<a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://filo.news/noticia/2026/09/09/ronnie-wood-suma-una-fecha-en-rosario">Ronnie Wood</a> llegó a Buenos Aires y la ciudad se revolucionó. Las entradas no estaban agotadas y parecía que la fiebre stone no terminaba de calar, pero no fue así. Pasó por Otro día perdido, programa de Mario Pergolini y rompió todas las redes. "Son el mejor público del mundo", dijo el guitarrista. Y es que no todos los países tienen una identidad stone tan marcada como la Argentina. Acá se hizo de su música una filosofía de vida y bailamos, cantamos y agitamos cada vez que suena una de sus canciones.En la previa del show llamaba la atención como diferentes generaciones compartían el mismo espacio, incluso niños. Cruzamos a uno, posiblemente el más stone. No tenía más de 12 o 13 años y vestía una casaca de Argentina con la cara de Ronnie. “Se la voy a tirar”, me dijo. Cuando arrancó el show, estaba delante mío arriba de los hombros de un amigo suyo (supongo), gozando It’s only rock’n’roll (but i like it) y cuatro temas después la remera ya estaba en manos de Ronnie.El pibe tenía foto con Mick Jagger y también con Ronnie. “Me falta Keith Richards”, me dice. Y solo atino a responderle: “Mi favorito”. Nos miramos con una colega y asentimos: qué lindo que sigan habiendo pibes en estos shows y que sean los herederos de esta hermosa cultura.Ésta es una pequeña reseña para entender el significado de The Rolling Stones en la Argentina y la locura que generan en nuestra gente. <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.turboentrada.com/landing/ronnie-wood?idEspectaculoCartel=17406&amp;cHashValidacion=f73c48b51c3ecae800fa543c09dccb8d38361b6f">Ronnie ahora va a continuar su gira Fearless: The Antology 1965-2025 por Rosario</a>, ciudad a la que irá por primera vez a tocar.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/11/07/DF_-_ROONIE_WOOD_-38164_.jpg"></figure>El inicio estuvo a cargo de la banda más rollinga de la Argentina: Ratones Paranoicos. Una vez más, Juanse, Sarco, Memi y Roy se subieron a telonear a un stone. En esta oportunidad, a Ronnie con su proyecto solista y no dejaron un bache. La gente saltaba, agitaba y cantaba todos los hitazos que tiene esta bandaza. Rock del Pedazo, Ya morí, Cowboy, El rock del gato, La nave y Para siempre con un guiño a Diego Armando Maradona. Juntos, estuvieron con The Rolling Stones en la gira de 2006.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/11/07/DiseÃ±o_sin_tÃ­tulo3862_.jpg"></figure>Desde las 20.15 se abrieron los primeros pogos, volaron las primeras cervezas por el aire y un hombre, que aparente estaba solo y necesitaba compartir la sensación que le generó Ratones, se da vuelta y dice: “Esto es increíble, ¡que show!”. Sí, los Paranoicos nunca fallan y la previa de un Stone no puede ser de otra manera.A las 21.02, cuando todos estaban aún comprando sus cervezas tranquilos porque el show siempre se demora 15 minutos, salió Ronnie. No llegó a saludar porque los micrófonos estaban apagados, pero hizo sonar su guitarra y con It’s only rock’n’roll (but i like it) dijo buenas noches. La lista no estaba colmada de canciones de The Rolling Stones, por eso cada una de ellas se vivió como si fuese la última. Can't you hear me knocking, con Chanel Haynes e Imelda May, sonó impecable.Repasó su etapa por Faces junto a Rod Stewart, hizo canciones solistas y algunos covers. Los riff eran los más coreados y cantados. Incluso, aprovechó para seguir con la guitarra el cántico de “vamo’ los stones”.Impecable a sus 79 años, tocó casi dos horas sin parar. La única pausa llegó al momento de ponerse la camiseta de Argentina con un 10, guiño a Diego o a Leo -quien espera que lo vaya a ver a Rosario-, y su nombre arriba.Que honor recibir un stone en la Argentina. Después de 10 años, Ronnie volvió a estas tierras pampeanas que supieron acobijarlo desde 1995. ¿Será la última vez que veremos un stone en la Argentina? ¿O puede funcionar como puntapié como Keef en los 90’s?&nbsp;

Y un día un stone volvió a la Argentina, nos hizo bailar, saltar y gritar. Pasaron 10 años, publicaron dos álbumes y aún no pudieron volver a Sudamérica. ¿Será la última vez o un puntapié como Keef en los 90’s?

Y un día un stone volvió a la Argentina, nos hizo bailar, saltar y gritar. Pasaron 10 años, publicaron dos álbumes y aún no pudieron volver a Sudamérica. ¿Será la última vez o un puntapié como Keef en los 90’s?

Ronnie Wood en la Argentina: un stone suelto en Buenos Aires y mucho rock and roll

“Charly García fue el faro artístico que me llevó a componer mi propia música”, asegura Marina Wil al hablar de sus influencias. Si bien canta desde los 11 años, recién al escuchar a <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2026/06/21/seru-giran-por-pedro-aznar-y-david-lebon-volvio-a-latir-en-el-arena-una-noche-de-emociones-lagrimas-y-canciones-eternas">Serú Girán</a> pudo imaginar el horizonte artístico que quería seguir. Décadas después, esa admiración continúa presente en su obra y tendrá un lugar especial en su próximo concierto este <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.passline.com/eventos/marina-wil-un-concierto-brillante?srsltid=AYCX9vKbl9i9OZCdGHgUhRCLxhm0U1Cs6n07TVUIZgu2c7X_6xi7jPGQ">11 de noviembre en el Teatro Margarita Xirgu</a>, que será con un escenario a 360°.La cantante lanzó "Tu canción, mi canción", su primer corte del nuevo disco que está en proceso y adelantó que buscará correrse del dramatismo habitual de sus baladas para explorar otras maneras de contar el amor, desde una mirada más madura sobre las relaciones. El pop, la música disco, el rock y el folklore conviven en su repertorio y su recorrido la llevó a conectar con figuras como Fito Páez y Jorge Serrano, con quienes compartió experiencias que marcaron su recorrido.<h4>Una nueva forma de cantar el amor</h4>Periodista: En "Tu canción, mi canción" aparece una manera diferente de hablar de las relaciones, las aborda desde otro ángulo.Marina Wil: Sí, es un pop alegre. Me gustó mucho porque veo una relación desde otro lado. Yo siempre soy muy dramática con las baladas y quería hacer algo distinto. Este nuevo disco es diferente y "Tu canción, mi canción" es una buena muestra de una manera un poco más madura de vivir las relaciones, más evolucionada, de decir: "bueno, uno va eligiendo". Además, termina con algo que a mí me gusta mucho que es la música disco porque hay destello ahí de disco y esto me llevaba hacia otro lugar, hacia un pop mucho más alegre.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=EAJHef4DZZs&amp;list=RDEAJHef4DZZs&amp;start_radio=1"></oembed></figure>P: ¿Qué nos vas a traer en tu próximo disco, va a haber más de este pop alegre o algún drama?&nbsp;M.W.: Algunos dramones como antes, pero muchos más temas bailables como Tu canción, mi canción. Siempre con esta idea de algo más tranquilo, más evolucionado, más maduro.P: ¿Y hacia donde pueden ir los dramas?M.W.: Para mí, el drama termina mal porque la otra persona o el entorno se cansan. Es muy apasionado, pero en un momento termina. Me sale una imagen como de un tornado, como un círculo vicioso. Me parece que, si uno va a entrar en círculos, es mejor que sea en un plan espiralado, que el círculo evolucione. Quizás el drama sea un círculo más chico, en vez de más grande a medida que uno va creciendo y aprendiendo. Porque, si no, ¿para qué crecemos?<h4>Charly García, el faro artístico de Marina Will</h4>P: ¿Cómo es tu relación con el rock?, vas a hacerle un tributo a Charly después de su cumpleaños número 75M.W.: Charly es mi mayor referente. Su obra fue la que me llevó también a querer componer mi propia música. Yo canto desde muy chiquita, a los 11 años ya estaba en escenarios, pero recién cuando escuché Cinema Verité, de Serú Girán, vi el horizonte y dije: “Bueno, ¿qué es esto? Yo necesito algún día componer algo así”. Para eso iba a tener que tocar el piano, por lo menos en un 70% de eso.&nbsp;<blockquote>Fue el faro artístico. Es la música que más me conmovió y la que quise intentar hacer. No esa, la propia, pero con ese faro.</blockquote>P: Además del rock, vi en tus redes un video cantando Zamba para olvidar, ¿qué lugar ocupa el folklore en tu formación?M.W.: En general no canto folklore en público, esa fue una situación especial. Pero tengo muchas canciones que amo y que estudié mucho en el piano, el Cuchi (Legizamon) tiene muchas canciones que quedan muy bien con el piano. Mi papá, cuando era chico, formaba parte de un grupo de folklore y creo que algo me contagió.Después fui muy rock y pop, pero hay algo en esa manera en la que uno puede cantar el folklore que siento que solo está ahí, como esa cosa más de cantante, de emoción, del vibrato. Quizás en el rock está un poco más vestida por los otros instrumentos y por otra narrativa.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DJ-OrY-STE9/?hl=es-la&amp;img_index=1"></oembed></figure><h4>Jorge Serrano, Fito Páez y las canciones que conectan generaciones</h4>P: En tu repertorio también aparecen canciones de otros artistas, como Cómo te extraño, mi amor, de Leo Dan, pero mi generación la conoce por Café Tacvba. ¿Qué te llevó a elegirla?&nbsp;M.W.: Yo también la conocí por Café Tacvba. Me gusta mucho la letra porque conozco perfectamente la sensación de extrañar mucho a alguien y de decir: “Volvé, volvé”. No está bajo tu poder, tu dominio, pero está el corazón. Siento que es muy franca en lo que dice. Esas son las cosas que me gusta cantar con toda la voz.P: También hiciste una versión de Un osito de peluche de Taiwán junto a Jorge Serrano, que así como nosotras conocimos Cómo te extraño, mi amor por Café Tacvba muchas generaciones nuevas van a conocer esta canción por vos. ¿Por qué la elegiste?M.W.: Me gusta porque habla de las contradicciones y de cómo las relaciones no son todo el tiempo iguales. Me gusta mucho que la letra hable de eso, con esas metáforas, y Jorge es un maestro de la lírica, de los mejores.A mí me gustaba mucho cantar la letra y tocar el piano. Le fui cambiando los acordes y sentía que en mi versión se notaba de otra forma, porque a veces el ritmo del rock te envuelve, te hace moverte, y la letra queda en un lugar secundario. A mí me parecía que la letra de Un osito de peluche de Taiwán tenía que quedar en un lugar primario. Por eso la hice un poco más como un bolero.P: ¿Cómo fue el momento en que pudiste compartirle esa versión a Serrano y terminaron grabando juntos?M.W.: La tocaba en mis shows hasta que, gracias al Francés, el percusionista de Los Auténticos Decadentes, se la pude mostrar a Jorge. A él le encantó y se sumó a cantar, en otra versión de su canción. Nos emocionamos los dos en el momento. Eso creo que quedó en un video de un vivo de Facebook. Para mí, si no pasa eso con la música, que no pase nada.Gracias a eso, Los Auténticos Decadentes me invitaron a cantarla en México, en el Auditorio Nacional, y en el Gran Rex para el MTV Unplugged.P: Otro encuentro importante fue el que tuviste con Fito Páez. ¿Cómo surgió la posibilidad de grabar juntos?M.W.: A Fito lo conocí en un estudio de grabación y nos pusimos a hablar de Charly García. Él es muy fanático, yo soy muy fanática y le mandé por mail una canción. Él me llamó por teléfono porque le gustó mucho la canción y mi voz. Después empezamos una correspondencia por mail, de música. Me mandó un tema inédito, le cambié los acordes, lo rearmonicé y se lo mandé. Fue un ida y vuelta muy musical hasta que un día me animé a preguntarle si podía grabar esa canción que le había gustado.Vino al estudio y fue muy fuerte. Fue como ver a Picasso o a Dalí en su atelier, ver trabajar a un genio con la materia.<h4>P: ¿Qué te pasó al verlo trabajar sobre una canción tuya?</h4>M.W.: Él me decía: “Decime lo que tengo que hacer”. Era muy fuerte porque sí, era mi canción, pero siento que a él le quedó como perfecta. La escucho y siento que es de él.

La cantante prepara un nuevo disco que combinará baladas con canciones bailables y una mirada más madura sobre las relaciones. En diálogo con Filo.news, repasó sus influencias, contó cómo surgieron sus colaboraciones con referentes del rock nacional y adelantó el homenaje a Charly García que formará parte de su próximo show.

La cantante prepara un nuevo disco que combinará baladas con canciones bailables y una mirada más madura sobre las relaciones. En diálogo con Filo.news, repasó sus influencias, contó cómo surgieron sus colaboraciones con referentes del rock nacional y adelantó el homenaje a Charly García que formará parte de su próximo show.

Marina Wil: Charly García como faro artístico, el amor sin dramas y la historia detrás de su encuentro con Fito Páez

Maxi Pachecoy lanzó "Arte Sano", su nuevo álbum de estudio que lo ayudó a atravesar momentos difíciles y encontrar la manera de seguir adelante. Con sonidos que mezclan el folklore de su Chaco natal, el rock nacional, el pop y la canción de autor, con la guitarra y la voz en primer plano.&nbsp;“La música en general me ayudó a atravesar distintos momentos, a sanar distintas cosas, escribir, sacártelo de encima, poder bajarlo a un papel”, contó en diálogo con Filo.news.&nbsp;El disco también recupera una forma de componer que acompaña al músico desde la adolescencia, cuando empezó a escribir sus primeras canciones: con la guitarra y la voz en primer plano e historias y las letras profundas.El artista habló sobre el poder de la música para sanar, las influencias que recibió desde chico, el camino de dedicarse profesionalmente a la música y las colaboraciones que forman parte de su nuevo trabajo. Además, adelantó cómo será la presentación del álbum, prevista para el <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.passline.com/eventos/maxi-pachecoy-presenta-arte-sano?srsltid=AU7gw4VUXdRxsapNk94udjahHnjXkyCTXqW_AV_QdlNyr3URzGvYmdNR">jueves 29 de octubre en La Carbonera, en San Telmo</a>.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=Unrter3VjmM&amp;list=OLAK5uy_kh3aziHgR59Rk-G5U_gbbV-8iABQaDIMk&amp;index=2"></oembed></figure><h4>La música como herramienta para sanar y volver a las raíces</h4>Periodista: ¿Qué cosas sentís que sanaste con Arte Sano?Maxi Pachecoy: Creo que no solo en este álbum. La música en general me ayudó a atravesar distintos momentos, a sanar distintas cosas, escribir, sacártelo de encima, poder bajarlo a un papel. Me parece que es súper importante. Por eso, no creo que sea solo el nombre de este disco, sino una especie de idea o concepto que vengo sintiendo desde hace ya un tiempo. Y no solo para mí, sino que creo que a todos nos pasa un poco que la música nos acompaña en distintos momentos.P: En general, la música también ayuda a sanar a los que te escuchan, ¿te pasó que te lo digan?M.P.: Sí, me pasó algunas veces de recibir mensajes de algunas personas que me decían: “Escuché tu música y me hizo bien”. Entonces, eso me hizo dar cuenta de que hay algo un poco más profundo en la música y en el arte en general. Nos acompaña, nos moviliza, nos toca y eso es súper lindo.P: En el disco hay folclore, pero también pop, rock nacional y canción de autor. ¿Cuánto tiene que ver esa mezcla con tus raíces y con haber nacido en Chaco?M.P.: Yo soy de Chaco. El folklore siempre estuvo bastante presente en todos mis discos. Hay un poco de folclore, pero también hay pop, rock nacional, canción de autor. Todo eso me atravesó desde chico musicalmente, fueron mis influencias. Entonces, al momento de componer, aparecen.P: ¿Qué artistas escuchabas cuando eras chico y cuáles fueron importantes para tu formación musical?M.P.: En las primeras infancias fue el folclore, porque en mi casa había folclore. No fue tan elegido por mí, pero estaba Atahualpa, porque mi viejo escuchaba mucho Atahualpa, Mercedes Sosa. Al Cuchi Leguizamón lo empecé a escuchar un poco después, como que ahí abrí toda una puerta al folclore ya de más grande.Y el rock nacional y el pop, ahí entran todos: Fito Páez, Charly García, Luis Alberto Spinetta, Soda Stereo. Todo ese universo también me agarró de chico y fue súper importante para mí. Después aparece la canción de autor, Silvio, Sabina, todo ese universo, por nombrar algunos. Después hay especificidades, pero todo eso me influyó un montón. Entonces, al momento de componer, aparecen.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=AwMF9zSgMiM&amp;list=OLAK5uy_kh3aziHgR59Rk-G5U_gbbV-8iABQaDIMk&amp;index=3"></oembed></figure>P: Creo que había algo ahí de Sabina y también un nexo con Barcelona y Madrid en Cucharaditas de NescaféM.P.: Sí. Dentro del disco, yo creo que es una de esas canciones de autor donde hay mucho texto. Lo que te guía en la canción es la narración, es la historia, lo que va contando la canción. Es como basada en una historia real, de hecho. Pero bueno, es como un viaje. Aparece la importancia del texto, que para mí es fundamental también en las canciones.Como me gusta mucho la letra, un poco de folclore, un poco de pop, rock nacional, un poco de canción de autor: todas esas influencias aparecen en este disco. Además, me gusta mucho que volví un poco a las raíces desde la instrumentación, quería ir a lo más genuino posible, la guitarra y la voz bien al frente. El resto de los instrumentos acompañando, pero como volver a cuando compuse mis primeras canciones.P: ¿A qué edad empezaste a componer?M.P.: Las primeras canciones las compuse a los 14 o 15 años, por ahí. Empecé a tocar desde más chico, pero a los 14 o 15, con los primeros amores y desamores, empezaron las primeras canciones.P: En tu familia la música siempre estuvo presente, aunque nadie se dedicara profesionalmente a eso. ¿Cómo tomaron tus padres la decisión de que quisieras hacer una carrera musical?M.P.: Ninguno se dedica a la música, pero sí mi viejo toca la guitarra y canta, mi hermano toca la guitarra y canta, mi vieja toca el piano, mi abuela cantaba. Es como una familia donde la música siempre estuvo muy presente, pero nadie se había dedicado a recorrer un camino artístico.Sobre todo cuando nadie en la familia recorrió un camino artístico, hay muchos miedos porque no se sabe de qué se trata. Es un camino difícil, no es un camino simple, es un camino complejo que requiere de mucha voluntad de sostenerse, de encontrar la manera de poder seguir haciendo. Tiene un montón de adversidades que por ahí te llevan a decir: “Che, bueno, capaz que no”, y hay que sobreponerse a eso, me parece.Si es realmente lo que sentís que tenés ganas de hacer, buscar la manera de seguir desarrollándolo. Entonces, yo los reentiendo a mis viejos en ese momento, porque por suerte, al poco tiempo, cuando se dieron cuenta de que la cosa iba en serio, recibí todo el apoyo y todo el amor y hasta el día de hoy me acompañan un montón.&nbsp;<h4>Las colaboraciones de El Artesano y la presentación en vivo</h4>P: El álbum tiene cinco invitados: Sol Mianovich, Rubén Goldín, Raúl Rufino, Pablo Dacal y Leo García. ¿Cómo surgieron esas colaboraciones?M.P.: Todos son amigos de antes del disco. Y surgió porque, a medida que estaba en la preproducción de las canciones, escuchaba el tema y decía: “Acá me parece que la voz de Rubén o de Sol puede funcionar muy bien”. Era como que la propia canción me iba llevando.P: ¿Pensaste esas canciones para esas voces desde el principio o las colaboraciones aparecieron mientras avanzabas con la producción?M.P.: A medida que iba avanzando la canción, iba escuchando más las voces de algunos artistas. Pero, en particular, lo de Raúl Rufino fue un caso distinto, fue el único caso distinto, porque compartíamos un show con Raúl en la Casa de Chaco. Él es chaqueño también, igual que yo. Y cuando nos juntamos, le digo: “Mirá, Raúl, tengo esta zamba”. Y nos pusimos a tocarla juntos y se fusionó perfecto todo. Él puso una segunda voz que le quedaba bárbaro, un arreglo de guitarra. Entonces, él me dijo: “Che, cuando la grabes avisame porque la voy a grabar con vos”.Y terminó quedando ese mismo arreglo que hicimos en ese momento para ese show y esa misma segunda voz. Es una de mis canciones favoritas del disco.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=O07x2bv-I60&amp;list=OLAK5uy_kh3aziHgR59Rk-G5U_gbbV-8iABQaDIMk&amp;index=4"></oembed></figure>P: ¿Cómo te estás preparando para el show de La Carbonera?M.P.: Voy con toda la banda, tratando de respetar un poco la instrumentación del disco, que me parece que es uno de los puntos fuertes. Quiero tratar de tocar el disco en el orden en el que está, como para presentarlo de esa manera.A mí me parece que el orden de las canciones es súper importante. Por algo están de esa manera. Entonces, tratar de respetar eso. También voy a tocar canciones de discos anteriores, algunos momentos de set acústico y guitarra y voz, que me gusta siempre generar ese momento en los shows.Estoy ansioso, pero contento, con ganas de llevar el disco al vivo, que ahí hay una transformación de las canciones también cuando se tocan en vivo, toman otro carácter. Así que bueno, a ver qué sucede. &nbsp;

El músico presenta su nuevo álbum, un trabajo que cruza folclore, pop, rock nacional y canción de autor. En diálogo con Filo.news, repasó las influencias que marcaron su recorrido y contó cómo surgieron las colaboraciones con Raúl Rufino, Rubén Goldín, Sol Mianovich, Pablo Dacal y Leo García.

El músico presenta su nuevo álbum, un trabajo que cruza folclore, pop, rock nacional y canción de autor. En diálogo con Filo.news, repasó las influencias que marcaron su recorrido y contó cómo surgieron las colaboraciones con Raúl Rufino, Rubén Goldín, Sol Mianovich, Pablo Dacal y Leo García.

Maxi Pachecoy: la música como herramienta para sanar, sus raíces chaqueñas y las historias detrás de "Arte Sano"

El MTV Unplugged de <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2025/10/23/charly-garcia-cumple-74-anos-y-sigue-escribiendo-la-historia-argentina-en-canciones">Charly García</a> se gestó en la "fábrica de los sueños" del músico, que era su casa y estudio de grabación allá por los 90's, hoy devenido en el bar La Fábrica. Más de tres décadas después, Zorrito Von Quintiero, Fernando Samalea y los hermanos Di Salvo junto a Emme Vitale vuelven sobre esa experiencia y se preparan para tocar ese repertorio en vivo."La voz de Emme le da un toque particular y a Charly García siempre le viene muy bien que sus canciones las canten mujeres y a él en lo personale le gusta. Lógicamente nadie pretende reemplazarlo y también es un guiño a María Gabriela (Epumer)", subrayó Samalea en diálogo con Filo.news.La propuesta es celebrar esta obra de García, que también es propia, reencontrarse con este álbum que incluye grandes canciones como Rezo por vos, Nos siguen pegando abajo (Pecado mortal), Ojos de video tape y Demoliendo hoteles, entre otras, que siguen convocando a distintas generaciones.&nbsp;<a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.ticketek.com.ar/hello-el-unplugged/teatro-coliseo?fbclid=fbclid&amp;gad_source=1&amp;gad_campaignid=24305394449&amp;gbraid=0AAAAADgq7q1-dlSSYfP6al0SHRrQxtHjg&amp;gclid=CjwKCAjw88HWBhA3EiwAo2Zd6JdONPJFyjX784eLbFUza7dhKF5qJcGEsL_F3hdKSICTk_FxvwHHNRoC7xkQAvD_BwE">El próximo lunes 19 de octubre la banda original de García se presentará en el Teatro Coliseo con Hello! MTV Unplugged.</a><figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Decc8GiAaXh/?img_index=1"></oembed></figure><h4>La historia detrás del MTV Unplugged de Charly García</h4>Periodista: ¿Qué recuerdan de aquellos ensayos en La Fábrica, antes de viajar a Miami para grabar el especial de MTV?Zorrito Von Quintiero: Acá, en este espacio, hubo unos cuantos ensayos antes de viajar a Miami, en mayo del '95, para grabar el show para televisión de MTV. La propuesta inicial era que desenchufáramos todas las cosas y tocáramos más acústico. Se le presentó el proyecto a Charly y lo peleó un poco.P: ¿No quería hacerlo?Z.V.Q.: No sé si no quería hacerlo, sino que la propuesta venía con esa intención de tocar de una manera más acústica. Y bueno, finalmente se pudo hacer, se pudo viajar y grabamos el show. De ese registro quedó este disco, grabado por Joe Blaney, nada más y nada menos, que fue el ingeniero histórico de los discos solistas de Charly. Quedó esta maravilla que todo el mundo quiere tanto, disfruta tanto y aprecia tanto.P: ¿Cómo fue esa negociación con MTV para encontrar el sonido que querían?Z.V.Q.: Al principio había que negociar qué se podía sumar y qué no. Lo que para mí destrabó todo fue cuando entraron los hermanos Di Salvo con el violín y el chelo para sumar instrumentos. Ahí se cerró un poco la idea y Charly se quedó tranquilo.Fue de los primeros en poder negociar ese tipo de cosas. Y hay que agradecerle a Alex Pels, que era el productor general de MTV Latino, con quien fuimos y vinimos con todo esto. La verdad es que en conjunto pudimos sacar un show para televisión buenísimo y un disco que todavía suena y la gente disfruta mucho.P: Hay una anécdota de que Charly decidió no alojarse en una habitación, sino que pidió una limusina. ¿Fue así?Samalea: No, estaba alojado en una habitación. Lo que pasa es que salíamos tanto que finalmente decíamos en broma que la habitación se había trasladado a la limusina, porque había tres choferes de ocho horas cada uno para cubrir los turnos del día.S.V.Q.: Era una habitación ambulante, con todo tipo de música, teclados, había cosas. Eventualmente subíamos y bajábamos, y combinábamos con el encanto del Caribe y ese clima hermoso de Miami.P: ¿Qué lugar ocupaban el humor y la diversión en esos días con Charly?Samalea: Rescatamos mucho el humor, tanto en la realización del Unplugged como en un montón de otros discos o giras que hubo con él. Siempre el humor, siempre un gran compañerismo y una alianza con él, en el buen sentido. De eso siempre estaremos agradecidos.Z.V.Q.: La alegría de haberlo terminado también fue importante. Allá es distinto de acá, tienen otro orden de las cosas. Acá quizás nos podemos extender más, tener más permisos para otras cosas. Allá había un plan y había que cumplirlo. Y se pudo cumplir y terminar.P: ¿Se grabó en una toma?Z.V.Q.: Creo que sí, que fue en una toma.<h4>Volver a tocar a Charly con otra voz</h4>P: Ahora retoman el Unplugged con Emme en la voz. ¿Sienten una responsabilidad de acercarles este material a las nuevas generaciones?S: En principio es una celebración y sería pretencioso de nuestra parte plantearlo como que estamos haciendo eso. Ojalá sirva también para redescubrirlo, de alguna manera, como nosotros lo disfrutamos y como tanta gente lo ha descubierto.La voz de M le da un toque particular. A Charly siempre le vienen muy bien sus canciones cantadas por mujeres; la voz femenina es algo que con él va muy bien y que a él, en lo personal, le gusta. Y esto también es un guiño al recuerdo, un guiño a María Gabriela.P: Lo llevan al Coliseo y lo sacan de La Fábrica por primera vez desde su grabación y en la previa del cumpleaños número 75 de Charly.Z.V.Q.: Es una celebración de su cumpleaños, de la Semana García, y llevarlo al Coliseo con una producción enorme es algo que nos estimula un montón.P: ¿Qué les dijo Charly sobre estos shows?S: Todavía no pudimos hablar mucho concretamente, pero sabemos que está al tanto. Y, por supuesto, es un sueño alguna vez poder hacerlo con él, si él decidiese volver a los escenarios.P: ¿Hay alguna canción del disco que hoy disfruten especialmente al tocarla?S: Es difícil, porque justamente es uno de los compositores más amplios, que involucra un montón de mundos, desde esa cosa magnánima tipo (George) Gershwin hasta el rock más primitivo. Entonces se hace difícil elegir. Creo que Ojos de video tape.&nbsp;Z.V.Q.: Iba a decir lo mismo. Ahí hay un punto de alta sensibilidad al tocarla. Creo que nos pasa eso también de mirarnos y decir: "¿Viste? Está acá". Sabemos que está, aunque no esté, y se produce la comunión musical.Z.V.Q.: Debido a semejante obra, a la historia y a todo lo que vivimos, y a esta posibilidad de estar todavía juntos con ganas de tocar, lo hacemos porque tenemos muchas ganas de tocar esto. También nace de la admiración, del amor y de la gratitud hacia él.P: Muchos no llegamos a ver a Charly en vivo. ¿Qué significa para ustedes volver a tocar su obra y compartirla con ese público?S: Somos partícipes y público también, porque nos consideramos público de Charly en la actualidad. Hay una doble percepción. La mente es muy mecánica y, al tocar cosas de otros tiempos, inevitablemente uno conecta con los momentos en los que tocábamos con él.Z.V.Q.: Es hermoso estar entregados al trance de la ejecución musical en banda y sentir que sobrevuela siempre su espíritu y su metafísica.P: Para cerrar, ¿qué le dirían a Charly por su cumpleaños?Z.V.Q.: Es lo que le digo siempre: gracias. Porque en mi vida personal, desde que soy infante y descubrí el rock argentino -también gracias a la cultura del rock-, algo entró en mi alma, en mi cuerpo, en mi espíritu, y me cambió para siempre.&nbsp;Z.V.Q.: Y pasar de ser audiencia a tocar en su banda fue un premio muy grande. La oportunidad más grande que alguien me pudo haber dado me la dio él.S: Muchas gracias siempre por tu cariño hacia mí. Feliz cumpleaños, Charly.

El Zorrito Von Quintiero y Fernando Samalea repasaron junto a Filo.news cómo nació el disco, las discusiones con MTV para definir el formato y las anécdotas de la grabación en 1995. Ahora vuelven a tocar esas canciones junto a Emme, en una celebración que busca mantener viva la obra de García.

El Zorrito Von Quintiero y Fernando Samalea repasaron junto a Filo.news cómo nació el disco, las discusiones con MTV para definir el formato y las anécdotas de la grabación en 1995. Ahora vuelven a tocar esas canciones junto a Emme, en una celebración que busca mantener viva la obra de García.

Hello! MTV Unplugged de Charly García: las noches en Miami, la historia detrás del disco y el regreso de su banda

Villanos nació en Villa Celina, en La Matanza, y desde sus comienzos encontró en el rock una forma de contar lo que pasaba a su alrededor. Con canciones atravesadas por el humor, la ironía y una mirada crítica sobre la realidad, la banda construyó su recorrido desde el circuito under del conurbano bonaerense, con una lógica autogestiva que sostiene hasta hoy.Ese origen explica algunas de las preocupaciones que aparecían en sus primeras canciones y que hoy siguen presentes. El desempleo, la pérdida del poder adquisitivo y las dificultades cotidianas del barrio y la crisis económica son parte de una realidad que encuentra puntos de contacto entre los últimos años del menemismo y el presente argentino.“El equilibrio fiscal no puede ser a costa de hambrear a un pueblo”, sostiene Niko Villano en diálogo con Filo.news al momento de hablar de las consecuencias sociales de las políticas económicas. De ahí, también que el trabajo cada vez ocupa más espacio de la vida mientras se reducen las posibilidades de disfrutar del tiempo propio.Psicólogo además de músico, Niko Villano también observa con preocupación los efectos de la hiperconectividad. En “Fuera de sistema”, último temas de la banda, retoma la inquietud de cómo la tecnología transforma los vínculos, condiciona la manera de pensar y modifica la relación con el mundo.&nbsp;Sin embargo, no es nueva esta desazón con la tecnología. "El video de Contacto, cual Simpson del rock, habían dos nenas que se comunicaban por celular, mucho antes de que existan las redes sociales y el WhatsApp", recuerda Niko.&nbsp;Villanos continúa componiendo después de 30 años. El grupo busca sostener una dinámica que va a contramano de la lógica de los lanzamientos digitales y estrenarán parte del nuevo material en el <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.allaccess.com.ar/event/villanos-primera-convencion-villana-mundial">próximo show del 17 de octubre en The Roxy Live</a>.&nbsp;El vivo conserva, para Niko, un lugar central, no solo el encuentro con el público que los viene acompañándo hace años sino también el de la ilusión: "Cada vez que subo a un escenario, me siento el nene de Celina que soñaba con tener una banda de rock", asegura.<h4>Villanos, Villa Celina y una mirada crítica sobre la Argentina</h4>Periodista: Villanos nació en Villa Celina y empezó a tocar en el circuito under del conurbano. ¿Cuánto de lo que cantaban estaba relacionado con ese barrio del que venían?Niko Villano: Siempre fuimos una banda que, en las letras, está pintando nuestra aldea. Algunas historias son verídicas, otras son inventadas y algunas funcionan como una crítica con sarcasmo de la realidad. En ese momento estábamos hablando de casi finales del menemismo, una época rara en la Argentina, con alto desempleo y dos Argentinas diferentes. Había tres o cuatro cuadras de cola para un solo empleo. Nosotros nos fuimos formando en ese contexto y teníamos una mirada crítica sobre todo eso.P: ¿Encontrás similitudes entre aquella Argentina y la actual?N.V.: Yo creo que sí, sobre todo en la segunda etapa de los 90, entre 1995 y el 2000, y después en 2001. Cuando hay desempleo, cuando te pisan los salarios y el desempleo crece, es obvio que cae el consumo. El equilibrio fiscal no puede ser a costa de hambrear a un pueblo. Eso es lo que pienso yo.&nbsp;P: ¿Sentís que esas preocupaciones vuelven a aparecer, que hay cosas que Villanos necesita decir?N.V.: Sí. Hay cosas que vuelven a aparecer porque están pasando. Yo nunca vi tal lavado de cerebro en la sociedad, al margen de este gobierno, que utiliza muy bien las redes para mal, digo yo. Es un resultante de varias cosas. En Brasil, el avance cierta masa de predicadores, que acá los vemos por la tele, te sacan y te meten un presidente. Es como el plan Condor para sacar gobiernos democráticos y meter militares en todo Sudamérica. Esto también es una estrategia de dominación y de penetración en nuestra cultura que son sutiles. Veo piezas musicales que nunca fueron de acá. Se empezó a estandarizar la música, sin músicos. Nosotros venimos del rock, de una época en la que una guitarra y un cuaderno podían ser herramientas para intentar cambiar el mundo.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=raPNMH67Cn4&amp;xstg=CAMSEBUJ_b-oH-PhF0yjBgbwzzE%3D"></oembed></figure><h4>“Las máquinas piensan por nosotros”</h4>En “Fuera de sistema”, Villanos retoma su crítica a la tecnología y la hiperconectividad que "cual Simpson del rock" ya habían explorado en “Contacto”, un álbum de mediados de los 2000. Si entonces imaginaban cómo los celulares podían modificar las relaciones, ahora Niko observa un mundo en el que las pantallas ocupan buena parte de la vida cotidiana.P: Ahora que sé que sos psicólogo, entiendo la inquietud por la hiperconectividad y las redes sociales que aparece en “Fuera de sistema”.N.V.: Ya en 2007 sacamos “Contacto”, un álbum medio conceptual en el que hablábamos de esto. En el video de la canción homónima, cual Simpson del rock, aparecían dos nenitas que se comunicaban a través de celulares, cuando ni siquiera existían las redes sociales como las conocemos ahora. Con “Fuera de sistema” retomamos esa idea, como una declaración de principios.Veo que todo se fue degenerando para peor. Ya no ves chicos en la calle, grupos de chicos jugando como cuando éramos más jóvenes. Ves a las personas todo el tiempo conectadas, como si vivieran en una Matrix. Cuando era chico, tenía miedo de las películas como Terminator: pensába que las máquinas iban a venir a matarnos. Al final no hizo falta tirar un tiro. Con un smartphone nos controlan la vida. Así que no hizo falta el gasto en armamento.Yo no conozco a ninguna persona que no tenga un celular hoy en día. Me rompe el corazón ver a los chicos en una mesa, mientras los adultos hablan y ellos están mirando una pantalla. Cada vez tienen celular más temprano. Me pregunto qué va a pasar con su capacidad para comunicarse con los demás. Y también está la inteligencia artificial, que puede generar un problema de desocupación a nivel mundial porque muchas cosas se van a resolver con eso.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=66N5skn7iR8&amp;list=RD66N5skn7iR8&amp;start_radio=1"></oembed></figure>P: Las redes y dejar de comprar un disco, también cambiaron la lógica consumo de músicaN.V.: Sí. Yo soy coleccionista de vinilos y tengo discos y cassettes en casa. Cuando vuelvo a escuchar un cassette que escuchaba de chico, me acuerdo de cuándo compré ese disco, de qué emociones me genera y de qué momento de mi vida forma parte. Eso se perdió un poco como experiencia de consumo.Hoy escuchás playlists, no necesariamente discos como obras completas. Está todo mezclado. Hay cambios que son para bien y otros para mal. A mí no me gusta que el artista tenga que ventilar toda su vida por internet, que se pierda la privacidad y que parezca que tenés que estar mostrando todo lo que hacés. Yo puedo hablar a través de una canción. No tengo por qué exponer cada parte de mi vida.<h4>Nuevas canciones, el público y el chico que soñaba con tocar con Kiss</h4>"Fuera de sistema" fue el primer corte de un disco que viene en proceso desde 2025 y que busca recuperar algo de la experiencia musical de otras épocas. La banda decidió estrenar sus canciones en vivo antes de subirlas a las plataformas digitales.&nbsp;P: Cuando salió "Fuera de sistema" dijeron que estaban trabajando en un disco, ¿cómo viene?&nbsp;N.V.: Estamos grabando. Nosotros vamos un poco en contra de la corriente, vamos a estrenar las canciones nuevas en vivo, para la gente que viene a vernos, antes de que salgan en las plataformas digitales. Somos cinco mentes análogas. Nosotros esperábamos que nuestros artistas sacaran temas nuevos, íbamos a comprarlos y a los recitales. Queremos conservar ese espíritu de contacto humano, de experiencia, de emoción.También vamos a tocar canciones que no hacemos tan seguido. A mí me pasa como público que hay temas de mis bandas preferidas que quiero escuchar y que nunca aparecen en los recitales. Nos gusta recuperar esa parte del repertorio y hacer algo especial para quienes nos acompañan desde hace años.Nosotros somos agradecidos de estar tocando hace 31 años y de conservar todavía ese espíritu mater. Cada vez que subimos a un escenario, yo me siento un nene, un nene de Villa Celina soñando que iba a ser que iba a tener una banda de rock, que escuchaba su cassette de de Kiss, The Rolling Stones, Creedence, Ramones, los Redondos, Los Ratones...P: La vida te llevó a tocar con Kiss, concerlos. ¿Cómo lo viviste?N.V.: Yo soy músico por Kiss. Lo primero que vi fue un programa de televisión que se llamaba Música prohibida para mayores. Era 1980, yo era muy chiquito y aparecian los videos de Kiss. Veía a esos tipos vestidos con trajes espaciales, como vampiros, tirando fuego, volando por el aire y rompiendo guitarras. Tenía cinco o seis años y dije: “Quiero hacer esto”.Yo había decidido que quería ser músico por Kiss y, cuando salió nuestro primer disco, en abril de 1999, ellos vienen por primera vez. Tocamos con ellos y conocimos a la formación original. Algo mágico que tienen la música, soy un agradecido.&nbsp;P: ¿Les dijiste algo cuando los tuviste en frente?N.V.: Cuando los tuve enfrente, no me salía nada. Les dije gracias y “I love you”. ¿Qué más les iba a decir? Tenía la cara de ese nene de Villa Celina que en los carnavales se pintaba como Kiss y llevaba una raqueta colgada como si fuera una guitarra. Ese día estaba pisando las nubes.&nbsp;

A 31 años del nacimiento de Villanos, Niko Villano repasa el sueño de tocar con Kiss, traza paralelismos entre los 90 y la actualidad y cuestiona el impacto de las redes sociales y la cultura del consumo.&nbsp;

A 31 años del nacimiento de Villanos, Niko Villano repasa el sueño de tocar con Kiss, traza paralelismos entre los 90 y la actualidad y cuestiona el impacto de las redes sociales y la cultura del consumo.&nbsp;

Villanos: el sueño de tocar con Kiss, la música como herramienta de cambio, su crítica a la tecnología y el valor del vivo

Villanos: el sueño de tocar con Kiss, la música como herramienta de cambio y el valor del vivo

Diego Torres sale de gira con "Mi norte y mi sur", un disco que lo marcó y lo dejó pensando aún cuál era cada uno de esos puntos cardinales a nivel emocional. Habla de distintos tipos de amor, del paso del tiempo, de los vínculos que dejan huella y de esas historias que terminan sin una despedida.&nbsp;“A veces estamos, nos sentimos que estamos arriba, a veces estamos abajo y en el medio nos cuesta tanto encontrar ese equilibrio”, resume el cantautor que ahora va a girar por Miami y Puerto Rico. Si bien prometió "conquistar" el norte, no se olvida de la Argentina: visitará el interior de la provincia de Buenos Aires, Santa Fe, Mendoza, La Pampa, Neuquén y cierra en la Ciudad de Buenos Aires, no sin antes pasar por Uruguay.El álbum también propone un recorrido musical amplio, con diferentes sonidos, arreglos y participaciones. Una mezcla que el cantante reivindica como parte de su identidad artística. “Me encanta esa mezcla, me identifica, me hace sentir libre dentro de la música. La música es eso”, sostiene.Fueron años movilizantes para Diego Torres, en el último tiempo se encontró con la muerte de amigos muy cercanos. De allí, nació "Sin despedida", canción que compuso a partir del fallecimiento de Mila Yankelevich, quien era cercana a su familia y estudiaba en la misma escuela que su hija Nina. Contó cómo las pérdidas recientes también modificaron su forma de ver la vida y sus conversaciones Nina.&nbsp;<h4>Diego Torres: "La vida son momentitos y no nos olvidemos que pasan muy rápido"</h4>—¿Cuál es el norte y cuál es el sur de Diego Torres?—Yo creo que pasa más por puntos cardinales emocionales. A veces estamos, nos sentimos que estamos arriba, a veces estamos abajo y en el medio nos cuesta tanto encontrar ese equilibrio. Trabajo para eso, para tratar de encontrar ese equilibrio, esas ganas, ese estímulo. Creo que por eso “Mi norte y mi sur” me identificó como el trovador. Vamos, con la brújula y vamos donde sea.Es un disco que tiene muchos sonidos, arreglos, participaciones, de voces de otros lugares, de otros géneros. Me encanta esa mezcla, me identifica, me hace sentir libre dentro de la música. La música es eso.—¿Qué querías contar con ese recorrido del disco?—Habla de los amores de repente de diferentes maneras, de diferentes amores. Hablamos del tiempo, porque hay una canción que le hablo al tiempo como si fuera una persona ("El tiempo"). Hablamos de ese corte abrupto que a veces la vida tiene, que no llegamos a tener una despedida, cuando la vida no nos da esa posibilidad. Hablamos de un amor nuevo que nos llega a nuestra vida y nos cambia y nos estimula, como puede ser “Mi norte y mi sur”. Hablamos de ese amor que ha pasado por nuestra vida y a lo mejor ya se fue y ha dejado una marca y una huella imborrable, como en “Vas a quedarte”. Hablamos de los amuletos...<h4>“Sin despedida”, la canción que nació de una pérdida</h4>Dentro de ese recorrido aparece “Sin despedida”, una canción particularmente movilizante. El disparador fue una pérdida inesperada de Mila Yankelevich, que atravesó de cerca al cantante por la relación con su familia.&nbsp;La canción la escribió junto a Valentina Rico y Facu Monty, hijo del músico Yaco Monti. Fue, cuenta, una tarde de mates entre los tres.—¿Cómo nació “Sin despedida”?—En realidad la canción me inspiró la muerte de Mila Yankelevich. Yo la conocía, como conozco a la familia Yankelevich de toda la vida. Mi papá era muy amigo de Samuel Yankelevich, el papá de Gustavo. Lo conozco a Gustavo de toda la vida. Lo conozco a Tomás, conozco a Sofía, que eran los padres de Mila. Iba al mismo colegio que mi hija.Con la muerte inesperada de Mila, una chiquita hermosa, realmente nos pegó mucho a todos los que estuvimos alrededor y que tenemos hijos también. Así que un poco el disparador de eso que sucedió fue escribir esta canción “Sin despedida”.—Hace poco también se fue el Negro Rada y subiste un mensaje muy lindo a redes, donde uno de los videos era confesándote con él. ¿Cómo lo atravesaste?—Si yo me iba a confesar, me iba a confesar con el Negro Rada. ¿Con quién? ¿Con quién te vas a confesar?¿Quién mejor que él para entenderte? Por suerte no se escuchan los pecados, pero me dice 300, imaginate la cantidad de pecados que le habré contado.&nbsp;El Negro era una persona hermosa, además de un artistazo. Era lindo verlo. Ese encuentro fue en Uruguay, una vez que fui a hacer unas actividades y estaba ahí en la ventana y en los camarines, fue imperdible ese momento natural que se dio.El Negro va a ser una gran ausencia, pero nos deja un gran legado.—Fue un año complicado.—También este año perdí un gran amigo mío del colegio, que en 10 meses una maldita enfermedad se lo llevó y era un compañero de la vida, desde el colegio, del trote, de todo. Fue un baldazo de agua fría para mi grupo de compañeros del secundario. El querido Arturo Fresco, así se llamaba...&nbsp;—Es difícil ver partir a una persona de tu edad...—Sí, además inesperado. El tipo era un toro, superdeportista, un guerrero. Y vivir esta situación donde muchos amigos, compañeros, soldados, como le quieras decir, se empiezan a ir, es como que la vida te va dando una señal como diciendo, "Ey, mirá, valorá, valorá las cosas a tiempo".La vida son momentitos y esto también lo hablaba con mi hija hace poco, que por más que tenga 13 años, trataba de transmitirle eso: "No te pierdas los momentitos de la vida". "Nina, no te pierdas cuando estás con con con tu familia, con tus afectos, con amigas. Fíjate bien lo importante".—Que importante, porque vemos la muerte a lo lejos y cuando se acerca es cuando empezamos a disfrutar estos momentitos.—Es que Nina se encontró con la muerte a través de lo de Mila. Después pasó lo de mi amigo... Entonces, fue un tema de conversación y todo lo que le pasó a ella por dentro, de vivirlo. La vida son son momentitos. Yo sé que a veces nos cuesta todo mucho, las situaciones difíciles, cargamos muchas cosas sobre la mochila, pero dejemos un espacio para esos momentitos porque todo pasa muy rápido.Tal vez, ahí está la brújula de “Mi norte y mi sur”, no tanto en encontrar un punto fijo sino en aceptar que hay momentos en los que estamos arriba, otros en los que estamos abajo y que el desafío está en seguir avanzando, incluso cuando la dirección cambia.

Diego Torres habló de la gira internacional de “Mi norte y mi sur”, su último álbum, y de aquello que lo atraviesa: los amores, las despedidas que nunca llegan, la muerte, su hija Nina y la necesidad de aprender a disfrutar el presente. “La vida son momentitos y no nos olvidemos de que todo pasa muy rápido”, resumió en diálogo con Filo.news.

Diego Torres habló de la gira internacional de “Mi norte y mi sur”, su último álbum, y de aquello que lo atraviesa: los amores, las despedidas que nunca llegan, la muerte, su hija Nina y la necesidad de aprender a disfrutar el presente. “La vida son momentitos y no nos olvidemos de que todo pasa muy rápido”, resumió en diálogo con Filo.news.

Diego Torres: “Mi norte y mi sur”, la muerte, los amores y por qué “la vida son momentitos”

Cultura Profética llega a la Argentina con En Bucle, su último álbum de estudio, que guarda una íntima relación con La Dulzura, disco que le dio un salto a la masividad en el país y que delineó una forma diferente de hacer música para la banda puertorriqueña. El romanticismo siempre fue parte de su ser, pero durante sus primeros años la música servía como herramienta de transformación del mundo desde Puerto Rico, un país con tradición colonial asociada a EEUU, que actualmente tiene el estatus de Estado Libre Asociado.La historia de Cultura Profética con la Argentina llega desde los primeros covers de la propia banda. Willy Rodríguez reconoce la importancia de Los Fabulosos Cadillacs en Latinoamérica, así como de Los Pericos, dos bandas que los inspiraban en los primeros años incipientes aún del grupo.&nbsp;La relación más estrecha llega de la mano de Los Cafres, grupo que escucharon por primera vez luego de grabar Canción de Alerta, su primer álbum, en Jamaica, cuna del reggae. "Nos regalaron dos discos de ellos, fue la única música que nos llevamos de Jamaica", aseguró Willy en diálogo con Filo.news.<blockquote>"Ahí fuimos entendiendo poco a poco la onda de ellos. Al principio no me entró, debo decirlo. Yo se lo he dicho a Guille”, recuerda entre risas.&nbsp;</blockquote>Sin embargo, con el correr del tiempo dieron un giro y se enamoraron de las canciones de Los Cafres. Incluso, Guillermo Bonetto fue quien terminó modificando la manera de cantar de Willy. Muchos artistas de la escena cambiaban la cadencia de la voz, pero Bonetto le mostró otra posibilidad. “Fue el primero que yo escuché en Latinoamérica cantando reggae con una voz propia, cantante real. Escucharlo a él me hizo escucharme y analizarme y decir: ‘Uf, yo no quiero cantar así, yo quiero buscar cuál es mi voz, de verdad’”.La diferencia en la cadencia de la voz de Willy quedó registrada en Canción de Alerta (1998) e Ideas Nuevas (1999). La influencia llegó, incluso, a mejorar la forma de escribir. Willy recuerda que sus estribillos no eran tan contundentes, algo que hizo que se lo replantee Bonetto: "¿Dónde está el estribillo de la canción?", le repetía."Le debo mucho a Guillermo Bonetto y a Los Cafres en general", asegura Willy.&nbsp;En diálogo con Filo.news, Willy Rodríguez habla de la inesperada influencia argentina en la historia de Cultura Profética, de los años en los que sentían que utilizaban la música como herramienta de cambio, con un mensaje político, del prejuicio de una parte del público frente a sus canciones de amor y de un nuevo álbum que, sin haberlo buscado, cerró un círculo.—Hay una relación muy fuerte de Cultura Profética con Argentina. ¿Qué lugar tuvieron las bandas argentinas cuando ustedes empezaban?—Los Fabulosos Cadillacs... Esto es bien curioso. Antes de Cultura Profética yo tocaba el bajo y Omar Silva tocaba guitarra en una banda que teníamos que se llamaba The Scattered. El único concierto real que nosotros tocamos fue abriendo el primer show de los Cadillac en Puerto Rico, en el 94.—¿Cómo fue el show?—Fueron como 200 personas nada más. Los Cadillac para nosotros ya eran gigantes, pero ese show no se dio muy bien. Después vinieron y fue gigante, pero en ese momento, que fue la primera vez, aparte llovió un montón. Fue una gran fiesta, pero éramos muy pocas personas. Nosotros abrimos ese show y fue súper lindo, histórico para nosotros.—¿Ya escuchabas música argentina en ese momento?—De los Cadillac tocábamos mucha música. Me acuerdo de estar en la escuela, octavo, noveno grado, bailando full con los Cadillac antes de conocer Los Cafres. Cuando empezó Cultura Profética, nosotros no sabíamos que existían bandas literalmente de reggae en español. Sí escuchamos Los Pericos y en los primeros meses montamos algún tema de ellos, pero no sabíamos que existían Los Cafres o Gondwana en Chile.&nbsp;No fue hasta que nos fuimos a grabar, después de dos años, a Jamaica. Un amigo nos regaló varios discos de Los Cafres y esa fue la única música que nos llevamos a Jamaica cuando fuimos a grabar el primer disco.&nbsp;—Qué increíble que en Jamaica te hayan dado discos de Los Cafres, qué linda la representación argentina en todos lados.&nbsp;—Eran dos discos, Instinto y Frecuencia Cafre, creo. Al principio como que no me entró, debo decirlo. Yo se lo he dicho a Guille. Al principio no me entró y después me enamoró, así de que me encanta. Y debo decir que me influyó bastante hasta en buscar mi voz.—¿Cómo que te influyó en buscar la voz? ¿Cómo es eso?—Para ese tiempo estaba Café Tacvba y mucha gente que cambiaba su tono de voz para cantar. Era algo bien de los 80's, 90's, que tú buscaras cambiar un poco tu voz cuando cantabas música alternativa. Guille fue el primero que yo escuché en Latinoamérica cantando reggae con una voz propia, cantante real. Escucharlo a él me hizo escucharme y analizarme y decir: “Uf, yo no quiero cantar así, yo quiero buscar cuál es mi voz, de verdad”. Si tú escuchas del primero al segundo disco, hay una diferencia gigante y es gracias a él. Entendí que él estaba usando su voz y esa fue la mayor influencia de Los Cafres en nosotros, porque musicalmente somos bastante diferentes.—Puede ser que haya algo de Los Cafres en la última parte de Cultura Profética, pero es verdad que no son tan parecidos musicalmente.Ellos siempre han hecho temas muy pegajosos desde el principio, nosotros no. Hacíamos canciones súper experimentales y el mismo Guille fue el que me dijo: “¿Dónde está el estribillo?”. Y yo: “No sé”. Nosotros no utilizábamos demasiado el estribillo. Y muy bien, porque de eso se trata la música. Tienes que encontrar un lugar donde volver siempre. Él me hizo también analizar eso y escribir cada vez de manera más contundente. Le debo mucho a Guillermo Bonetto y a Los Cafres en general.<h4>De querer cambiar el mundo a cantar sobre el amor</h4>—Cultura Profética nació como una banda que tenía mucho para decir a nivel político y cultural. Hoy hay otra presencia del amor. ¿Qué necesitaban decir entonces que quizá ya no sienten necesario decir ahora?<blockquote>Éramos jóvenes y tú sabes que cuando uno está como en ese despertar de la juventud quieres cambiarlo todo. Con la música como herramienta, nosotros soñamos en cambiar el mundo y creo que sí lo hicimos en lo que pudimos.&nbsp;</blockquote>Hay varias generaciones que se han criado con las letras que dejamos ahí para siempre y que nos han venido a decir: “Mira, gracias a ustedes yo exploré toda mi identidad o ideas que jamás hubiese pensado”.—La música tiene algo de esto de enseñar. A nivel cultural, muchos exploran historia y política por música que escuchan. Ayuda a reflexionar.—Por medio de la música creo que acompañamos a personas en su camino de entender la vida de alguna manera diferente. Siento que en aquel entonces, sin medios sociales y sin estos temas en la música popular, sí era importante decir todo esto. Especialmente en Puerto Rico, que vivimos como en una cápsula pequeñita. Había muchas cosas que decir.&nbsp;—¿Y qué cambió?—Hoy, con todo el boom de los medios sociales y tanto activismo por todos lados, no recae ya sobre la música la responsabilidad de llevar esto. Definitivamente en aquel momento sí. Aparte estábamos influenciados por música que escuchábamos en ese entonces. Yo me crié cantando Silvio Rodríguez y me identificaba con toda esa idea de llevar la voz por medio de la música. Pero siento que hoy no hace falta. Hay activismo por todos lados y todos los días nos levantamos con noticias de aquí al otro lado del mundo instantáneamente.—El amor también estaba ahí desde antes...—Siempre fui un enamorado. Recuerdo siempre a mi mamá diciéndome: “Ay, pero ¿por qué tú cantas sobre estas cosas?”. Siempre me ponía a dudar porque ya me conocía y conocía mis inclinaciones. Yo le explicaba que se me hacía muy difícil cantar canciones de amor porque lo lindo es cómo tú hablas de estas cosas sin que suenen trilladas.—¿Cuándo sentiste que encontraste esa forma?Poco a poco vinieron temas como “De Antes”, “Un Deseo”, y fui explorando y sintiéndome cada vez más cómodo en encontrar una manera única o personal de abordar esos temas. Cuando llegó La Dulzura (2010) sentí que fue el mejor lugar para estar para mí. Energéticamente me sentí demasiado cómodo, completo. Creo que tomó mucho tiempo y madurez poder encontrar ese camino y esa seguridad para expresarte por ahí, aunque tu público ya esperara otra cosa de ti.<h4>En Bucle: el regreso a la energía de La Dulzura, el lado A y B, la colaboración con Dread Mar-I y las notas de voz</h4>—Cuando apareció En Bucle, mucha gente habló de una especie de La Dulzura 2.0. ¿Ustedes también lo sintieron?—Es muy loco porque no siento que se hizo a propósito, el hecho de que tuviera la energía de La Dulzura. Pero ya cuando estábamos bastante cerca del final se sentía muy claro. Me acuerdo específicamente de un día que llegó un amigo al estudio, un domingo, y le enseñé todo el disco. Fue la primera vez en muchos meses que por fin escuché una canción detrás de otra sin estar trabajando. Ese día dije: “Okay, tengo un disco”. Y empezamos en broma con esto de que era casi como La Dulzura y, de momento, salió y todo el público empezó a decir lo mismo sin nosotros tener que decirlo. Fue muy loco porque todo el mundo lo sintió.Hay gente incluso que es como: “Regresaron”. Y a veces uno como medio se molesta porque dice: “Oye, nunca nos fuimos”. Seguíamos acá. Sacamos Sobrevolando (2019), que ganó el Grammy Latino, varios sencillos desde La Dulzura para acá, muchos viajes, muchos proyectos, colaboraciones. No nos fuimos.—Pero entendés de dónde viene esa sensación... en Argentina, La Dulzura fue una explosión. Sonaba en todos lados—Puedo entenderlo y tomarlo bien. Siento que, como dice por ejemplo la canción “Caracoles”, al fin volví a esa energía linda que tanto fue como mi lugar más natural.—El disco está dividido en un lado A y un lado B. Cuando lo escuchaba sentía que al principio aparece el enamoramiento y después empiezan a asomar las dudas, las peleas y cierra con "Ya volveré" que promete bastante. ¿Lo pensaron como un recorrido?—Es como yo quise acomodarlo en lado A y lado B, como se hacía antes con los discos. Comúnmente eso se usaba más para acomodar todos los temas que eran como más pegajosos en el lado A, y en el lado B, los “side B”, los temas que son maybe más queridos por ti, que no necesariamente crees que la gente los va a abrazar igual.El lado A, que es el lado del enamoramiento y toda la cosa, empezando por “Déjame Entrar” en ese punto de partida.&nbsp;—¿El lado B sería entonces el momento en el que esa relación empieza a romperse?—No digamos que es como peleas y desamores, porque también el lado B empieza con “Malena”. No hay una historia específica, son varias historias diferentes. “Malena” es como de algo que no se dio y estás como en la duda. O “Dame Luz”, que es cuando estás medio perdido en la relación, no sabes qué está pasando realmente.—Y después aparece “Mal Herido”, donde esa ruptura ya es mucho más evidente.—Exacto, “Mal Herido” ya es como...—Ahí también hay una conexión argentina porque aparece Mariano, de Dread Mar I. ¿Cómo nació esa colaboración?—Y no solo es con Mariano. Ese tema terminó siendo con Mariano porque gran parte de la canción la compuso su tecladista y director de banda, Mati Zapata. Yo lo escuché a él cantando una versión en Instagram y le escribí inmediatamente: “Hermano, ¿tú tienes un plan con esta canción? ¿Qué hay? A mí me identificó demasiado, me encantaría poder grabarla”.—¿La canción ya estaba terminada en ese momento?—Él tenía como la estrofa y el coro y ahí terminaba la idea. Ya era una canción, pero obviamente para hacerla completa hicimos otra estrofa, un puente. Yo lo que hice fue basarme en eso mismo para seguir añadiendo a la historia.—Me gustó mucho que el disco tenga las notas de voz. Hay una especialmente íntima, que parece una nota de voz que alguien realmente acaba de mandar. "Quería decirte cositas"...—Me gustó no poner quiénes son para dejar eso ahí como a la imaginación. Esa específicamente sentí que quizás podía chocarle a nuestro público muy de culto. Pero me gusta. Es pícaro, es muy real lo que pasa entre la gente que se conoce y comparte, esa es la confianza que hay. Yo quería jugar con esa idea de que los temas sean íntimos.—Después de 30 años siguen probando sonidos nuevos—“Flaca” es un afrobeat y es algo que queríamos hacer hace rato. Incluso hay otros dos afrobeat que no quedaron en el disco. Son instrumentales que quedaron ahí como ideas que posiblemente vengan para el próximo. Incluso estuvimos coqueteando con la cumbia también.La banda puertorriqueña vuelve a la Argentina el próximo viernes 18 de septiembre en el Arena de Villa Crespo y continúa su gira el 19 de septiembre de 2026 en Quality Espacio de Córdoba.

A 30 años de sus comienzos, Willy Rodríguez habló con Filo.news sobre el camino que transformó a la banda puertorriqueña y el presente de En Bucle, un disco que recupera la energía de La Dulzura y abre una nueva etapa. El viernes 18 de septiembre tocan en el Arena de Villa Crespo.

A 30 años de sus comienzos, Willy Rodríguez habló con Filo.news sobre el camino que transformó a la banda puertorriqueña y el presente de En Bucle, un disco que recupera la energía de La Dulzura y abre una nueva etapa. El viernes 18 de septiembre tocan en el Arena de Villa Crespo.

Cultura Profética: Los Cafres como influencia, el sueño de cambiar el mundo y su vuelta al amor con "En Bucle"

Antes de que Nonpalidece pudiera grabar un disco en Kingston, Jamaica era una imagen lejana que aparecía en algún VHS, difícil de conseguir en esa época. Como grupo de amigos, intentaban entender la música que escuchaban, con gutarra y bajo en mano para captar la escencia de ese ritmo.&nbsp;Casi 30 años después, llegaron a la isla caribeña para tocar por los 80 años de Bob Marley. En el camino, la banda se convirtió en uno de los grupos fundamentales del reggae argentino, construyó una discografía que atravesó generaciones y terminó llegando a Jamaica, lugar que había alimentado buena parte del imaginario inicial.La historia de Nonpalidece arranca en 1996 con un grupo de amigos de la escuela que tenía "ganas de decir algo", de hacer escuchar su voz. "Nos sentíamos identificados con la música reggae", recuerdan sobre aquella época en la que el género aún era incipiente.Pese a que Jamaica era el país por excelencia del reggae con Bob Marley como embajador, Nestor Ramljak destacó que "SUMO hizo una mecha ahí también en cuanto a sus reggaes y principalmente Superman Troglio con la batería. SUMO era una banda de rock, hacía excelentes reggaes, pero él, a través de la batería, creo que le daba un golpe que lo hacía tan especial a esa primera influencia”.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Dceg_hoEvFE/"></oembed></figure>Tres décadas después, Nonpalidece vuelve sobre esos comienzos mientras prepara su festejo de aniversario. En diálogo con Filo.news, Nestor Ramjlak y Facundo Cimas reconstruyeron su historia que empezó entre discos, instrumentos y amigos y que, muchos años después, terminó llevándolos hasta la cuna del reggae.—Cuando empezaron, el reggae todavía era bastante incipiente en la Argentina. ¿Cuál fue el puntapié inicial de Nonpalidece?Facu: Teníamos ganas de decir algo. De alguna manera nos sentimos identificados con la música reggae. Había algo para decir claramente y había ciertas influencias nacionales también.&nbsp;Nestor: SUMO creo que hizo una mecha ahí también en cuanto a sus reggaes y principalmente Superman Troglio con la batería. Sumo era una banda de rock, hacía excelentes reggaes, pero él, a través de la batería, creo que le daba un golpe que lo hacía tan especial a esa primera influencia.Y después estaban nuestras ganas de inspeccionar también nuestras curiosidades desde el instrumento propio de cada uno y sobre una música que nos llamó la atención de una manera diferente a lo que veníamos escuchando. De repente, con Facu, que compartíamos colegios y diferentes espacios en común, él tenía su banda, yo tenía mis cosas y era: “Che, ¿escuchaste?”. Nos pasábamos música y de repente confluyó en: “Che, mirá esto”. Y esto era Marley.—¿Qué fue lo primero que escucharon de Bob Marley?Nestor: Lo primero que llegó fue Legend, pero después llegó, no sé si algún disco del estilo Survival...Facu: Yo con Confrontation.&nbsp;Nestor: Y a partir de eso, intentar tocar reggae. “Che, qué raro que tocan”. Nos empezamos a juntar. “Venite a casa”. Yo tocaba la guitarra, él tocaba el bajo y yo chancleteaba, “chan, chan”, tratando de entender.—¿Aprendieron sobre la marcha?Nestor: Sí. En el círculo que nos movíamos había curiosidad por la música, entonces era: “Che, ustedes están tocando, ¿no? A ver, ¿cuándo nos juntamos?”. Y ahí se fue armando como una célula que se movía, se movía, se movía. Ya por el año 2000 tomó como una fuerza un poquito más, ve la luz el primer disco y la historia se cuenta 30 años después.<h4>“Éramos niños rebeldes”</h4>En aquellos primeros años, el reggae llegaba a Nonpalidece no solo desde el sonido sino que también había una identificación con su costado más contestatario y con la posibilidad de transformar la realidad.—Recién decían que tenían ganas de decir algo. ¿Qué quería decir Nonpalidece hace 30 años y qué tiene para decir hoy?Facu: Éramos niños rebeldes y veíamos que pasaban cosas que no estaban bien, no estábamos de acuerdo. Estábamos escuchando música que musicalmente ya lo expresaba y después las letras. Todo eso fue algo muy loco. Qué sé yo, veníamos por ahí de escuchar música punk. El punk era algo medio parecido al reggae, contestatario, pero “rompan todo”.Nestor: La diferencia del reggae era: “No, todo tiene solución”.—Lo hacemos desde el amor.Facu: Claro, todo tiene solución.Nestor: Estamos en duda ahora si el amor vence al odio... unas ganas de “rompan todo” bárbaras.—¿Y cómo aparece esa necesidad de decir cosas en la banda de hoy?Nestor: Eso es lo que quizás fue la voz inicial de expresarse en los inicios y un poco este chascarrillo viene a traer un poco de realidad, de que a veces dan ganas de romper todo. Es un poco la voz de ahora, lo que nos mueve también a través del proyecto, a través de la música que hacemos: poder canalizar un poco lo que nos pasa, lo que charlamos nosotros, lo que vemos que pasa a nuestras familias, a la sociedad.<h4>De conocer Jamaica por VHS a grabar en Kingston</h4>Durante años, Jamaica existió para ellos a través de su música y de unas pocas imágenes que lograban circular en los famosos VHS, previo a que existan las plataformas y las redes sociales. Ese estudio que ellos veían desde una pantalla, después de más de 25 años, terminó convirtiéndose en el lugar donde Nonpalidece grabó Hecho en Jamaica.—Bob Marley aparece desde el comienzo de la banda y después construyeron un vínculo muy fuerte con Jamaica. ¿Cómo fue aquel primer acercamiento a la isla cuando todavía la conocían solamente a través de su música?Nestor: En su comienzo eran unos VHS. Hasta eso... pongan la pantalla en blanco y negro. Había un casete así grande que iba adentro de una casetera que no todos tenían aparte.—Era muy complicado de conseguir.Nestor: No todos los vecinos tenían una videocasetera y esos videocasetes no se veían, no ibas al videoclub. Era una cosa rara. Y ahí vimos unos primeros videos de Jamaica, se veían algunos recitales, algunas cosas que decíamos: “Wow”. Y nos juntábamos en la casa de uno a una hora, porque ¿quién te iba a dejar ver todo eso?—¿Qué les pasó cuando finalmente llegaron a Jamaica después de tantos años de verla desde lejos?Nestor: Cuando fuimos a la isla ya había pasado mucho tiempo de aquellas primeras veces y fue como un encuentro con cosas que ya parecía que las conocíamos o que las habíamos visto sin haber ido. Los estudios, porque aparte muchos de esos videos estaban en los estudios de grabación.Facu: Después de verlos tantas veces era como que ya entrabas, pero igual cuando entrabas ahí se te... uf.—¿Superó lo que se habían imaginado?Facu: Sí, sí. Superó todo, todo, todo.—¿Había también cierta idealización de Jamaica desde la distancia? ¿Encontraron algo diferente cuando llegaron?Nestor: No, no, no. Yo confirmé algunas ideas que tenía de cierta distancia o seriedad de parte de los jamaiquinos, en líneas generales. Después, obviamente, cuando entrás en confianza o hablás con uno o con otro es un poco más amable.Nosotros fuimos a Kingston a grabar un disco y nos tomamos la licencia de ir antes porque la persona que produjo toda esa hermosa idea dijo: “No, no, de ninguna manera van al estudio. Nos vamos cuatro días a conocer un poco la isla, comer comida, que entremos en onda y ahí se graba el mejor disco de su vida”. Dale.Obviamente en los lugares que son superturísticos hay como un humor y en Kingston es otra cosa. En Kingston sí vivimos más como una situación más adusta, como de arriba para abajo. Lo que vale dos de repente vale seis. Como que tenés que estar pillo en todo.<h4>“Estás en la cuna”</h4>El vínculo con Jamaica tuvo otro capítulo cuando regresaron para participar de la celebración por los 80 años de Bob Marley. Esta vez iban a tocar reggae en la cuna de ese estilo y en castellano.—Después volvieron a Jamaica para los 80 años de Bob Marley. ¿Cómo vivieron ese momento?Nestor: Fue un show, tocamos 16 minutos.—¿Los 16 mejores minutos?Nestor: Había mucho nervio también. Habían muchos otros artistas, entonces había una situación de escenario un poco complicada, pero ¿quién te quita lo bailado?Facu: Estás en la cuna. Las rodillitas temblaban.Nestor: Yo lo disfruté, lo disfruté.<h4>Los 30 años y una celebración elegida con el público</h4>Tres décadas después de aquellos primeros intentos por descifrar cómo se tocaba reggae, Nonpalidece prepara una celebración atravesada por el número 30 para el 1° de octubre en el C Art Media. Serán 30 canciones, con parte del repertorio elegido a través de las redes sociales, y entradas a $30.000.

La banda celebra tres décadas de historia con un show de 30 canciones elegidas junto a su público. En diálogo con Filo.news, sus integrantes recordaron los comienzos, la influencia de Sumo y Bob Marley, el viaje que los llevó a grabar en Kingston y cómo cambió aquella rebeldía con la que empezaron a hacer música.

La banda celebra tres décadas de historia con un show de 30 canciones elegidas junto a su público. En diálogo con Filo.news, sus integrantes recordaron los comienzos, la influencia de Sumo y Bob Marley, el viaje que los llevó a grabar en Kingston y cómo cambió aquella rebeldía con la que empezaron a hacer música.

Nonpalidece, 30 años después: de descubrir a Bob Marley en VHS a cumplir el sueño de tocar reggae en Jamaica

Treinta años después de la salida de Tercer Arco, Micky Rodríguez vuelve a Buenos Aires con uno de los discos fundamentales de <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2024/12/15/despues-de-15-anos-volvieron-los-piojos-la-emocionalidad-del-publico-fue-la-clave-de-uno-de-los-shows-mas-esperados">Los Piojos</a> que los llevó a del barrio a los estadios, como cuenta Juan Cruz Revello en su libro. El bajista recupera aquellas canciones y las llevará a Groove el próximo viernes 11 de septiembre junto a La Chillinga, grupo de percusión de Daniel Buira, quien falleció el pasado 21 de marzo.La historia de aquellos jóvenes del conurbano que pintaron los 90's para toda la generación siguiente es la de Miguel Ángel Rodríguez, como bajista y miembro fundador. La vuelta de Los Piojos en diciembre de 2024 resultó algo opacada sobre el final cuando se conoció que el bajista no sería parte de este reencuentro, pese a que previamente con <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2024/03/03/volvio-condon-clu-una-fiesta-de-rock-y-erotismo-abrio-con-un-show-de-ritual-87-a-puro-trapo">Ritual 87</a> estuvo tocando junto a Dani Buira (baterista) y Chucky De Ipola (tecladista) canciones de Los Piojos.&nbsp;"Yo pensé que alguna vez podíamos volver a estar juntos y en armonía", dice Micky, aunque no cree que ese haya sido el momento y eligió dar un paso al costado. Sin embargo, no se aventura a cerrar definitivamente la puerta: "No descarto volver en algún momento, porque yo soy así. No tengo rencores ni odios para nada", aseguró.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/10/10010153109429_.jpg"><figcaption>Micky Rodriguez junto a La Que Faltaba | Foto: Matías Calderón.</figcaption></figure>A 30 años de Tercer Arco, Micky Rodríguez repasa junto a Filo.news la construcción de aquel disco, la particular mezcla musical de Los Piojos, los tintes políticos que atravesaron su obra, su vínculo con Dani Buira, los comienzos casi como un juego en El Palomar y la vuelta de la banda de la que finalmente decidió no participar.— Son 30 años de Tercer Arco, un disco que parece imposible separar de la Argentina de los 90's y muy político. Arranca con Esquina Libertad y más adelante está Shup Shup, que un poco describe a Menem.— Era un poco la característica de nosotros. Si bien no éramos estrictamente una banda política, por lo menos en el reflejo de las letras de Andrés (Ciro) había muchas cosas con las que todos estábamos como de acuerdo. Y yo me tomo la licencia de creer que también todos apoyábamos esa pluma, digamos.— También es un disco en el que hay un trabajo muy importante de Dani Buira.— Sí. En realidad es parte como del crecimiento y del perfil que empezamos a delinear. La figura de Dani empezó a tomar mucho más protagonismo. Yo aprendí a tocar el bajo con él y, a partir de eso, empezamos a recorrer para atrás un poco las influencias: el Negro Rada, toda la música uruguaya.Siempre digo lo mismo: si bien nosotros, o por lo menos yo, no era un purista en el estilo, tomaba las cosas que me hacían mover de los estilos, tanto del candombe o de la murga, como de la música brasileña o también del folclore argentino. Nunca vi una pureza del estilo. Por lo menos en mí, trataba de llevarlo a cabo a partir de la ejecución o de la forma en que yo tocaba el bajo. Y ahí con Dani creo que fue, para mí, una linda dupla. De hecho, por un momento parecíamos uno.— Los Piojos tenían una fusión muy particular. Aparecía el candombe, el tango, el folclore... fueron una de las primeras bandas de rock barrial que después se amplificó. ¿De dónde venía esa búsqueda?— Había una naturaleza en cada uno de nosotros que especulo que tiene que ver con la raíz familiar. En mi casa se escuchaba tango como se escuchaba folclore. Entonces esas cuestiones fueron como tomándose, repito, de alguna manera como sentimientos, sin caer en el estricto estilo.El tango nos atravesaba a todos de alguna manera porque, siendo una música argentina y popular, lo habíamos escuchado mucho. En el primer álbum grabamos Yira Yira. Agarramos de todos lados, porque también había cosas de funk o de reggae o de rock. Entonces era como una mixtura.— En “Don’t Say Tomorrow” esa forma de trabajar aparece incluso desde la composición entre inglés y castellano. ¿Cómo construían las canciones?— Muchas canciones tenían un desarrollo y ahí vuelvo de vuelta a Dani. Empezaban siendo a partir de ritmos que planteábamos nosotros y después nos desarrollábamos todos juntos. Andrés metía una melodía, Tavo, Piti, un cambio de acordes sobre la rítmica. Entonces era como una fórmula de composición que usábamos mucho.De hecho, recién le contaba a un colega que el laburo que tenía que hacer Alfredo Toth era terrible, porque capaz que había un tema que duraba 25 minutos. Y nosotros, recopados tocando, pero había que acotarlo.— ¿Y Alfredo Toth les decía hasta acá?— Venía con su maqueta ya producida en su casa y editada, y decía: “Che, este es el tiempo, acá tenemos que ver”. Y la verdad es que acatábamos porque confiábamos mucho en él, por el oficio y porque era verdad que un tema no podía durar 20 minutos. Parecíamos Led Zeppelin.&nbsp;— ¿En qué canciones se sentía especialmente su mano?— En todas, en todas, en todas. Había laburado con Charly García, tenía un oficio de Los Gatos, o sea que confiábamos plenamente en él. Y después también había una cosa que me parece que va un poco más atrás de lo musical, que es la idea de poder llevar el barco en una grabación, que a veces genera ciertas cosas. Él comandaba de una manera armoniosa y alegre. Eso también es una virtud que, para mí, termina siendo música.— En Tercer Arco también aparece mucho la figura del Che Guevara. ¿Qué relación tenían ustedes en ese momento con él?—Yo me sumo a la interpretación de las letras de Andrés y ahí me saco el sombrero. Es una letra de él y tiene que ver con la historia, con lo que todos conocemos, con esa idea de lo que generó el Che en el mundo. No solamente acá. Siendo argentino era un condimento importante, pero tal vez tenga que ver con esa idea de la libertad, de ser libres.A veces estaba mal interpretada la figura del Che. Es un juego medio perverso que es difícil interpretarlo desde un lugar estrictamente exacto, porque después ves un montón de pibes con la remera que no sabían ni quién era el Che o qué había hecho. Me parece que uno tiene que quedarse con lo que en realidad fue, como la idea de la libertad, de ser libre.<h4>Dani Buira, los comienzos y Ritual 87</h4>— Muchos años después volvieron a tocar juntos con Ritual 87. ¿Cómo se produjo ese reencuentro con Dani?— Dani estaba ligado a la Municipalidad de Tres de Febrero, en la parte de Cultura. Entonces me propone hacer un show de carnaval en un playón muy grande de la estación Caseros. A partir de ese show empezamos a tener un poco más de relación continua. Si bien nos hablábamos y estábamos juntos, no era tan fluido todo.Y ahí empezamos a pensar en esta idea. Él hacía mucho tiempo que no tocaba la batería, hacía años, creo que desde que se fue de Los Piojos. Empezamos a juntarnos y a perfilar Ritual 87, que terminó siendo una experiencia hermosa y emotiva, porque también era parte de lo que todavía sigue funcionando con la energía que las canciones tienen hoy en día.— El Palomar aparece una y otra vez en la historia de Los Piojos, fue un poco el Kilómetro 0 de Ritual 87, la Plaza del Avión. ¿Qué significó ese lugar para ustedes?— Nuestra historia empezó ahí, tal vez la periferia también. En Palomar vivía Dani, vivía Andrés. Piti vivía en Caseros y yo vivía en Villa Bosch. Mucho tiempo ensayamos en la casa de mis padres, que era en Villa Bosch; mucho tiempo ensayamos en la casa de Piti y en la casa de Dani también, que era en Ciudad Jardín. Toda esa zona fue parte de la historia.La primera vez que tocamos como Los Piojos fue en un lugar que se llamaba La Molienda, en Ciudad Jardín. Tocamos cuatro temas. Yo creo que todavía no sabía tocar. Era una banda que se estaba formando.— ¿Era todo bastante más lúdico en ese momento?— Sí. Yo aprendí a tocar con Dani, los dos aprendimos a tocar juntos. Si bien ya ejecutábamos, no éramos músicos... A Piti le regalan la guitarra y no sabíamos dónde enchufarla. Era una especie de juego. Nosotros seguíamos a Los Perros Calientes, que era la banda que acompañaba a Fabiana Cantilo. De ahí nacen Los Piojos. De hecho, el nombre sale de ahí.Era una cuestión de estar, de jugar. En el primer show tocamos cuatro temas, uno solo nuestro, y no mucho más. Se acababa el repertorio ahí con cuatro temas. Ese era el show.<h4>“Yo quería estar”: por qué Micky no volvió a Los Piojos</h4>— Cuando Los Piojos anunciaron su regreso llamó la atención que vos no estuvieras. ¿Por qué elegiste no ser parte?— Yo quería estar. Desde el inicio, cuando habían salido por lo menos los flyers y todo, se suponía que iban a estar todos. Pero no me gustaron algunas cosas, manejos de eso.Yo soy el que inició esta historia con Piti. Cuando empezamos estábamos solo nosotros dos, empezamos nosotros dos. O sea que, de alguna manera, alguna especie de derecho y de lugar para tener alguna voz estaba para mí establecido. No fue así.— ¿Sentiste que no te dieron ese lugar?— Sentí que no me habían dado el lugar que correspondía y tranquilamente di un paso al costado. No me interpuse. Fue eso nada más, una decisión que tomé y que sin duda fue fuerte, porque entiendo que no se toma una así todos los días. Pero para mí fue saludable.— ¿Viste alguno de los shows de esta nueva etapa?— No. La verdad es que no me parecía, porque medio termina siendo morbo. Realmente, y repito, yo quería estar ahí. Desde hace tiempo quería estar. Yo había pensado que alguna vez podíamos volver a estar juntos y en armonía, que eso era un poco lo que yo quería. Pero bueno, yo no puedo obligar a nadie.— ¿Creés que esa armonía puede aparecer en algún momento? ¿Que todavía puede haber una vuelta?— Puede pasar. La verdad es que si yo pudiera adivinar el futuro estaría laburando de eso. Pero no descarto, porque yo soy así, porque yo no tengo rencores ni odios para nada. Pero bueno, hoy no.<h4>Volver a Tercer Arco con La Chillinga</h4>— Hoy estás concentrado en los 30 años de Tercer Arco. ¿Qué significa volver a ese disco?— Estoy con esto, haciendo un homenaje a Tercer Arco, un disco que nos dio un montón de satisfacciones y que generó una firmeza en nuestra carrera que terminó siendo lo que fuimos.— Ahora vas a tocar con La Chilinga, la banda de Dani. ¿Qué te pasa con ese encuentro?— Voy a tocar con Caetano, el hijo de Dani, y la mujer, así que para mí es un montón. Después están todas las cantidades de vivencias que tuve con Dani, que son incontables y emocionantes.&nbsp;— ¿Alguna contable?— No, viví muchísimas situaciones con él que tienen toda relación con la música, con las giras, con esas cosas.— ¿Vas a seguir grabando versiones de canciones de Los Piojos?— Posiblemente, sí. Me gusta porque no es una cuestión de competencia. Yo respeto mucho la versión original. Para mí cualquier cosa que haga está siempre abajo del techo de esa.Pero me divierte y me gusta mucho esto de aprender a cantar las canciones que cantaba Andrés, que son tan lindas y que componía con tan linda pluma. Para mí es un privilegio poder interpretarlas con mi esencia.— Dentro de las versiones que sacaste estuvo "Como Alí" con la Mona Jiménez. ¿Cómo se dio eso?— Ese fue un privilegio que me dio la música, como yo siempre digo. No solamente hacer música, sino conocer un montón de personajes. A la Mona yo no la conocía y, para ser sincero, tampoco seguía la obra. No tengo una formación cuartetera, digamos.Estando en Córdoba empecé a escuchar de rebote, pero tampoco me enganché demasiado. Cuando lo conocí a él empecé a entender el fenómeno. Lleva una cantidad de gente que es increíble.Cuando pintó la oportunidad de hacer un tema con él y de conocerlo en la intimidad dije: “Wow”. Me encantó por la humildad, por cómo me trató. En un momento me invitó a cantar en un festival que organizaba el Carli, el hijo, en el Kempes. Así que tuve la posibilidad de cantar “Maradó” con él en el Kempes.&nbsp;— Si tuvieras que elegir una canción del disco, ¿con cuál te quedás?— Ahora, revisando todo el disco, todas me dan placer. Para mí es difícil elegir una canción, y hablo en general de la discografía. Es difícil. “Al atardecer”, ahora que la empecé a hacer y que la empecé a cantar, me gusta.Coincidencia total con Juan Cruz Revello cuando eligió escribir su libro <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2025/06/01/no-podes-explicar-a-los-piojos-sin-entender-la-argentina-de-los-90-s-juan-cruz-revello-y-un-libro-que-es-testimonio-de-epoca">"Los Piojos en los 90. Del barrio a los estadios", que contó a este medio que el disparador fue esa misma canción.</a>

Micky Rodríguez sobre Los Piojos: "No descarto volver en algún momento" | Foto: Matías Calderón.

El histórico bajista vuelve sobre el disco que consolidó a Los Piojos, reconstruye los años en los que la banda encontró su identidad y habla de la ausencia de Dani Buira. Además, cuenta por qué decidió quedarse afuera del esperado regreso, aunque dejó la puerta entreabierta a futuro.

El histórico bajista vuelve sobre el disco que consolidó a Los Piojos, reconstruye los años en los que la banda encontró su identidad y habla de la ausencia de Dani Buira. Además, cuenta por qué decidió quedarse afuera del esperado regreso, aunque dejó la puerta entreabierta a futuro.

Micky Rodríguez: Los Piojos y la vuelta que no fue, el recuerdo de Dani Buira y los 30 años de Tercer Arco

En el circuito porteño de Palermo existen varios boliches de rock, ¿pero cuántos tienen su canción? <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2024/12/20/makena-lanza-ediciones-doradas-2025-kapanga-salta-la-banca-jovenes-pordioseros-y-mas">Makena </a>quedó inmortalizado en Caminando de Ciro y Los Persas en el álbum "27" (2012). Sin embargo, su historia comienza varios años antes allá por 2006. Desde ese momento, se convirtió en uno de los escenarios más emblemáticos de la zona, donde se puede ver a músicos que recién arrancan y otros consagrados que alguna noche van a subirse con amigos a tocar.Antes de septiembre de 2006, en Fitz Roy 1519 funcionaba una parrilla que tenía el padre de Matías Ramos (actual dueño de Makena) con otros dos socios. Y lo primero que apareció, antes de reconvertir el local familiar, fue la música.Por aquellos años, el circuito de la música en vivo porteña atravesaba una profunda transformación tras la masacre de Cromañón. Pero Pitu Russo y Matías Ramos no se dejaron atemorizar por la coyuntura y fueron por el lado de la música sin más experiencia que la del hermano de este último tocando en una banda de rock. Allí, entendieron que era un rubro que podía funcionar y recordaron que el inmueble donde hoy funciona Makena ya contaba con una habilitación para transmitir música en vivo, heredada de los locales que habían funcionado allí anteriormente.&nbsp;A partir de ahí, la historia se cuenta casi sola. Por su escenario pasaron artistas de la talla de Skay Beilinson, integrantes de La Renga y Los Piojos, Las Pastillas del Abuelo, Trueno, Mateo Sujatovich y decenas de bandas que después dieron el salto a escenarios mucho más grandes. De la nueva camada de músicos, Dillom y Trueno también supieron pasar por aquellas noches interminables.Valeria Facchini, Fernando “Pitu” Russo y Matías Ramos hicieron de Makena un hogar, cada noche de fin de semana es posible verlos en el local y disfrutar junto a amigos, y ahora hasta hijos de sus amigos. En diálogo con Filo.news, cuentan cómo empezó todo, qué ocurrió durante aquellas primeras noches y por qué, 20 años después, una nueva generación volvió a apropiarse del lugar.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/08/25/DiseÃ±o_sin_tÃ­tulo_-_2026-08-25T164648.4936132_.jpg"><figcaption>Fernando "Pitu" Russo, Valeria Facchini, Alejandra y Matías Ramos | Foto: gentileza de prensa.</figcaption></figure>—¿Cómo arranca la historia de Makena?Matías Ramos: Acá funcionaba una parrilla que andaba medio mal, que tenía mi viejo con otros socios, y yo laburaba de encargado. Un día mi hermano, que tenía una banda, había tocado en otro lugar y habían tenido una mala experiencia. Entonces hicimos un show acá un domingo, al lado de la barra.&nbsp;Después de eso dijimos: “Che, esto está bueno, mejor que la parrilla”. Entonces empecé a arreglar shows. Yo recién empezaba, había hecho fiestas y todo, pero nunca había manejado un lugar.Fernando “Pitu” Russo: En una charla le dije: “Está bueno esto, pero tenemos que tirar una bomba, decorarlo todo y hacerlo de cero”. Porque estábamos haciendo shows en lo que había sido una parrilla. Era una mezcla.Matías: Era un restaurante. Las luces, las mesas, todo tenía todavía esa onda. Entonces fuimos los dos a verlo a mi viejo y le dijimos que había que cambiarle la cara, conseguir un sponsor, meter plata, hacer una obra y tirarlo abajo.—Y además abrieron en un momento bastante particular para los espacios de música en vivo, sobre todo después de Cromañón.Matías: Sí, era una época en la que estaban cerrando lugares. A nosotros nos salvó que el lugar ya tenía el permiso de música en vivo, que es irrevocable, entonces se podían hacer shows. Acá antes había funcionado otro boliche que tenía ese permiso.Pitu: Mucho antes había estado Club X, que era del manager de Los Ratones Paranoicos. Ya se tocaba acá. Estamos hablando de 25 o 27 años atrás.&nbsp;—¿Cómo fueron las primeras noches? Me llegó información que la inauguración fue con el cumpleaños de Pipo Lernoud (compositor, periodista y poeta).&nbsp;Pitu: La inauguración fue con Willy Crook (ex saxofonista de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota y Los Abuelos de la Nada). Fue el primer día que abrimos, inauguró el primer escenario de Makena que estaba en el lugar de la cabina del DJ. Era una fiesta de amigos y ya estaba lleno desde el primer día.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/08/25/PHOTO-2026-07-30-19-58-293689_.jpg"><figcaption>Willy Crook en Makena 2006 | Foto: gentileza de prensa.</figcaption></figure>Matías: Fue todo muy rápido. La fecha original de inauguración fue esa con Willy y al toque pegamos lo del cumpleaños de Pipo Lernoud, que vino Skay.Pitu: Skay metió una zapada en el cumpleaños de Pipo, recién inaugurados prácticamente. Después nos dijo que quería hacer un show con su banda entera.&nbsp;Matías: Después vino también lo de Madness, que los trajo Dancing Mood. Esas cosas fueron increíbles, hoy no se podría hacer. Dancing Mood nos pidió el lugar un sábado, lo cerró y le cocinaron ellos a Madness. Venían a tocar al Personal Fest (2006) y Dancing Mood les tocó en el escenario chiquito, imaginate que no entraban ni arriba (en el nuevo escenario) con todos los que son y encima se le sumaron dos de Madness.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/08/25/PHOTO-2026-07-30-20-06-27_(3)4442_.jpg"><figcaption>Skay tocando con su banda en Makena en sus inicios, allá por 2007 | Foto: gentileza de prensa.</figcaption></figure>"Una locura", cerró Matías casi sin creer la historia que él mismo cuenta y presenció. "Todo eso pasó en los primeros tres o cuatro meses", agregó Pitu. Hoy, Makena es historia pura, de esa manera se lanzaron al público y a la industria misma.&nbsp;— Yo he venido a Makena y tenes músicos por todos lados, se sienten bienvenidos y cuidados, lo eligen después de pasar por estadios o lugares mucho más grandes.Valeria Facchini: Makena está preparado para que pase eso, para que siempre pueda suceder algo. Los artistas saben que si vienen y se quieren subir van a tener los instrumentos, van a tener buen sonido, van a estar cuidados y el público los va a recibir bien.Pitu: Se sienten cómodos. Y después se generó un vínculo. Hay músicos que son amigos nuestros personales, que vienen a comer a casa o que están acá todo el tiempo.—También fue un semillero para artistas que recién empezaban.Valeria: Es parte de su historia. Acá tocan los que recién empiezan y artistas consagrados.Matías: Hay artistas que no nacieron acá, obviamente, pero sí los vimos dar sus primeros pasos, tocando para 40, 50 o 100 personas y después crecer muchísimo. Conociendo Rusia, por ejemplo, Mateo era como bajista de la banda de Juan Carámbula, Detonantes, que tocaba acá. Y hoy ves dónde está. Eso pasó con un montón de bandas que ahora hacen estadios.—¿Y qué ocurre cuando esos músicos que crecieron vuelven a tocar a un lugar mucho más chico?Valeria: Un poco por eso hicimos Ediciones Doradas, para que bandas grandes que ya están consagradas vuelvan a Makena y puedan hacer un show íntimo con el público de siempre.Pitu: La recepción fue hermosa. Se agotaron todos los shows.Valeria: Volvió Piti Fernández (de Las Pastillas del Abuelo), Vitico. De ahí también nació el primer disco de Makena.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=2Yfd_fCVwFc&amp;list=PLg2iCuasdDJo56x48x6TSrf90u45S1H-Q"></oembed></figure>—Los miércoles aparecen permanentemente cuando se habla de la historia de Makena. ¿Por qué se volvieron tan particulares?Matías: Desde el comienzo tuvimos dos ciclos que fueron claves. The Jack's Experience los miércoles, que es una zapada de rock. Ahí empezaron a llegar muchos artistas porque sabían que un miércoles a la noche no había mucho para hacer y el músico que quería tocar sabía que podía venir.&nbsp;Pitu: Los miércoles te podés encontrar cualquier sorpresa arriba del escenario. Puede aparecer Baltasar Comotto, Juanse, cualquiera. Es el día más random, puede pasar cualquier cosa.Matías: Y después está Afromama Jams los domingos, que es otro palo, pero nos pasó que vengan artistas internacionales. &nbsp;Pitu: Vale tiene una foto con Damon Albarn.&nbsp;Valeria: Sí, después de un Primavera Sound. Vino porque quería conocer Makena.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/08/25/SaveClip.App_623799853_17974715147825410_5560433689065941086_n9293_.jpg"><figcaption>Valeria Facchini junto a Damon Albarn | Foto: redes sociales.</figcaption></figure>Matías: Trueno venía, se subió a rapear. Toda esa camada de pibitos, un montón subieron acá.&nbsp;Pitu: Sí, todos los chicos de El Quinto Escalón empezaron rapeando en Makena, porque los domingos hay un pequeño segmento de freestyle y muchos de los que hoy están pegados rapeaban acá. Eso me lo dijo Wos.Matías: Después Snarky Puppy, Cultura Profética... un montón de bandas que vinieron los domingos y se subieron.&nbsp;—Hay una idea que aparece mucho cuando ustedes hablan de Makena, que es la de casa. ¿Cuándo se construyó ese vínculo?Valeria: Para mí Makena es un concepto de familia y de casa. Está Juan Carlos, que es el papá de Mati; Mati con Ale, su mujer, que no pudo venir hoy porque está enferma. Y Mariano, su hermano. Después nosotros somos los hijos adoptivos. Pero también los encargados, la gente de cocina, los sonidistas, los técnicos. Todos formamos esa familia. Y eso también hace que sea un hogar para los artistas y para el público.—En los últimos años apareció, además, un público mucho más joven. ¿Lo sienten como un cambio?Pitu: Cambió el público, pero no la identidad. Makena siempre estuvo lleno; con las ampliaciones, de hecho, siempre nos fue quedando chico. Lo que ocurrió ahora es que se acercaron nuevas generaciones.Valeria: Hoy en una misma noche podés tener chicos de 18 o 20 años al lado de una persona de 30, 40 o 50, todos escuchando la misma música. La identidad de Makena sigue siendo la misma.Pitu: El sábado pasado nos fuimos de acá después de las cuatro de la mañana y la cola doblaba la esquina para entrar.&nbsp;Valeria: Y siguen sonando los artistas de siempre. Es maravilloso que pase eso.Pitu: Yo creo que el tema de Ciro influyó mucho. [Habla de "Caminando"]. Y la nota de Edul y Davo, que nombraron a Makena.&nbsp;Valeria: Me pasó con una amiga que tiene una hija contemporánea a la mía y me dijo: “Lola quiere ir a Makena, así que voy con Lola y con mi marido”. Ahí tenés una muestra perfecta.Pitu: A mí me pasó con mi hijo. Un día vino con amigos y después me dijo: “Sí, fui a Makena, está bueno”. Le dije: “Ah, bueno, gracias”. Ahora vienen hijos de músicos, hijos de amigos nuestros, y algunos ya tienen sus propias bandas y empiezan a tocar.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/08/25/PHOTO-2026-07-30-20-06-27_(4)8218_.jpg"><figcaption>Andrés Ciro Martínez tocando junto a Jero Sica en Makena | Foto: gentileza de prensa.</figcaption></figure>—Quiero meterme en el tema de Ciro, porque cada persona que viene a Makena y se filma, lo hace con Caminando. &nbsp;Pitu: Nosotros somos amigos de Chucky y él me lo había contado como seis meses antes. Me decía: “Tenemos una sorpresa para el próximo disco, pero no te la puedo contar”. Hasta que una noche me dijo que tenían un tema que arrancaba saliendo de Makena.Se lo pudimos agradecer a Ciro. Él tocó varias veces acá, aunque no tenemos la relación personal que tenemos con otros músicos. Pero tiene muy buena onda con nosotros.Matías: Yo iba a bailar a Babilonia y él hizo una canción sobre Babilonia. Nunca me hubiera imaginado que mil años después iba a haber una canción que nombrara a Makena.&nbsp;Muchos de los músicos que durante la nota nombran Pitu, Matías y Valeria hoy son amigos, o muchos también los escucharon de más chicos, fueron a verlos a estadios como cuentan de Los Piojos y, años después, un tal Ciro Martínez, sin decírselo y espontáneamente lanza Caminando y abre la canción hablando de su boliche.&nbsp;—Quienes pasaron que recuerden y no puedan creerloPitu: Skay tuvo una época en la que Makena era uno de los pocos lugares a los que salía a ver bandas. Después terminó siendo amigo y es una locura. Charly García vino con el Negro García López, Charly tocó en Lucille.Valeria: Hay veces que los músicos solo vienen a compartir y a ver bandas.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/08/25/PHOTO-2026-07-30-20-06-27_(1)1934_.jpg"><figcaption>Charly García y el Negro García López | Foto: gentileza de prensa.</figcaption></figure>Matías: Spinetta vino varias veces a ver a sus hijos. Me acuerdo de una vez que se enojó porque no le queríamos cobrar.&nbsp;Pitu: Había pedido un tostado y un té. Me dijo: "Si no me cobran, no vengo más" y le dije: "Bueno, no vengas más. No te puedo cobrar".&nbsp;Pitu: Después Fer Pita es uno de los artistas que más veces debe haber tocado acá. Tocó con Heroicos Sobrevivientes, después hizo su carrera solista y volvió mil veces. Tenía una habitualidad muy grande.—¿Piti Álvarez hizo un videoclip acá?&nbsp;Pitu: Hizo la cámara oculta de "Noche con Amigos" y después tocó con Intoxicados. Piti venía venía bastante. Una anécdota divertida de las que se pueden contar, es que un día quiere entrar y me viene un seguridad a buscar y me dice: "Che, está. Cristian abajo. Que quiere entrar". A mí me había preguntado si podía ir con su mascota. Él era re perrero y dije: "Va a venir con un perro", que tampoco me parecía... pero me apareció con una boa de 2 metros enroscada en el cuello. Hay una foto pero no la tenemos.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/08/25/DiseÃ±o_sin_tÃ­tulo_-_2026-08-25T164258.5329367_.jpg"><figcaption>Pity Álvarez y su serpiente en su casa | Foto: archivo.</figcaption></figure>—Veinte años después, el lugar volvió a quedar chico.Pitu: Siempre fue quedando chico. Fuimos modificándolo todo el tiempo. Cambiamos el escenario, después lo agrandamos, hicimos el balcón, llegó la ampliación definitiva con la casa de al lado. Y hoy también queda chico, pero ya no tenemos más posibilidades de ampliarnos. Por eso el aniversario se muda.Valeria: Los aniversarios de Makena siempre fueron cerrados porque no entraba demasiado público. Esta vez queríamos que más gente pudiera vivir esa mística y todo lo que pasa en esas noches.Veinte años después de aquel primer show, Makena muda su aniversario al Complejo C Art Media e invita a todo el público poder vivirlo con ellos. <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.passline.com/eventos/makena-20-aniversario?srsltid=AfmBOory-3NbZgGKu3oaAj484Q4-AtfokY6DkllUzGLlfOdYXMro-GSH">Las entradas están disponibles por Passline</a> para una noche que contará con shows exclusivos y distintas sorpresas por el aniversario.&nbsp;

En sus dos décadas de historia, Makena se convirtió en punto de encuentro de músicos consagrados y artistas que recién empezaban. Pitu, Matías y Vale recuerdan las primeras noches, las visitas inesperadas -varias internacionales- y cuentan cómo el mítico espacio de Palermo logró conquistar a una nueva generación sin perder su identidad.

En sus dos décadas de historia, Makena se convirtió en punto de encuentro de músicos consagrados y artistas que recién empezaban. Pitu, Matías y Vale recuerdan las primeras noches, las visitas inesperadas -varias internacionales- y cuentan cómo el mítico espacio de Palermo logró conquistar a una nueva generación sin perder su identidad.

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