega reúne a artistas de distintas generaciones, escenas o géneros alrededor de una canción original. Cada colaboración propone una combinación diferente y abre un espacio donde conviven trayectorias, públicos y lenguajes musicales que no necesariamente suelen encontrarse en una misma canción. Con Bandana, el formato suma un nuevo cruce generacional, incorporando a una referencia fundamental del pop argentino a una canción que dialoga con el presente y acerca su historia a nuevas audiencias. &nbsp;

La canción es una nueva entrega de Runfla, el formato que el artista viene construyendo como punto de encuentro entre diferentes voces, generaciones y universos de la música popular argentina. &nbsp;

La canción es una nueva entrega de Runfla, el formato que el artista viene construyendo como punto de encuentro entre diferentes voces, generaciones y universos de la música popular argentina.&nbsp;

Emanero y Bandana presenta su nuevo lanzamiento "Ojo de Loca"

Antes de que aparecieran los músicos en escena, las luces bajaron y solo algunos tonos fríos quedaron iluminando el escenario, donde los instrumentos esperaban a sus intérpretes. Sonidos de agua corriendo inundaron el Teatro Colón y, entre efectos de humo, los músicos ingresaron en fila, cada uno guiándose con una mano apoyada en el hombro del otro. Mientras la sala permanecía en silencio, de a poco ocuparon sus asientos. Con su pelo y su barba blanca tan característicos, Gustavo Santaolalla, recibió ayuda para subir hasta el lugar dispuesto en el centro del escenario. Ahí lo esperaba su ronroco, instrumento que lo acompaña desde hace décadas y que da nombre al álbum de 1998 que esa noche sería uno de los ejes del recorrido. Durante la noche, como a lo largo de toda la gira, Santaolalla estuvo acompañado por un ensamble que transformó permanentemente el sonido. Él pasó por ronroco, charango, guitarra acústica, tubo, percusión, voz y guitarra octava; Javier Casalla sumó violín, viola, charango y armónica; Barbarita Palacios, teclados, glockenspiel, percusión, autoharp y voces; Nicolás Rainone alternó entre violonchelo, guitarra barítono, guitarra octava, ronroco y voz; y Santiago Carregal rotó entre guitarras, charango, autoharp y ronroco.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/22/SantaolallaTeatroColÃ³n_CrÃ©dito_Gentileza_Aspix_ySantaolalla_(3)5907_.jpg"><figcaption>Gentileza Aspix/Gustavo Santaolalla</figcaption></figure> Los primeros rasgueos del instrumento familiar del charango en “Way Up” colmaron la sala y dieron comienzo a un recorrido por Ronroco y por otras composiciones que marcaron distintos momentos de su carrera. “Gaucho”, “Jardín”, “Desandando el camino”, “Coyita” y “Del pago” fueron sucediéndose y convirtiendo los acordes en imágenes que remitían a paisajes y lugares de la Argentina. En las pausas del repertorio, Santaolalla también se tomó el tiempo para hablar con el público, que lo recibió con aplausos y ovaciones desde la primera interpretación. Contó sobre su interés por la física cuántica y remarcó la importancia de la energía de cada persona presente. Aquella presentación, señaló, no sería la misma sin el público, ni el público sin quienes estaban sobre el escenario. Así los invitó a formar parte y construir juntos ese concierto.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/22/SantaolallaTeatroColÃ³n_CrÃ©dito_Gentileza_Aspix_ySantaolalla_(2)7118_.jpg"><figcaption>Gentileza Aspix/Gustavo Santaolalla</figcaption></figure> Entre “Sicalis” y “Canto en la rama” aparecieron pequeñas transiciones que continuaron llevando el concierto hacia distintos paisajes sonoros. Primero se escucharon pájaros y luego llegaron el gong y los platillos. Más adelante, Santaolalla revelaría que aquel gong era en realidad una bandeja metálica del hotel Meliá. También tomó un simple tubo de PVC y explicó que, así como distintas culturas originarias otorgaban un alma a los objetos, ese tubo también podía tener una voz propia. Bastó hacerlo sonar para que volviera a transformar el espacio. Una bandeja metálica, un tubo, las cuerdas de un ronroco o un violín podían convivir en el mismo escenario y encontrar, cada uno a su manera, su propia musicalidad.<h4 style="text-align:justify;">Cuando la música también cuenta historias</h4>El recorrido continuó con una fusión entre “Cordón de Plata” y &nbsp;“Ella” para entonces dar paso a “Alma”. Luego llegaron “Iguazú” y “Endless Flight”, dos composiciones que también forman parte de la banda sonora de Babel, la película de Alejandro González Iñárritu por la que Santaolalla recibió en 2007 su segundo Oscar consecutivo a Mejor Banda Sonora, después de haberlo ganado el año anterior por Brokeback Mountain.Tampoco faltó “De Ushuaia a La Quiaca”, el tema instrumental que nació como cortina de uno de los proyectos más ambiciosos que compartieron Santaolalla y León Gieco y que, años más tarde, terminó convirtiéndose en una de las joyas más emotivas del álbum Ronroco. Entre 1981 y 1985, ambos encabezaron un equipo que recorrió el interior del país para buscar, registrar y documentar expresiones de la música y la cultura popular en sus lugares de origen. El proyecto tomó su nombre de los dos extremos geográficos que marcaron aquel recorrido por la Argentina. Entonces llegó uno de los momentos más esperados de la noche. El anuncio de Santaolalla de que se acercaba el bloque dedicado a The Last of Us fue recibido con gritos y ovaciones. Primero sonó “The Last of Us Intro”, luego “All Gone” y finalmente el tema principal de la saga. Gustavo compuso la música del videojuego original de 2013 y años después volvió sobre ese universo para su adaptación televisiva. En el Colón no hicieron falta imágenes de Joel o de Ellie, ni de aquel mundo devastado. Bastaron unas pocas notas para que la referencia apareciera en la cabeza del público. Cada tono, cada pieza, tenía la fuerza de hacer estremecer hasta las butacas aterciopeladas del Colón. Hasta el silencio tenía casi tanto peso como cada acorde y, cuando terminó el bloque, buena parte de la sala se puso de pie para ovacionarlo. Santaolalla, con un gesto enternecedor que repetía cada vez que terminaba una pieza, lanzaba besos al público, juntaba las manos en señal de agradecimiento y luego abría los brazos hacia la sala.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/22/SantaolallaTeatroColÃ³n_CrÃ©dito_Gentileza_Aspix_ySantaolalla_(5)3110_.jpg"><figcaption>Gentileza Aspix/Gustavo Santaolalla</figcaption></figure> Entre las ovaciones, los músicos también se ponían de pie y lo señalaban a él, como devolviéndole parte del reconocimiento que llegaba desde las plateas. Había una complicidad evidente entre ellos, construida a partir de miradas y pequeños gestos, aunque por momentos cada uno parecía hipnotizado por su propio instrumento. En Santaolalla esa sensación era todavía más marcada. Cada vez que rasgaba las cuerdas del ronroco, parecía fundirse con él, como si el instrumento dejara de ser un objeto para convertirse en una extensión más de su cuerpo.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/22/SantaolallaTeatroColÃ³n_CrÃ©dito_Gentileza_Aspix_ySantaolalla_(1)_(1)7796_.jpg"><figcaption>Gentileza Aspix/Gustavo Santaolalla</figcaption></figure><h4 style="text-align:justify;"> Brokeback Mountain y el cierre de la noche</h4>Después llegaron “Zenda”, “Lela” y “La vuelta”, hasta que Santaolalla habló sobre la importancia que había tenido para él participar de Brokeback Mountain y reflexionó sobre la necesidad de permanecer unidos y buscar una “frecuencia más alta” frente a los momentos difíciles que atraviesan el mundo y, especialmente, a la Argentina. La música de la película cerró el repertorio de la noche. Allí, la guitarra acústica y el pedal steel guitar acompañaron una banda sonora construida alrededor de la inmensidad del paisaje de Wyoming y la soledad de sus protagonistas.&nbsp; Como canta León Gieco en “Pensar en nada”, canción producida por Gustavo Santaolalla, “quizás en la soledad no haya dolor”. Hay algo de ese sentimiento, de sentirse pequeño frente a un mundo inmenso, que también atraviesa muchas de sus composiciones. Pero con Santaolalla como banda sonora, la soledad nunca parece absoluta. Sus sonidos acompañan, contienen y remiten a una identidad profundamente ligada a la cultura argentina y latinoamericana. &nbsp;

Foto: Gentileza Aspix/Gustavo Santaolalla

Junto a su ensamble, el músico criado en Ciudad Jardín repasó gran parte de Ronroco, una obra atravesada por sus raíces argentinas y latinoamericanas, además de composiciones ligadas a Babel, The Last of Us y Brokeback Mountain.

Junto a su ensamble, el músico criado en Ciudad Jardín repasó gran parte de Ronroco, una obra atravesada por sus raíces argentinas y latinoamericanas, además de composiciones ligadas a Babel, The Last of Us y Brokeback Mountain.

Gustavo Santaolalla en el Teatro Colón: un recorrido sonoro entre Ronroco, The Last of Us y el cine

Gustavo Santaolalla construyó su propio paisaje sonoro en el Teatro Colón

La 21.ª edición del San Pedro Country Music Festival reunirá a más de 450 músicos, 70 bandas y una destacada delegación internacional que incluye por primera vez a cuatro referentes de la cuna del género en Estados Unidos.El circuito de la música country vuelve a hacer escala obligada en la provincia de Buenos Aires con una propuesta de 30 horas de espectáculo en vivo, San Pedro se transformará nuevamente en el epicentro sudamericano del género en un evento con entrada libre y gratuita. &nbsp;&nbsp;Durante tres jornadas consecutivas, el festival ofrecerá una grilla ininterrumpida que combina artistas de amplia trayectoria, bandas emergentes y representantes históricos.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/21/16882_.jpg"></figure>Presencia internacional y desembarco desde NashvilleEl punto culminante de esta edición será el debut en Argentina de cuatro figuras clave de la escena estadounidense procedentes directamente de Nashville, Tennessee: Morgan Myles, Mark Mackay, Savannah Rae y Hobo Cane. &nbsp;&nbsp;A la comitiva norteamericana se sumarán proyectos artísticos de distintos puntos del continente y Europa, completando un mapa internacional con presencia de Chile (6 bandas), Estados Unidos (4), Uruguay (2), Brasil (2) y Austria (1), junto a una nutrida representación de provincias argentinas. &nbsp; Además de los shows en vivo, la programación incluirá el clásico Encuentro Nacional de Line Dance, programado para la mañana del domingo, donde escuelas y bailarines de todo el país se darán cita para desplegar sus coreografías habituales.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/21/sanpedro_(8)4179_.jpg"></figure><h4>Grilla día por día</h4>ViernesDesconectados, Bluesberry Band, Creedenciales, Tanna &amp; The Drifters, Leyendas, Carlos Arcuri &amp; La Ariel Arbath Band, Rebeca Caldera, The Reason, Clan Farsante, Peces del Desierto, Alex Bluegrass Band, Walter Palurdo, Los Solitarios, Quadruple Trouble, Sanfolk, Sierra Ferrets, Frank Jacket y Los de Rio Seco, Las Liebres, La Blue's Ayres Band, King Bee, Billy La Rocka, Johnny &amp; June Experience, Rock Idols, 7 Pistones Country Rock y The Rey Band. &nbsp;&nbsp;SábadoNo Way, Hot Picking Brothers, Greentongues, Claudio Kleiman, Deltaboys, La Rockabilera del Sur, The Rhythm Gamblers, Gabriel Gratzer, Michelle Luna y Los Agrotóxicos, Cherry Collins, Henry y Juanita Donati, Walter Dominguez, Renegades Country Band, Country Gruñon, Mila Barcala, Ochenta.90, Angry Zeta, Sangre de Toro, Yulie Ruth y Las Ruedas del Sur, Fernando Goin, Cat Lion, Adoração Country, Savannah Rae, No Bull Country Music y Mark Mackay.&nbsp;DomingoSimonetta, Tumbleweed, Nati Bravo, Tinta de Uba, Negráss String Band, Rodeos Honky Tonk, Fer Couto's &amp; The Wandering Souls, Tommy Lira, Far West, Orlando Curti &amp; The Groove Seekers, Mistysa, Pasto Loco, Kurt's Friends, Melody &amp; Co., Los Mentidores, Hobo Cane, Adrian Tigen, Tennessee, Countruck Band, Morgan Myles, y Cierre con Artistas Presentes junto a Morgan Myles Band. &nbsp;&nbsp;

La edición contará con artistas internacionales provenientes de Chile, Estados Unidos, Uruguay, Brasil y Austria, además de músicos llegados desde distintas provincias argentinas.

La edición contará con artistas internacionales provenientes de Chile, Estados Unidos, Uruguay, Brasil y Austria, además de músicos llegados desde distintas provincias argentinas.

De Nashville a San Pedro: el festival de country más grande de Sudamérica vuelve con entrada libre y gratuita

Q'Lokura el fenómeno más convocante de la música popular argentina, desembarcará nuevamente en La Plata para dar un show en el Estadio UNO con una puesta en escena impactante.Será una verdadera fiesta de baile, celebración y encuentro donde Q'Lokura revalidará su liderazgo indiscutido en los grandes escenarios. La previa estará a la altura de esta noche histórica, con una apertura a puro ritmo a cargo de las bandas invitadas The Logiocos, Lemon Champ y Sin Ensayo. &nbsp;Un despliegue monumental encabezado por la banda que incluirá momentos sorpresa y un recorrido musical a fondo, desde sus grandes clásicos hasta los lanzamientos de su nueva etapa.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/21/q_lokura5088_.png"></figure>La cita será el próximo 10 de octubre a partir de las &nbsp;18:00 h donde ademàs de una jornada musical habrá una propuesta gastronómica de primer nivel y múltiples actividades en el predio, configurando el marco de la fiesta cuartetera más grande del año en la ciudad.Podes conseguir las entradas <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://alltickets.com.ar/evento/q-lokura-vuelve-a-la-plata">haciendo click acà.</a>&nbsp;

La banda que revolucionó el cuarteto argentino llega a La Plata por segunda vez, impulsada por la productora ToProd, para vivir una noche sin precedentes.

La banda que revolucionó el cuarteto argentino llega a La Plata por segunda vez, impulsada por la productora ToProd, para vivir una noche sin precedentes.

Q'Lokura vuelve a La Plata con un show histórico en el Estadio UNO

Los primeros gritos llegaron antes que ella. Sobre el escenario de Deseo, su banda ya ocupaba sus lugares mientras que detrás de ellos, un gran telón proyectaba dos manos en posición de rezo sosteniendo una vela. Entonces apareció Blair, el proyecto artístico de Julieta Ordorica: peluca rubia, vestido claro, detalles de encaje y una imagen angelical pero inquietante con la que comienza la historia de Bar Scorpios. Como en el álbum, todo parecía delicado antes de empezar a romperse.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/19/IMG_8161.JPG3740_.jpeg"><figcaption>Foto: @triplab</figcaption></figure> “Rabia del corazón” abrió la noche y dejó uno de los primeros guiños personales del show. Después de cantar “se me gastó el amor a los 22”, Blair aclaró entre risas “25, casi”. Faltaban apenas unas horas para la medianoche y para su cumpleaños, en una fecha que ya tenía clima de cierre y comienzo de una nueva etapa. &nbsp;A “Rabia del corazón” le siguieron “Rothmans”, “Opuesto complementario” y “Yo &amp; Yo”. Las tres últimas recuperaron canciones de Llorando en la fiesta, su primer álbum, pero encontraron un lugar natural dentro del relato. En ese comienzo todavía dominaba una Blair que representaba lo luminoso, aunque debajo de esa superficie empezaba a insinuarse algo lúgubre que terminaría por salir. Y mientras el personaje avanzaba en su transformación, el público cantaba prácticamente cada palabra. Incluso cuando el micrófono de Blair tuvo problemas durante un momento del show, las voces continuaron por encima de la música. La cantante se tomó entonces un momento para hablar con sus fans. La despedida de Bar Scorpios tenía algo de cierre y también de transición, el final de una etapa compartida entre una artista y una audiencia que hizo propio ese universo.Parte de esa conexión puede encontrarse en sus letras. Blair escribe sobre sentimientos profundos desde frases simples, sin esconderlos detrás de demasiadas capas. Y quizás allí esté una de las razones por las que las canciones regresaban desde el público casi con la misma fuerza con la que salían del escenario. Luego de “Todo lo que tengo”, Blair bajó por un momento la intensidad del show. En “Dejar de ser yo” se sentó al teclado para interpretar una de las canciones más melancólicas del repertorio, con una cadencia íntima que por momentos se acercaba a una plegaria. En “Mi suerte”, pidió que el público levantara las luces de los celulares, y la sala se llenó de pequeños puntos blancos sobre las cabezas. &nbsp;Después llegó “Novios imaginarios”, otra visita a Llorando en la fiesta. Para esa canción, Blair tomó su característica guitarra con forma de corazón, antes de volver de lleno al universo de Bar Scorpios con “Intenté salvar a Dios”.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/19/IMG_8169.JPG9146_.jpeg"><figcaption>Foto: @triplab</figcaption></figure> El quiebre llegó con “Pecados Brutos”, la pieza en la que la artista sumó a la escritora Mariana Enríquez. La colaboración nació también de un punto de encuentro entre ambas por la fascinación por el terror y lo onírico, dos elementos que forman parte del concepto del disco. La cantante abandonó el escenario y en el telón comenzó a proyectarse el diario que aparece en el videoclip mientras la voz en off de Enríquez recitaba el texto. Poco a poco, el público empezó a acompañarlo. Lo que originalmente formaba parte de una pieza audiovisual se convirtió en una oración colectiva dentro de Deseo. Blair regresó con su característico pelo negro, flequillo recto, vestido rojo y tacos, dejando atrás la imagen angelical del comienzo. Si la primera parte había estado dominada por aquello que parecía puro y sagrado, ahora llegaba el descenso hacia lo oscuro. &nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/19/IMG_8181.JPG8434_.jpeg"><figcaption>Foto: @triplab</figcaption></figure>El nuevo capítulo comenzó con “Entre caníbales”, su versión de la canción de Soda Stereo que ya había llevado a una sesión para Spotify. La elección no interrumpió el relato sino que, por el contrario, su clima permitió entrar definitivamente en una segunda mitad donde el personaje dejaba ver aquello que hasta entonces había permanecido contenido.&nbsp; &nbsp;Llegó después “Carne Viva”, grabada originalmente junto a Dillom. Su presencia dentro del álbum profundiza justamente ese imaginario crudo y sombrío que atraviesa la obra. En Deseo, la canción acentuó el contraste con aquella figura luminosa que había aparecido al principio.&nbsp; &nbsp;“Padre muerto” y “Otra noche en los 70” mantuvieron uno de los juegos más inquietantes del universo de Blair donde melodías pop animadas y pegadizas conviven con letras mucho más oscuras. La segunda, además, significó otra regresión a Llorando en la fiesta, pero encajó naturalmente dentro de Bar Scorpios por esa misma tensión entre lo alegre y lo perturbador, una dualidad que aparece con frecuencia. Cuando finalmente empezó a sonar “Bar Scorpios”, la canción que da nombre al disco, la historia entraba en su último acto. La protagonista parecía quedar atrapada por el peso de aquello que había intentado esconder: la culpa, el pecado y una redención que nunca termina de llegar. El tramo final continuó con “Hombre Roto”, canción que en el álbum cuenta con la participación de Santiago Motorizado y suma uno de los registros más melancólicos del proyecto. Después llegó “Mañana hablarán de mí” antes de alcanzar uno de los momentos más intensos de la noche. Aunque “Sola” aparece al comienzo de Bar Scorpios, en Deseo quedó reservada para uno de los últimos momentos del show. El cambio de orden reforzó su peso dentro del cierre de la historia donde Blair terminó tendida sobre el piso del escenario mientras el público repetía “Nací sola, crecí sola, me siento sola, moriré sola”.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/19/IMG_8180.JPG8751_.jpeg"><figcaption>Foto: @triplab</figcaption></figure> Más que la letra de una canción, la frase funcionó como un mantra colectivo, repetido por toda la sala mientras la protagonista sufría en soledad, una imagen que condensa buena parte del universo de su último álbum. Ya no quedaba mucho de aquella chica de pelo rubio que había iniciado la noche frente a unas manos en oración. No hubo demasiado tiempo para permanecer en ese clima. “Nunca lo van a entender” llevó el final hacia el punk, con guitarras más crudas, una energía acelerada y los gritos característicos con los que Blair rompe la melodía durante la canción. Pero antes, la artista pidió el pogo más grande de la noche y el centro de Deseo se abrió inmediatamente para formar una gran olla.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/19/IMG_8165.JPG4763_.jpeg"><figcaption>Foto: @triplab</figcaption></figure> Después de casi todo un show construido alrededor de un lenguaje religioso, la última comunión tomó la forma de cuerpos saltando y chocando en el medio de la sala. &nbsp;<h4>El próximo capítulo de Blair&nbsp; &nbsp;</h4>Con esta etapa terminada, Blair ya trabaja en la composición de su tercer álbum de estudio, el proyecto que marcará su próxima elección musical. Después de construir en Bar Scorpios un universo atravesado por el cine, la religión, el terror y una narrativa que excedió a las canciones, ahora la expectativa queda puesta en descubrir qué forma tomará su nuevo relato.&nbsp; &nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/19/IMG_8177.JPG7568_.jpeg"><figcaption>Foto: @triplab</figcaption></figure>

La artista repasó su segundo disco con una puesta conceptual, cambios de personaje y un cierre punk ante una sala llena en Buenos Aires.

La artista repasó su segundo disco con una puesta conceptual, cambios de personaje y un cierre punk ante una sala llena en Buenos Aires.

De la plegaria al pogo: Blair despidió Bar Scorpios con un show agotado en Deseo

Blair despidió Bar Scorpios con un show agotado en Deseo

Diego Torres sale de gira con "Mi norte y mi sur", un disco que lo marcó y lo dejó pensando aún cuál era cada uno de esos puntos cardinales a nivel emocional. Habla de distintos tipos de amor, del paso del tiempo, de los vínculos que dejan huella y de esas historias que terminan sin una despedida.&nbsp;“A veces estamos, nos sentimos que estamos arriba, a veces estamos abajo y en el medio nos cuesta tanto encontrar ese equilibrio”, resume el cantautor que ahora va a girar por Miami y Puerto Rico. Si bien prometió "conquistar" el norte, no se olvida de la Argentina: visitará el interior de la provincia de Buenos Aires, Santa Fe, Mendoza, La Pampa, Neuquén y cierra en la Ciudad de Buenos Aires, no sin antes pasar por Uruguay.El álbum también propone un recorrido musical amplio, con diferentes sonidos, arreglos y participaciones. Una mezcla que el cantante reivindica como parte de su identidad artística. “Me encanta esa mezcla, me identifica, me hace sentir libre dentro de la música. La música es eso”, sostiene.Fueron años movilizantes para Diego Torres, en el último tiempo se encontró con la muerte de amigos muy cercanos. De allí, nació "Sin despedida", canción que compuso a partir del fallecimiento de Mila Yankelevich, quien era cercana a su familia y estudiaba en la misma escuela que su hija Nina. Contó cómo las pérdidas recientes también modificaron su forma de ver la vida y sus conversaciones Nina.&nbsp;<h4>Diego Torres: "La vida son momentitos y no nos olvidemos que pasan muy rápido"</h4>—¿Cuál es el norte y cuál es el sur de Diego Torres?—Yo creo que pasa más por puntos cardinales emocionales. A veces estamos, nos sentimos que estamos arriba, a veces estamos abajo y en el medio nos cuesta tanto encontrar ese equilibrio. Trabajo para eso, para tratar de encontrar ese equilibrio, esas ganas, ese estímulo. Creo que por eso “Mi norte y mi sur” me identificó como el trovador. Vamos, con la brújula y vamos donde sea.Es un disco que tiene muchos sonidos, arreglos, participaciones, de voces de otros lugares, de otros géneros. Me encanta esa mezcla, me identifica, me hace sentir libre dentro de la música. La música es eso.—¿Qué querías contar con ese recorrido del disco?—Habla de los amores de repente de diferentes maneras, de diferentes amores. Hablamos del tiempo, porque hay una canción que le hablo al tiempo como si fuera una persona ("El tiempo"). Hablamos de ese corte abrupto que a veces la vida tiene, que no llegamos a tener una despedida, cuando la vida no nos da esa posibilidad. Hablamos de un amor nuevo que nos llega a nuestra vida y nos cambia y nos estimula, como puede ser “Mi norte y mi sur”. Hablamos de ese amor que ha pasado por nuestra vida y a lo mejor ya se fue y ha dejado una marca y una huella imborrable, como en “Vas a quedarte”. Hablamos de los amuletos...<h4>“Sin despedida”, la canción que nació de una pérdida</h4>Dentro de ese recorrido aparece “Sin despedida”, una canción particularmente movilizante. El disparador fue una pérdida inesperada de Mila Yankelevich, que atravesó de cerca al cantante por la relación con su familia.&nbsp;La canción la escribió junto a Valentina Rico y Facu Monty, hijo del músico Yaco Monti. Fue, cuenta, una tarde de mates entre los tres.—¿Cómo nació “Sin despedida”?—En realidad la canción me inspiró la muerte de Mila Yankelevich. Yo la conocía, como conozco a la familia Yankelevich de toda la vida. Mi papá era muy amigo de Samuel Yankelevich, el papá de Gustavo. Lo conozco a Gustavo de toda la vida. Lo conozco a Tomás, conozco a Sofía, que eran los padres de Mila. Iba al mismo colegio que mi hija.Con la muerte inesperada de Mila, una chiquita hermosa, realmente nos pegó mucho a todos los que estuvimos alrededor y que tenemos hijos también. Así que un poco el disparador de eso que sucedió fue escribir esta canción “Sin despedida”.—Hace poco también se fue el Negro Rada y subiste un mensaje muy lindo a redes, donde uno de los videos era confesándote con él. ¿Cómo lo atravesaste?—Si yo me iba a confesar, me iba a confesar con el Negro Rada. ¿Con quién? ¿Con quién te vas a confesar?¿Quién mejor que él para entenderte? Por suerte no se escuchan los pecados, pero me dice 300, imaginate la cantidad de pecados que le habré contado.&nbsp;El Negro era una persona hermosa, además de un artistazo. Era lindo verlo. Ese encuentro fue en Uruguay, una vez que fui a hacer unas actividades y estaba ahí en la ventana y en los camarines, fue imperdible ese momento natural que se dio.El Negro va a ser una gran ausencia, pero nos deja un gran legado.—Fue un año complicado.—También este año perdí un gran amigo mío del colegio, que en 10 meses una maldita enfermedad se lo llevó y era un compañero de la vida, desde el colegio, del trote, de todo. Fue un baldazo de agua fría para mi grupo de compañeros del secundario. El querido Arturo Fresco, así se llamaba...&nbsp;—Es difícil ver partir a una persona de tu edad...—Sí, además inesperado. El tipo era un toro, superdeportista, un guerrero. Y vivir esta situación donde muchos amigos, compañeros, soldados, como le quieras decir, se empiezan a ir, es como que la vida te va dando una señal como diciendo, "Ey, mirá, valorá, valorá las cosas a tiempo".La vida son momentitos y esto también lo hablaba con mi hija hace poco, que por más que tenga 13 años, trataba de transmitirle eso: "No te pierdas los momentitos de la vida". "Nina, no te pierdas cuando estás con con con tu familia, con tus afectos, con amigas. Fíjate bien lo importante".—Que importante, porque vemos la muerte a lo lejos y cuando se acerca es cuando empezamos a disfrutar estos momentitos.—Es que Nina se encontró con la muerte a través de lo de Mila. Después pasó lo de mi amigo... Entonces, fue un tema de conversación y todo lo que le pasó a ella por dentro, de vivirlo. La vida son son momentitos. Yo sé que a veces nos cuesta todo mucho, las situaciones difíciles, cargamos muchas cosas sobre la mochila, pero dejemos un espacio para esos momentitos porque todo pasa muy rápido.Tal vez, ahí está la brújula de “Mi norte y mi sur”, no tanto en encontrar un punto fijo sino en aceptar que hay momentos en los que estamos arriba, otros en los que estamos abajo y que el desafío está en seguir avanzando, incluso cuando la dirección cambia.

Diego Torres habló de la gira internacional de “Mi norte y mi sur”, su último álbum, y de aquello que lo atraviesa: los amores, las despedidas que nunca llegan, la muerte, su hija Nina y la necesidad de aprender a disfrutar el presente. “La vida son momentitos y no nos olvidemos de que todo pasa muy rápido”, resumió en diálogo con Filo.news.

Diego Torres habló de la gira internacional de “Mi norte y mi sur”, su último álbum, y de aquello que lo atraviesa: los amores, las despedidas que nunca llegan, la muerte, su hija Nina y la necesidad de aprender a disfrutar el presente. “La vida son momentitos y no nos olvidemos de que todo pasa muy rápido”, resumió en diálogo con Filo.news.

Diego Torres: “Mi norte y mi sur”, la muerte, los amores y por qué “la vida son momentitos”

VIOLENCE INSANE IN A BEAUTIFUL WORLD, el nuevo álbum de ROGER TAYLOR, legendario compositor, músico y cantante de QUEEN, ya está disponible a través de Columbia.El nuevo single de Roger es A BEAUTIFUL WORLD FEATURING THE NDLOVU YOUTH CHOIR, cuyo videoclip fue creado en colaboración con los reconocidos ecodiseñadores VIN + OMI y muestra tanto la belleza del mundo natural como el dramático deterioro del planeta.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=0axXPlYURok&amp;list=RD0axXPlYURok&amp;start_radio=1"></oembed></figure>La canción y el videoclip tuvieron su estreno mundial durante el desfile ANARCHY de VIN + OMI, que marcó el inicio de la British Fashion Week. El evento también contó con el debut de Roger sobre la pasarela. Las fotografías del desfile están disponibles &nbsp;aquí.VIN + OMI son reconocidos internacionalmente por su labor pionera en la moda sostenible y la innovación textil. Su trabajo transforma residuos vegetales, materiales reciclados y otros recursos habitualmente desaprovechados en diseños de alta calidad y visión de futuro. Su enfoque destaca la responsabilidad ambiental y el compromiso social, demostrando cómo la creatividad puede abordar de manera directa los desafíos ecológicos y sociales. Más información sobre su filosofía y trabajo acá“En realidad, está en el título de la canción: qué mundo tan hermoso tenemos; no lo arruinemos. Ha sido fantástico colaborar con VIN + OMI. Realmente admiro su compromiso con la sostenibilidad y sus esfuerzos por hacer del mundo un lugar mejor.”, afirma Roger sobre la colaboración.Si bien VIOLENCE INSANE IN A BEAUTIFUL WORLD no es un álbum conceptual, sí tiene una temática general que atraviesa toda la obra. Como explica Roger: “Parece que en este momento hay una gran dosis de locura. La violencia en el mundo parece estar tan mal como siempre, en cualquier época, y sin duda durante toda mi vida. Es algo horrible, hay muchísima violencia irracional. Y también parece que estamos destruyendo el planeta: plásticos en el mar, ya saben, además de todas estas terribles guerras por todas partes y el odio que nace de las diferencias religiosas.”VIOLENCE INSANE IN A BEAUTIFUL WORLD es el séptimo álbum de Roger Taylor en una carrera solista que se remonta a 1977 y es su primer trabajo desde OUTSIDER (2021), el aclamado álbum que alcanzó el Top 3 y recibió elogios tanto de la crítica como de los fans. Para celebrar su lanzamiento, Roger volverá a los escenarios con sus únicos conciertos en el Reino Unido durante 2026.La gira VIOLENCE INSANE IN A BEAUTIFUL WORLD, las únicas fechas de Roger en el Reino Unido este año, comenzará en Newcastle el 21 de septiembre. Los fans que reserven el álbum con anticipación recibirán acceso exclusivo prioritario a la venta de entradas. Posteriormente, la gira pasará por Edimburgo, Birmingham, Manchester, Swansea y finalizará en el legendario Roundhouse de Londres.***Maluma y Shakira se reencuentran en “Agua”, un merengue que juega con fuegoEn menos de un mes, el nombre de Maluma ha aparecido junto a los dos íconos femeninos más grandes que ha dado la música en la última década. Primero fue Beyoncé, que lo invitó a “Cuerpo (Tumbao)” para la edición conmemorativa de B’Day. Ahora con Shakira, con quien la estrella latina vuelve a encontrarse en “Agua”: “Nos fuimos mundial con la reina”.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=2-NkuLjtGNY&amp;list=RD2-NkuLjtGNY&amp;start_radio=1"></oembed></figure> “Agua” es un merengue sensual que cruza la energía tropical con una producción contemporánea. La química vocal entre los dos vuelve a ser el centro de la narrativa, esta vez alrededor de una metáfora sencilla y eficaz: por más agua que necesiten, cuando están juntos, todo termina convertido en fuego. Es una canción de tensión, coqueteo y complicidad, que reconoce el ADN de sus primeras colaboraciones sin quedarse en la nostalgia.&nbsp; La relación artística entre Maluma y Shakira empezó con “Chantaje”, siguió con “Trap” y “Clandestino”, y pasó también por el remix de “La Bicicleta” junto a Carlos Vives, un recorrido que dejó varios de los grandes éxitos de la música latina. Shakira fue una de las primeras artistas de alcance global en apostar por Maluma cuando su carrera internacional apenas comenzaba, y esa cercanía se ha sostenido con los años. Hace poco volvieron a compartir tiempo en el criadero de caballos del artista en Medellín, lejos de los estudios y las cámaras.&nbsp; Dentro de Loco X Volver, “Agua” aporta una dimensión sonora nueva al proyecto. El lanzamiento estará acompañado por un videoclip dirigido por Hannah Lux Davis, una de las realizadoras más reconocidas del pop internacional. La pieza construye un universo donde el agua funciona como hilo conductor: reflejos, superficies líquidas, brillo, movimiento y baile sostienen una tensión permanente entre los dos artistas, en una narrativa pensada para convertirse en uno de los momentos audiovisuales más fuertes del álbum.&nbsp; Con dos de los nombres más determinantes de la música latina reunidos otra vez, Agua llega como uno de los lanzamientos más relevantes del universo Loco X Volver y como un capítulo más de una historia compartida que ya se cuenta en años, no en canciones.&nbsp; Shakira, por su parte, continúa su racha de éxitos tras su actuación estelar interpretando su éxito mundial «Dai Dai» en el espectáculo inaugural del descanso de la final de la Copa Mundial de la FIFA, visto por 2000 millones de personas en todo el mundo. «Dai Dai» ha sido aclamada como la canción más importante del año a nivel internacional, manteniéndose durante 7 semanas en el número 1 mundial. El vídeo de la canción ha superado oficialmente los 1000 millones de visualizaciones en YouTube y Shakira es la artista femenina más vista de la plataforma, consolidando aún más su estatus de icono global. A finales de este mes, Shakira subirá al escenario del Shakira Stadium para su residencia en Madrid —con todas las entradas agotadas—, para la cual se han vendido más de 500.000 localidades. Con motivo de esta esperada residencia, Shakira presentó «Es Latina»: una plataforma cultural de un mes de duración en Macondo Park que rinde homenaje a artistas españoles y latinos de los ámbitos de la música, la moda, el arte, la literatura, la gastronomía y la danza. ***Elvis Crespo y Beéle unen ritmos para poner al mundo a bailarEl merengue se encuentra con los sonidos urbanos y el pop contemporáneo en una explosiva colaboración.Dos generaciones, dos estilos y una misma invitación a celebrar. Elvis Crespo y Beéle unen fuerzas en “Pa’ Bailar”, una vibrante colaboración que fusiona los metales y la percusión del merengue clásico con elementos de la música urbana y el pop contemporáneo.La inconfundible energía tropical de Elvis Crespo se encuentra con el característico estilo vocal de Beéle en una canción concebida para la pista de baile. Con una producción que conecta la esencia del merengue con sonidos actuales, “Pa’ Bailar” crea un punto de encuentro entre generaciones y demuestra la capacidad de la música tropical para evolucionar sin perder su identidad.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=_oCrIGbeDno&amp;list=RD_oCrIGbeDno&amp;start_radio=1"></oembed></figure> La colaboración con el artista colombiano Beéle fue una de las primeras canciones que Crespo escuchó como parte de esta nueva etapa musical y, desde el primer momento, el coro llamó su atención. Producida por Andy Clay, Jay Simon y JC, “Pa’ Bailar” fusiona la esencia del merengue con un sonido fresco y actual. “Pa’ Bailar” captura la química y la intensidad de una celebración nocturna en la que los problemas quedan afuera y la música toma el control. Desde sus primeros acordes, la canción invita a dejar atrás las preocupaciones y entregarse al ritmo, llevando la energía de cero a mil. Con esta colaboración, Elvis Crespo y Beéle unen dos generaciones de la música latina en una canción que invita a celebrar, bailar y llevar la energía de cero a mil.&nbsp;&nbsp;

El nuevo álbum de Roger Taylor, legendario compositor, músico y cantante de Queen, Maluma y Shakira, Elvis Crespo y Beéle son los nuevos lanzamientos en la música. Escuchalos acá.

El nuevo álbum de Roger Taylor, legendario compositor, músico y cantante de Queen, Maluma y Shakira, Elvis Crespo y Beéle son los nuevos lanzamientos en la música. Escuchalos acá.

Roger Taylor, Maluma y Shakira, Elvis Crespo y Beéle: los estrenos de la semana

Jamiroquai volvió a pisar un escenario argentino con un show en el Hipódromo de San Isidro producido por DF Entertainment. En plena gira latinoamericana y con su primer álbum en casi una década en camino, la banda recorrió más de treinta años de canciones y dejó en claro que su regreso no mira solamente hacia atrás: hay un nuevo capítulo en marcha para una historia que marcó a varias generaciones y todavía tiene mucho por delante. Esa historia también podía leerse frente al escenario. Entre quienes esperaban desde 2017 volver a verlos en vivo y quienes tenían por primera vez la oportunidad de hacerlo, distintas generaciones se reunieron para recibir a Jay Kay y volver a experimentar ese cruce cálido e irresistible de funk, disco, soul y acid jazz que convirtió a Jamiroquai en una de las bandas británicas más singulares de las últimas décadas.Los primeros compases de “(Don’t) Give Hate a Chance” alcanzaron para cambiar el clima del Hipódromo. El bajo tomó el control, Jay Kay puso el cuerpo y esa energía luminosa y festiva que atraviesa la música de Jamiroquai hizo el resto. En cuestión de minutos, el predio entero se había convertido en una enorme pista de baile a cielo abierto. A partir de ahí, “Little L” mantuvo el pulso bien arriba y “Seven Days in Sunny June” abrió paso a “Space Cowboy”, uno de esos clásicos en los que alcanza una línea de bajo para reconocer inmediatamente el sello Jamiroquai. Con Jay Kay recorriendo el escenario y una banda ajustadísima detrás, el repertorio avanzó sin nostalgia ni solemnidad: canciones separadas por décadas sonaron como partes de una misma conversación. Ahí está, quizás, una de las claves de la vigencia de Jamiroquai. El funk futurista de sus comienzos, la sofisticación disco de sus grandes hits y el sonido más expansivo que los llevó a conquistar el pop mundial siguen conviviendo con absoluta naturalidad. “Alright” y “High Times” continuaron ese recorrido antes de que el presente se hiciera lugar entre los clásicos. “Disco Stays the Same” fue la encargada de traer el presente de la banda al escenario. La canción, adelanto de su esperado noveno álbum de estudio, encontró su lugar entre los clásicos sin romper el pulso de una noche construida alrededor del movimiento. Y si el comienzo había dejado claro que la noche estaría gobernada por el groove, la segunda mitad convirtió esa promesa directamente en una sucesión de clásicos. “Travelling Without Moving” abrió paso a “Canned Heat” y “Cosmic Girl”, antes de que “Love Foolosophy” terminara de llevar al Hipódromo hacia ese territorio en el que un concierto de Jamiroquai se parece cada vez más a una fiesta. El cierre tenía una protagonista inevitable. “Virtual Insanity” cumple 30 años en 2026 y, sin embargo, pocas canciones podían sonar más pertinentes para despedir la noche. Aquella mirada inquieta sobre un futuro atravesado por la tecnología conserva su potencia, pero también aquello que convirtió a Jamiroquai en un fenómeno global: la capacidad de hacer bailar incluso mientras invita a mirar con otros ojos el mundo que nos rodea. Esa tensión entre celebración y reflexión atraviesa la música de Jamiroquai desde sus comienzos y sigue viva en su presente. Treinta años después de “Virtual Insanity”, con música nueva en el repertorio y una banda que todavía encuentra en el escenario su hábitat natural, Jay Kay sigue mirando hacia adelante. El futuro ya llegó. El funk, por suerte, sigue intacto. &nbsp;

A nueve años de su última visita al país, la banda británica liderada por Jay Kay volvió a encontrarse con el público argentino en el Hipódromo de San Isidro con un show que recorrió más de tres décadas de música. Una noche que reunió pasado y presente de una banda que llevó el funk y el acid jazz a la cima del pop mundial.&nbsp;

A nueve años de su última visita al país, la banda británica liderada por Jay Kay volvió a encontrarse con el público argentino en el Hipódromo de San Isidro con un show que recorrió más de tres décadas de música. Una noche que reunió pasado y presente de una banda que llevó el funk y el acid jazz a la cima del pop mundial.&nbsp;

La banda más ondera demostró que el groove está intacto: Jamiroquai en Argentina

Underworld llega a Buenos Aires el próximo 26 de noviembre para presentarse en Mandarine Park, en una fecha que marca el regreso a la Argentina de una de las formaciones esenciales de la música electrónica británica.A lo largo de su extensa trayectoria, Rick Smith y Karl Hyde desarrollaron un lenguaje propio que atravesó la electrónica, el techno y la cultura de clubes, construyendo una propuesta que mantiene una fuerte presencia tanto en los grandes escenarios como en los espacios más experimentales de la escena. Su llegada a Buenos Aires se suma a una etapa de renovada actividad para el dúo, que continúa llevando su música a escenarios de todo el mundo.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=rAOHJqJMYDA"></oembed></figure>Las entradas estarán disponibles exclusivamente a través de <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://venti.live/eventos">Venti</a> , a partir del viernes 18 de septiembre - con todos los medios de pago. Además, habrá 6 cuotas sin interés con Galicia.Para la fecha en Argentina se suma una propuesta imperdible encabezada por Mariano Mellino, hoy entre los DJs con mayor convocatoria del país, y el legendario Javier Zuker. El lineup se completa con el live set de Varese, uno de los más interesantes de la escena local, y Balaciano abriendo la pista al atardecer.Underworld está formado por Rick Smith y Karl Hyde. Más de 30 años después de su incomparable primer álbum, dubnobasswithmyheadman , y de su himno eufórico que marcó a toda una generación, Born Slippy (Nuxx), el dúo continúa creciendo y consolidándose.El 2025 marcó un renacimiento moderno para el grupo, que ya cuenta con más de 40 años de trayectoria. Su debut en Boiler Room superó el millón de visualizaciones en sus primeros cinco días y la reciente reedición de sus primeros siete álbumes de estudio se tradujo en un ingreso directo de todos ellos en los primeros puestos de los rankings de discos, un logro que ningún otro artista había conseguido antes.Con una gira por Estados Unidos en 2025 con entradas agotadas, innumerables presentaciones como headliners en festivales y colaboraciones continuas con talentos fundamentales de la escena como Brutalismus 3000, KETTAMA y KI/KI, la trayectoria artística de Underworld y la intensidad de sus shows en vivo consolidan su lugar tanto en la historia como en el futuro de la música electrónica.

Underworld llega a Buenos Aires el próximo 26 de noviembre para presentarse en Mandarine Park, en una fecha que marca el regreso de una de las formaciones esenciales de la música electrónica británica.

Underworld llega a Buenos Aires el próximo 26 de noviembre para presentarse en Mandarine Park, en una fecha que marca el regreso de una de las formaciones esenciales de la música electrónica británica.

Underworld llega a la Argentina

Doppel Gangs, el proyecto artístico de Simón Saieg Pascual, presenta “ZZZimón”, un nuevo álbum que representa un momento de transformación personal y musical. Producido íntegramente de manera digital e independiente, el disco profundiza en la búsqueda electrónica del artista y propone un viaje entre la energía de las pistas de baile, la cultura rave y una mirada íntima sobre su propia historia.Lejos de las poses, “ZZZimón” recupera el costado más raver de Saieg y entiende a la pista como un espacio de encuentro, conexión y celebración colectiva. Sintetizadores, texturas electrónicas y sonidos digitales construyen un universo que busca dialogar directamente con su generación.El álbum también funciona como una fotografía de un momento personal clave para el artista: el nacimiento de su hijo y la reconexión con su propia infancia. En ese cruce entre ser padre y volver a mirar al niño que fue, aparece un Simón dispuesto a jugar, crear y hacer “diabluras” desde una perspectiva completamente atravesada por el presente.<h4>De Daft Punk a Skrillex: las influencias detrás de “ZZZimón”</h4>El sonido del disco recorre diferentes referencias de la música electrónica. La reivindicación del espíritu festivo de Daft Punk convive con paisajes más oníricos vinculados a artistas como Aphex Twin, Four Tet y Moby, mientras que la potencia de Skrillex aparece como otra de las influencias que atraviesan la propuesta.Dentro del álbum se encuentra “FIFA”, una colaboración junto a Lali que cruza los universos de ambos artistas en un track de fuerte impronta electrónica. La canción apuesta por bajos contundentes y una energía pensada directamente para la pista de baile.“ZZZimón” también cuenta con la participación de Joven Breakfast en “ORCA” y Fiah en “Esta Canción”, dos colaboraciones que amplían el recorrido sonoro del álbum.<h4>La montaña: del disco a la pista</h4>La nueva etapa de Doppel Gangs no queda solamente en las canciones. El concepto de “ZZZimón” también se conecta con la montaña, un ciclo que lleva al artista a recorrer distintos espacios en formato DJ set.La propuesta busca poner en diálogo la velocidad y la energía digital de las grandes ciudades con la naturaleza. En ese universo, la montaña aparece como símbolo de hogar y refugio, mientras que la música funciona como punto de encuentro entre ambos mundos.Así, la montaña se convierte en la extensión del universo de Doppel Gangs fuera del estudio: un espacio donde las canciones se transforman en experiencia colectiva y el proyecto encuentra una nueva forma de encontrarse con su público.<h4>De Perras on the Beach a Doppel Gangs</h4>Antes de construir este universo, Simón Saieg Pascual fue conocido como Simon Poxyran y lideró Perras on the Beach, banda fundamental de la escena indie argentina que publicó discos como “Chupalapija” y “Flow de Cuyo”.Más adelante comenzó su recorrido solista con “Saieg”, un álbum que abrió una etapa de mayor exploración personal y sentó las bases para las búsquedas que luego desembocarían en Doppel Gangs.Con este proyecto publicó el EP “ZZZ” y el álbum “ATLAS”, trabajos que profundizaron una identidad atravesada por distintas experiencias y cambios en su vida.A ese recorrido musical se sumaron otros proyectos vinculados al cine y la actuación. Saieg participó como actor en “Blondie” (2023) y “Verano Trippin” (2025), además de trabajar en las bandas de sonido de “3000 km en bicicleta” (2025) y “Casi todo bien” (2026).Ahora, con “ZZZimón”, el artista reúne parte de ese recorrido y lo lleva hacia un territorio atravesado por la electrónica. Un disco producido en su propia computadora que convierte experiencias personales, referencias musicales y cultura rave en un nuevo capítulo de su universo artístico.

El proyecto de Simón Saieg Pascual se mete de lleno en la cultura rave con un álbum producido íntegramente de manera independiente. Paternidad, infancia, tecnología y fiesta se cruzan en un trabajo que también cuenta con colaboraciones de Lali, Joven Breakfast y Fiah.

El proyecto de Simón Saieg Pascual se mete de lleno en la cultura rave con un álbum producido íntegramente de manera independiente. Paternidad, infancia, tecnología y fiesta se cruzan en un trabajo que también cuenta con colaboraciones de Lali, Joven Breakfast y Fiah.

Doppel Gangs presenta “ZZZimón”, su disco más íntimo y electrónico

Referentes del rock, el pop y la música urbana compartirán escenario con proyectos que destacan por su propia personalidad y una impronta auténtica en un panorama donde suele parecer que todo está inventado. Ese cruce será uno de los ejes de la octava edición del Harlem Festival, que reunirá a 34 artistas durante dos jornadas en el Predio Estación Belgrano en la Ciudad de Santa Fe.En diálogo con Filo.news, BB Asul, La Grecia, La Valenti y Sakatumba hablaron sobre el desafío de condensar sus repertorios, tocar frente a públicos que quizás todavía no conocen sus canciones y aprovechar el festival como una vidriera para ampliar sus audiencias.<h4>BB Asul: de la composición para otros artistas a su propio universo</h4>Además de desarrollar su carrera como cantante, BB Asul, nombre artístico de Isabela Terán Lieban, construyó un recorrido como compositora. Participó en la escritura de canciones de Lali como “Fanático”, “No me importa”, “Lokura” y “Plástico”, incluidas en el álbum No vayas a atender cuando el demonio llama.En septiembre de 2026 publicó Miss Universo, un disco atravesado por el rock, el pop y una instrumentación más pesada. El álbum incluye participaciones de Lali, Massacre y Taichu, mientras que la canción que le da nombre al proyecto funciona como una síntesis de esta nueva etapa de su carrera.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/17/SaveClip.App_798415138_18127306057808604_2485055881239713949_n9555_.jpg"><figcaption>Foto: VideoClip "Miss Universo" (@bbasul)</figcaption></figure>&nbsp;Su llegada al Harlem tendrá, además, un significado particular. BB Asul ya había participado del festival haciendo coros para otros proyectos, pero esta vez se presentará al frente de su propia banda y con un repertorio más personal. Además, la artista resaltó la oportunidad para trasladar su propuesta fuera de la Ciudad de Buenos Aires.Al abordar la transición de un recital de hora y media a un bloque más acotado en un festival, Ia cantante explicó la importancia de la precisión:<blockquote>"Es elegir las canciones que siento que son por las que vinieron, así que voy a llevar las mejores".</blockquote>Para quienes todavía no conocen su música, la artista eligió “Miss Universo” como puerta de entrada a su discografía.<h4>La Grecia: una nueva generación que recupera el rock clásico</h4>La Grecia nació en Buenos Aires en 2022 y está integrada por Martín “Chino” Benítez en voz, Dylan Sorokin y Benjamín Puelles en guitarras, Joaquín Wittenstein en bajo y Valentino Wengrovski en batería. El grupo se formó a partir de la amistad entre sus integrantes y tomó como referencia tanto al rock argentino como a figuras internacionales del género.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/17/SaveClip.App_729283247_17987660895006576_5830276683539679834_n5143_.jpg"><figcaption>Foto: Redes Sociales (@lagrecia__)</figcaption></figure>Después de publicar su disco homónimo en 2024, la banda profundizó ese camino con Lady Garrón, editado en 2025. El álbum fue presentado en Niceto Club y algunas de esas interpretaciones quedaron registradas posteriormente en un EP en vivo. Canciones como “No quiere mi amor”, “Descansar” y “Dámelo” forman parte de esta etapa de crecimiento.Para sus integrantes, participar del Harlem representa la posibilidad de compartir escenario con músicos que forman parte de sus propias referencias:<blockquote>"Es un sueño estar en estos festivales compartiendo con artistas que admiramos tanto y pagar el derecho de piso que corresponde por ser una banda que está emergiendo".</blockquote>Al hablar sobre la diferencia entre tocar en espacios pequeños y presentarse en un festival, respondieron con humor que ahora “podés correr en el escenario si querés”. Sin embargo, sostuvieron que la esencia de la banda no cambia con el tamaño de la infraestructura: el objetivo continúa siendo transmitir "la fe en la canción y la melodía", y generar una conexión directa con el público.Si pudieran elegir un grupo de la grilla con el que les gustaría encontrarse arriba del escenario, coincidieron al únisono: "Perras on the Beach", la banda cuyana que tocará durante la primera jornada del festival.<h4>La Valenti: el cierre de una etapa y un nuevo ciclo después de "La Capitana"</h4>La Valenti es el nombre artístico de Valentina Soria, cantautora y productora criada en Neuquén y radicada en Buenos Aires. Su música parte de una identidad patagónica, pero incorpora elementos del pop, el folclore latinoamericano y la electrónica. Esa combinación le permite moverse entre repertorios acústicos, canciones propias y relecturas de clásicos populares.Durante 2026 desarrolló La Peña de La Capitana, un ciclo de ocho funciones que reunió canciones propias, clásicos del folclore latinoamericano e invitados.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/17/SaveClip.App_728704154_18599365822061861_7030679613106888226_n3794_.jpg"><figcaption>Foto: Redes Sociales (@soylavalenti)</figcaption></figure>Su presentación en el Harlem funcionará como apertura de una nueva gira y cierre del ciclo de La Capitana. De cara a sus próximos lanzamientos, la artista busca abandonar la construcción de personajes y presentarse desde un lugar más directo.El formato de festival también le plantea el desafío de reducir su repertorio:<blockquote>“Es dificilísimo porque tenés que ser muy cuidado y muy preciso. Pero es bienvenido porque te entrena, hasta ahora siempre ha salido bien”.</blockquote>Para quienes todavía no conocen su música, recomendó dos canciones que representan momentos diferentes de su recorrido: “Medusa”, perteneciente a su primera etapa, y “Volver al sur”, incluida en La Capitana.<h4>Sakatumba: una oportunidad para conquistar nuevos públicos</h4>Formada en la Ciudad de Buenos Aires en 2019, la banda under se mueve entre el rock alternativo, el punk y la tradición cancionera del rock nacional. Después de publicar un primer EP homónimo, la banda editó en 2023 el álbum Puro Teatro y continuó ampliando su repertorio con canciones como “Hermoso desastre” y “Espiral”, esta última presentada en 2026 como parte de una sesión compartida con Salas Velatorias.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/17/SaveClip.App_742382221_18484481443100742_8264253081664432961_n1676_.jpg"><figcaption>Foto: Redes Sociales (@sakatumba_)</figcaption></figure>Su llegada al Harlem marcará la primera presentación del grupo en Santa Fe. Para sus integrantes, ocupar uno de los horarios iniciales no representa una desventaja sino una posibilidad de darse a conocer a personas que no los tenian en el radar:<blockquote>“Nos ve un montón de gente que capaz va por otros artistas más conocidos, pero se encuentran con algo muy interesante”.</blockquote>Como puerta de entrada a su identidad, recomendaron escuchar “Espiral” y “El mundo es una estación”.<h4>Cuándo y dónde será el Harlem Festival 2026</h4>La octava edición se realizará el sábado 10 y el domingo 11 de octubre en el Predio Estación Belgrano, ubicado en Boulevard Gálvez 1100, ciudad de Santa Fe. Las puertas abrirán a las 14, el ingreso estará habilitado hasta las 22 y la actividad terminará a las 2 en ambas jornadas, de acuerdo con la información oficial.El encuentro contará con tres escenarios, propuestas gastronómicas y actividades. Las entradas generales para cada fecha y los abonos para los dos días se venden por los canales oficiales del evento.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DbqTaiIDqN6/?hl=es&amp;img_index=1"></oembed></figure>

Del rock and roll al sonido urbano y del punk a la electrónica: BB Asul, La Grecia, La Valenti y Sakatumba muestran la impronta de una generación que no le tiene miedo a la reinvención.

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