El universo de Rosalía volvió a Buenos Aires y debutí en el primero de sus cuatro shows agotados y dejó la sensación de haber llevado al escenario una obra total. Durante poco más de dos horas, el estadio dejó de funcionar como una sala de recitales para convertirse en una suerte de teatro contemporáneo, una ópera atravesada por el flamenco, el pop, la electrónica y la danza. Cada acto tuvo su propia identidad dramática, cada transición pareció pensada como un cambio de escena y cada movimiento sobre el escenario respondió a una lógica narrativa que nunca se interrumpió, al contrario, a medida que pasaban las canciones la intensidad era más profunda. La puesta, dirigida por el reconocido creador griego Dimitris Papaioannou —responsable de la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos de Atenas 2004—, comienza incluso antes de que aparezca la artista. La Heritage Orchestra ocupa su lugar mientras un grupo de asistentes vestidos de negro despliega una enorme caja blanca en el centro del escenario. Sus paredes se abren lentamente hasta revelar a Rosalía vestida como una bailarina clásica, con tutú y zapatillas de punta. No emerge de una caja de cristal, sino de una estructura de madera, casi como una muñeca antigua guardada en un relicario. Desde ese instante queda claro que cada símbolo tiene un sentido y entonces ocurre uno de los grandes misterios de la noche: cómo puede salir semejante potencia de un cuerpo tan pequeño. Rosalía canta con una intensidad que conmueve físicamente. Su formación de conservatorio aparece en cada respiración, en cada interpretación y en la manera en que sostiene composiciones como "Porcelana", "Divinize" o "Mio Cristo Piange Diamante". Y hay que decirlo: hay una dimensión casi mística en su forma. No se limita a ejecutar las cancione porque las hace propias, las encarna, las siente, las vive y transmite y por momentos emociona hasta las lágrimas.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/08/02/@vickydragonetti_081519838_.jpg"><figcaption>Crédito: @vickydragonetti&nbsp;</figcaption></figure> Siendo espectadora de todo este suceso en simultáneo, esa precisión con la que construye ese personaje también resulta fascinante. Camina sobre zapatillas de punta con una delicadeza permanente, como si incluso los silencios formaran parte de la coreografía. Nunca abandona el rol. Cada gesto de sus manos, cada mirada, cada pausa parece responder a una decisión teatral. Los bailarines funcionan como una extensión de esa narrativa. Nunca aparecen como un simple acompañamiento coreográfico ni como un recurso ornamental. Son actores, soportes físicos, cuerpos que sostienen imágenes, que contienen a Rosalía, que dialogan con ella y completan el sentido de cada escena. El espectáculo encuentra ahí otra de sus grandes virtudes: la danza es parte en sí misma de la música. El segundo acto modifica la narrativa de la obra sin romper su coherencia. "Berghain", "SAOKO", "LA FAMA", "LA COMBI VERSACE" y "De Madrugá" elevan la intensidad mientras la estética también se transforma. La peluca, el vestuario y una iluminación más oscura recuperan algo de la Rosalía de Motomami: más desafiante, más rockera, más filosa. Incluso cuando la energía explota, el espectáculo conserva ese aire de ballet contemporáneo que atraviesa toda la puesta.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/08/02/@vickydragonetti_085302893_.jpg"><figcaption>Crédito: @vickydragonetti&nbsp;</figcaption></figure> El tercer acto encuentra algunos de los momentos más emotivos de la noche con "El Redentor", el popurrí de "Can't Take My Eyes Off You" y "Confessional Engagement" y "La Perla". Allí aparece también el ya famoso confesionario, donde la invitada fue Ángela Torres. Su relato sobre una relación en la que sintió que se perdió a sí misma derivó en una respuesta espontánea de Rosalía que mezcló humor, empatía y una frase que desató la ovación del Arena: "Tú te mereces todos los éxitos y claramente este perla tenía un diamante y no se enteró. Él tuvo que verte brillando para darse cuenta, el muy pelotudo". &nbsp;Pero quizás uno de los momentos más significativos llegó cuando decidió hablarle directamente al público argentino. Después de la polémica que había generado un "me gusta" en redes sociales en la campaña anti-argentina, eligió agradecer sin rodeos el lugar que el país ocupó y ocupa en su historia. "¿Cómo yo podría tener un sentimiento negativo hacia un lugar como este? Es el lugar que me ha erguido a donde estoy hoy", dijo con emoción. Recordó el apoyo que recibió desde sus primeros años y definió al público argentino como "el mejor público que hay en la tierra". Lejos de sonar protocolar, sus palabras encontraron credibilidad en la sencillez con la que las dijo y en la respuesta inmediata de un estadio que nunca dejó de acompañarla.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DbipcjZj_mc/"></oembed></figure>El tramo final recuperó el costado más festivo con "BIZCOCHITO", "DESPECHÁ" y "Focu' Ranni", antes de despedirse con "Magnolias". Para entonces ya no importaba el repertorio ni el despliegue técnico. Lo que permanecía era la sensación de haber asistido a una experiencia escénica poco frecuente dentro del pop contemporáneo. Rosalía construyó una obra donde la música, la actuación, la danza y la puesta dialogan con la misma importancia. Una ópera del siglo XXI capaz de provocar piel de gallina desde la primera escena hasta el último aplauso.

La artista española llegó con la puesta más ambiciosa de su carrera y transformó el escenario en una obra total. Durante más de dos horas, la música, la danza y la actuación se fundieron en un espectáculo que desafía cualquier etiqueta.

La artista española llegó con la puesta más ambiciosa de su carrera y transformó el escenario en una obra total. Durante más de dos horas, la música, la danza y la actuación se fundieron en un espectáculo que desafía cualquier etiqueta.

Rosalía hizo del pop una ópera contemporánea con LUX, su show más esperado

Con "Asuntos Pendientes", Nicolás Btesh da un paso al frente después de años trabajando como productor e ingeniero de mezcla y acompañando el desarrollo de otros artistas, presenta un disco que lo encuentra al frente de su propio proyecto musical. &nbsp;A lo largo de su carrera se consolidó como productor dentro de la escena argentina, trabajando junto a Conociendo Rusia, El Zar, Ainda, Indios y Jaze, entre otros. Además, desde los comienzos de Conociendo Rusia hasta el año 2024, Nicolás formó parte de la banda como guitarrista, girando y participando activamente del proyecto. Como ingeniero de mezcla también colaboró con Siddhartha y Marisa Monte, ampliando su recorrido a nivel internacional. &nbsp;Sin embargo, su búsqueda personal va más allá y en el 2025 creó su nueva banda Los Asuntos Pendientes y grabó su LP como intérprete y compositor. Este proyecto representa un nuevo capítulo en su carrera, el del músico que, además de producir y mezclar para otros, asume el protagonismo de su propia obra.Conversamos sobre el lanzamiento y esto nos contó:&nbsp;<h4>Venís de muchos años construyendo el sonido de otros desde la producción… ¿qué fue lo más difícil de correrte de ese lugar y ponerte con lo propio?</h4>"Mas que una dificultad, tuve la necesidad de ponerle voz a una experiencia muy shockeante que me tocó vivir. A comienzos de abril de 2025 la policía Federal entró a mi casa tirando la puerta abajo con una orden de allanamiento. Pocos días después escribí la canción Asuntos Pendientes, que le dio nombre al disco y a la banda. A diferencia de producir a otro artista, el hacer algo propio es exponerse, y no me refiero solamente hacia los demás… sino que primero es exponerse frente a uno mismo. Quería hacerme cargo de lo que me pasó. Esa fue la primera barrera que tenía que cruzar. 'Estar bien conmigo otra vez' como dice la primera canción del disco. &nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=3Dh9BL6yNZA"></oembed></figure>Otra dificultad no menor fue hacerme el tiempo necesario. La producción se volvió el centro de mi trabajo y si bien el deseo de hacer un disco propio era muy fuerte, también los años pasan y el camino te va llevando, incluso difuminando ese deseo… A tal punto que me llené la agenda de encuentros con varios amigos artistas compositores con el fin de hacer surgir las ideas. Por último, y quizás el mayor desafío, fue encontrar qué tengo para sumar a este mundo.. y que además mi voz sea el personaje principal de estas palabras".<h4>Después de tanto tiempo afinando la música de otros, ¿te costó confiar en tu propio criterio cuando el proyecto era completamente tuyo?</h4>"La verdad que no, soy de los que confían en la intuición. Trato de dejarme llevar sin pensar demasiado en qué es lo que estoy haciendo. Encuentro una adrenalina especial en no saber, en sentir que la materia esta viva y no encasillada… ahí aparecen las cosas más genuinas, las que suenan más a uno mismo. Ademas por suerte tengo un montón de amigos con unas orejas muy criteriosas que me ayudaron durante el proceso a no caerme del bocho y a que siga confiando en mí".<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DW9KQl7Dv6R/?img_index=1"></oembed></figure><h4>¿Cómo hacés para que las influencias estén presentes sin que se vuelvan una especie de nostalgia o cita directa?</h4>"Me gusta pensar en las influencias como la estantería de libros de mi casa, están los que me gustaron más, los que menos, y los que aún no leí pero les tengo la idea. Todos dejaron alguna marca en mi. Serían algo así como unos resonadores, que se activan y desactivan por simpatía. O también como nodos que se entrelazan… y si una canción o un arreglo o un sonido me remite a algo aue me gusta, trato de seguir ese enlace a ver a dónde me lleva. Creo que si algo de lo que hago me remite a algo que me gusta, bienvenido sea, no trato de esquivar eso. En mis canciones hay citas, algunas muy claras, pero tampoco no me interesa copiar ni parecerme a alguien.. incluso trato de no utilizar referencias, trato de escuchar el recuerdo que tengo de esa influencia y seguir al inconsciente".<h4>Hay una canción dedicada a tu abuela que tiene algo muy emocional… ¿qué te pasó al escribirla y después al llevarla al estudio con la banda?</h4> "Es una canción muy especial… Primero apareció la melodía y el arreglo de guitarra pero no tenía letra, y un par de años después en una juntada con amigos bajó toda de golpe… sentí que era una canción para ella. Recuerdo que antes de partir nos dijo que cuando no esté más en este plano nos visitaría en forma de mariposa, así que traté de imaginármela volando alrededor. La grabamos en vivo en guitarra, piano y voz. Durante bastante tiempo no pude escucharla sin emocionarme… es una canción importante".<h4> Después de este disco, ¿sentís que te sacaste algo de encima o que ahora aparecen nuevas preguntas?</h4>"Resolví unos cuantos asuntos pendientes (risas). Hacía mucho tiempo que venía postergando esto y creo que logré hacer un disco sólido, que me respresenta hoy. También soy consciente de que abrí una puerta difícil de cerrar… Ahora quiero más. Quiero tocarlo en vivo, quiero seguir en el envión de componer y grabar. Esto es un camino largo lleno de preguntas y respuestas y preguntas y respuestas..."<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DX9pIP2ISzO/"></oembed></figure>La presentación oficial del disco será el 29 de mayo en el Centro Cultural Richards. Las entradas pueden conseguirse<a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.passline.com/eventos/nicolas-btesh-presenta-los-asuntos-pendientes-en-vivo-en-ccrichards?utm_source=ig&amp;utm_medium=social&amp;utm_content=link_in_bio&amp;fbclid=PAZXh0bgNhZW0CMTEAc3J0YwZhcHBfaWQMMjU2MjgxMDQwNTU4AAGnVZHi9ZbSRCof7zF8XEga3dyEkOtfFdbnyjKurQV9j3h-SBz3s8-NQ4hMLdE_aem_GA2NAkQPdAFcMeJVCRUr1Q&amp;utm_id=97760_v0_s00_e0_tv3_a1denngzphv7r1"> acá.</a>&nbsp;&nbsp;

Nicolás Btesh está de estreno con "Asuntos Pendientes", su nuevo disco y un trabajo que marca una nueva etapa en su recorrido artístico. Dialogamos sobre el recorrido en lo creativo y contextual del álbum y esto nos contó.

Nicolás Btesh está de estreno con "Asuntos Pendientes", su nuevo disco y un trabajo que marca una nueva etapa en su recorrido artístico. Dialogamos sobre el recorrido en lo creativo y contextual del álbum y esto nos contó.

Nicolas Btesh sobre Asuntos Pendientes: "Tuve la necesidad de ponerle voz a una experiencia muy shockeante"

Dos discos sobre la mesa: NERD con “In Search Of” y Beck con “Midnight Vultures”: ¿Retrato del momento que está viviendo Dillom o simple escapatoria sonora?Una charla descontracturada desde <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.instagram.com/lafabricaenvivo/">La Fábrica</a>, el histórico búnker creativo de Charly García, con vino mediante donde surge la amistad como eje, el romanticismo y la seducción, la necesidad de moverse todo el tiempo y no quedarse encerrado en un género.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DSYWwjsghPB/"></oembed></figure>También hay anécdotas que parecen una sitcom, confesiones dichas entre risas y un costado más pícaro que se suelta cuando aparece un whisky en la barra.En este encuentro Dillom habla de lo que deja atrás, de lo que todavía no sabe nombrar y de lo que empieza a asomar antes de su primer Vélez. Sin personaje. Con humor, contradicciones y ganas de decir lo que realmente piensa.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DScv8K8FRjX/?img_index=1"></oembed></figure>Mirá la entrevista por Anto Punzino en nuestro canal de Youtube y Spotify.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=h7oVWY2m-q0&amp;t=701s"></oembed></figure> &nbsp;

El artista está cerrando una etapa enorme de su carrera y al mismo tiempo, empezando a pensar en otra cosa. Otro sonido. Otro lugar. Entre copas, discos y un clima descontracturado, habla de todo eso que no siempre entra en una canción. &nbsp;

El artista está cerrando una etapa enorme de su carrera y al mismo tiempo, empezando a pensar en otra cosa. Otro sonido. Otro lugar. Entre copas, discos y un clima descontracturado, habla de todo eso que no siempre entra en una canción.&nbsp;

Dillom en Filo.Música: “Nunca voy a hacer lo que me pidan”

Anoche no entré a un estadio: entré a una cancha. Una cancha en modo final. Ese clima que tiene algo de peligro, algo de euforia, algo de hermandad instantánea. Esa intuición que te avisa que lo que está por pasar no es normal. Porque no lo fue: Oasis despertó una marea humana que solo el fútbol argentino explica.Lo primero que me sorprendió no fue el sonido, ni las luces. Fue la gente. La cantidad inabarcable de gente. Nunca vi a River así: todo el mundo con remeras, camperas, buzos, banderas. Merch oficial, merch viejo, merch inventado. Pibes de 16 con la tapa de Definitely Maybe, familias enteras con la cara de Liam en la espalda, generaciones cantando canciones que nacieron hace 30 años y se viven como si hubieran salido ayer. Había abrazos entre desconocidos, gritos compartidos entre personas que jamás se habían visto, esa forma tan nuestra de armar familia en media hora. Oasis no encontró un público: encontró una hinchada.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DRIQCH4Drm-/?img_index=1"></oembed></figure><h4>La liturgia que ellos llaman “biblical”</h4>A veces uno cree haber visto todo. Y entonces pasa esto. En River no se cantaba: se invocaba. Cuando miles de manos se levantaban al cielo siguiendo a Liam cual chamán, no era acompañamiento. Era ritual. Entendí por qué ellos insisten en que estos shows son “biblical”. No es exageración inglesa: hay algo místico, algo de ceremonia, un fervor que no pide permiso. Y lo increíble es que la banda lo siente. Se les nota.En Don’t Look Back in Anger, Noel se quebró apenas un segundo. Una emoción microscópica, la clase de emoción que aparece solo cuando alguien entiende que lo que tiene enfrente lo supera. Lo vimos todos en la pantalla gigante: la mirada perdida por un instante, como intentando procesar ese canto monumental que venía de abajo. No fue actuación. Fue impacto. Porque sí: somos su público favorito. Lo dicen siempre y se vio claro que no es verso.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DRIExubDJwb/?img_index=1"></oembed></figure><h4>La mezcla ¿imposible?: argentinos e ingleses</h4>Hay algo hermoso en este encuentro. Un puente improbable. Ingleses que admiran a los argentinos. Argentinos que crecimos escuchando a ingleses que, de alguna manera, nos entienden más de lo que admiten. Este fin de semana la música borró cualquier tensión histórica y dejó en el aire una evidencia: lo que la política separa, las canciones lo abrazan. Lo vimos cuando proyectaron la foto de Diego en Live Forever y el estadio explotó. No fue gesto diplomático: fue respeto real. Y ahí entendí algo: Oasis nos admira por nuestra intensidad. Por nuestra pasión. Esa que no necesita ni una gota de alcohol para ser la más ruidosa del planeta: “Son los número uno, los malditos número uno, incluso sin alcohol, son unos malditos locos”, dijo Liam entre chistes muy a su estilo.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DRIBj1dDEco/?img_index=1"></oembed></figure>Luego tuiteó: “Todos los públicos han sido bíblicos, no discriminados, no hemos tenido malos públicos, pero Argentina es algo especial, es un hecho”. Esta es la conexión de la que hablo.Y algo que no quiero dejar de resaltar y considero fundamental: después de 16 años separados podría haberse sentido forzado, distante o apenas correcto este show. Pero pasó lo contrario. Muchos regresos fracasan porque no hay conexión en el escenario. La música suena, sí, pero no hay pulso compartido. A Oasis eso no le pasó. Noel y Liam no necesitan mirarse para estar tocando la misma historia. Hay un entendimiento musical que sobrevivió a todas las peleas, silencios y rencores. Eso es lo que vuelve esta reunión tan potente: la música quedó por encima del conflicto.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DRHi04ljG4j/"></oembed></figure> Vi a Noel preciso, entregado al detalle, el verdadero señor inglés; a Liam firme, icónico, sosteniendo su personaje como solo él puede; y a la banda funcionando como un engranaje que jamás perdió la alineación. Como si el tiempo se hubiese detenido en 2009 y de repente hubiera empezado a correr de nuevo. Ese es el núcleo del fenómeno: Oasis genera devoción mundial porque sus canciones, su identidad y su presencia escénica son más fuertes que cualquier grieta personal. La gente no va solo a escuchar hits: va a presenciar una historia de la que todos somos parte. Después de ver esa potencia arriba del escenario, lo único que quedaba era dejar que el cuerpo lo terminara de entender. Porque hay cosas que desde lejos se admiran, pero desde adentro se revelan. Y yo pude probar las dos orillas. El sábado tuve el privilegio de mirar todo desde el palco. Una vista del mar de gente que late, se expande, grita, poguea se sacude y vuelve a calmarse solo para explotar de nuevo. El domingo en campo delantero. Full experience: el pogo, la trinchera de verdad. Porque una experiencia así hay que verla desde todos los ángulos: desde arriba, como quien contempla un fenómeno; y desde abajo, como quien se deja arrastrar por él.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DRC8H5vDCIG/"></oembed></figure> Argentina tiene muchas cosas difíciles de explicar. Pero este fin de semana tuvimos una prueba más de algo que sí sabemos: nadie vive la música como nosotros. No sé si somos el mejor público del mundo (en realidad sí), pero sí sé que nadie canta con esta entrega, nadie arma comunidad tan rápido, nadie convierte un recital en un ritual tan profundo.Oasis no dio un show. Fuimos nosotros quienes dimos un show. Y ellos vinieron a mirar.&nbsp;&nbsp;

Hay recitales que se escuchan. Algunos se sienten. Y después está lo de Oasis en River, que directamente se juega. La crónica de dos noches históricas tras el regreso de la banda inglesa después de 16 años. &nbsp;

Hay recitales que se escuchan. Algunos se sienten. Y después está lo de Oasis en River, que directamente se juega. La crónica de dos noches históricas tras el regreso de la banda inglesa después de 16 años.&nbsp;

Oasis en River: cuando un recital es una final

Sus canciones son capítulos de nuestra memoria: de Sui Generis a "La Lógica del Escorpión", cada disco cuenta algo de lo que fuimos y seguimos siendo. Por eso hablar de Charly es hablar de todos nosotros. Es el hombre que nos enseñó que la rebeldía también puede ser poesía y que la sensibilidad no es debilidad sino poder. Cada etapa de su vida fue una era cultural. Su obra acompaña la historia reciente del país como una banda sonora inevitable: nos hizo llorar, gritar, pensar, amar, entendernos. Y, sobre todo, nos hizo sentir.Por eso, cada 23 de octubre es una excusa para detenernos y pensar en lo que realmente significa su existencia. Charly no es solo un músico: es la historia argentina cantada. Es la voz que narró la dictadura y la democracia, el desencanto y la esperanza, la locura y la lucidez. Un artista que tradujo el inconsciente colectivo en melodías y que, sin proponérselo, se volvió espejo y profeta de todos nosotros.<a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.instagram.com/lafabricaenvivo/">La Fábrica</a> fue el lugar elegido para celebrar su cumpleaños rodeado de amigos y familia. Entre los invitados estuvieron David Lebón, Pedro Aznar, Hilda Lizarazu, Beto Casella, Joaquín Levinton, Lea Lopatín, Fernando Caloia, Rispico, Lisa y Benito Cerati, Brenda Asnicar, Rosario Ortega, Nora Lezano y El Zorrito Von Quintiero, además de los chilenos Toño y Kiuge, entre otros.Allí, Charly creó algunos de sus discos más icónicos, como "Say No More", "Filosofía Barata y Zapatos de Goma", "La Hija de la Lágrima", "El Aguante", "Influencia", "Rock and Roll Yo" y parte de "Kill Gil", su regreso tras siete años sin editar nuevos discos. Claramente, la mística del lugar, habla por sí sola. &nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DQKKHy7k1VQ/?img_index=1"></oembed></figure> Pero volviendo a su huella, hace un año, cuando presentó "La lógica del Escorpión", recuerdo esa analogía inevitable: Charly como el escorpión, intuitivo, mental, provocador, dueño de un poder que no destruye sino que despierta. Su música tiene esa cualidad: duele, sana, ilumina. Cada nota es un acto de supervivencia y una prueba de que la genialidad nunca fue cómoda. Como buen escorpiano, Charly pica donde duele, pero para despertar. En palabras de Nora Lezano, una de las artistas y amiga que mejor sabe retratarlo, nos dijo en el último <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.youtube.com/watch?v=u48zoJeulrw&amp;t=97s">Filo.Música</a>: “Charly es un actorazo: le encanta ser fotografiado”. Y sí, quizás porque él mismo es una performance viva.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DQIH8OzldKH/"></oembed></figure> Su vida, como sus canciones, está hecha de excesos, belleza, heridas y verdad. Y aunque el cuerpo envejezca, hay algo en su mirada que sigue siendo la de un chico que descubrió que la música podía salvarlo todo. Hace poco volvió a sonar junto a Sting y demostró, una vez más, que su fuego sigue encendido. Que no necesita hacer ruido para seguir marcando el pulso. Y que, incluso en silencio, sigue siendo el artista con la Influencia más espectacular que tenemos.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DO6QNBXgcp0/"></oembed></figure> Hoy cumple 74 y más que una fecha es un recordatorio de lo que somos cuando suena su música: Argentina en versión piano. Hay algo casi religioso en su figura: una devoción transversal que atraviesa clases, edades, ideologías. Charly es un sentimiento nacional, como el fútbol, como el mate, como el abrazo después de una canción. Es ese lenguaje común que todos entendemos, incluso, hasta los que nunca lo vieron en vivo. Feliz cumpleaños, Carlos Alberto. Gracias por escribirnos en clave, por enseñarnos que el delirio también puede ser lucidez, y que el arte —cuando es verdadero— no envejece jamás.&nbsp;

Charly García cumple hoy 74 años y volvió a mostrarse rodeado de amigos, músicos y esa energía que solo él puede convocar. Una escena que emociona: el tipo que escribió la historia argentina en canciones, soplando las velas y sonriendo.&nbsp;

Charly García cumple hoy 74 años y volvió a mostrarse rodeado de amigos, músicos y esa energía que solo él puede convocar. Una escena que emociona: el tipo que escribió la historia argentina en canciones, soplando las velas y sonriendo.&nbsp;

Charly García cumple 74 años y sigue escribiendo la historia argentina en canciones

Cuando recibí la invitación para cubrir la segunda edición del Festival Nova (la primera fue el 7 de octubre del 2023 donde luego sucedió el ataque terrorista por parte de Hamás), dudé. Éramos un grupo de periodistas argentinos de música y sentía las mismas preguntas que cualquiera que lea estas líneas: ¿Ir o no ir a un país señalado en el centro del dolor, atravesado por un conflicto interminable? ¿Cubrir un festival mientras, a pocos kilómetros, sucede la tragedia de Gaza?En medio de ese torbellino apareció el impulso periodístico: no para justificar, sino para poner el cuerpo. Quería ver con mis propios ojos qué siente la gente que sigue con su vida en un contexto tan extremo. ¿Cómo convive una sociedad con tanto dolor? Fui con preguntas y volví con más todavía.No pretendo resolver internamente nada, al contrario, creo que la tarea es esa: animarse a transitar la contradicción, poder compartirla y que, quizás, alguien que lea esto logre asomarse un poco a lo que sentí.Hay una canción de Jorge Drexler que salió hace poco y que se me volvió imposible de soltar. Suena en mi cabeza como un relato vivo. Se llama “El fin y el medio” y comienza diciendo: “Un refugiado es un refugiado, un niño es un niño”. Palabras que parecen obvias, pero que en este contexto adquieren un peso incalculable. Drexler contó que hacía años que no podía terminar la letra, hasta que el dolor del presente lo obligó a darle forma, reflejando la incapacidad humana para aprender de historias dolorosas. Ese gesto —el de un artista que encuentra en la música un modo de nombrar lo innombrable— fue mi punto de partida para intentar contar lo que viví.Porque de alguna manera ese es el rol del arte: expandir la voz, abrir grietas de sentido donde lo humano parece desbordar. Y es desde ahí, desde esa fuerza simbólica, que hoy intento poner en palabras. No con respuestas, porque no las tengo, sino con la certeza de que una tragedia nunca suplanta a ninguna y que el dolor no tiene banderas.<h4>El Memorial del Festival Nova: reconstruir para recordar</h4>El recorrido del viaje comenzó en el Memorial levantado en el lugar exacto donde sucedió la masacre del Festival Nova, el 7 de octubre de 2023 pasadas las 6 de la mañana. Se trata de una zona rural, en Reim, a casi dos horas de Tel Aviv. Ahí donde más de 3.000 personas bailaban en la madrugada y de un momento a otro irrumpió el horror. Hoy, el predio está reconstruido tal cual esa noche: el escenario, la barra y hasta un container donde se escondieron 17 chicos y chicas, de los cuales solo 9 lograron sobrevivir ¿cómo? escondiéndose bajo los cuerpos asesinados de sus amigos. En las paredes están impresas capturas de WhatsApp, es decir, los últimos mensajes que enviaron a sus familias mientras todo sucedía. Es imposible dimensionar ese instante, imposible no quebrarse frente a la brutalidad de esas últimas palabras congeladas. Otra imagen impactante además de las fotos de los chicos y chicas asesinados, es la de los árboles plantados por cada víctima como símbolo de vida.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/10/07/undefined"><figcaption>Recreación del escenario principal en el Memorial y el predio con las fotos de las víctimas.&nbsp;</figcaption></figure>&nbsp;&nbsp;En el lugar nos esperaba Chen Malca, una de las sobrevivientes, que hoy tiene 26 años y que logró escapar hacia un kibbutz cercano, salvando su vida. Chen, dedica sus días a dar testimonios y trabajar en la reconstrucción de memoria y llamado de paz. Entrar en detalles que pueden llegar a rozar el morbo no es la intención de esta crónica, sino el sentido que logré interpretar luego con los días, por eso no me detendré en ellos. &nbsp;El saldo del ataque dejó 374 muertos y 44 secuestrados, de los cuales todavía algunos siguen en cautiverio.También fuimos a los kibbutzim (comunidades rurales que se organizan de forma cooperativa y autosustentable, nacidas bajo principios originarios del socialismo) que fueron atacados también, ya que todo es la misma zona aledaña a la frontera. Todo está intacto como el 7 de octubre, como una forma de plantar memoria. Entrar a esas casas —donde aún hay juguetes en el piso, tazas a medio tomar, ventanas rotas— fue enfrentarme al eco de una violencia que no puedo narrar del todo. Se siente en el aire, en el silencio. Nunca estuve tan cerca del dolor extremo. Pero también se siente algo más: una voluntad enorme de no dejarse consumir por el odio. Saber que varias personas de esa comunidad fueron tomadas como rehenes y también murieron —y que entre ellas había argentinos— fue difícil de procesar. Y ahí sucede algo inevitable en este choque: detrás de las cifras hay personas, familias, historias que ya no están.Si hay una palabra que resume la experiencia completa es “contradicción”. En este punto es donde vuelvo a Drexler: “Donde algo parece que se va acercando y siempre se escapa, siempre se esconde, siempre a la misma exacta distancia, de un mismo horizonte”. Así se siente el conflicto entre Israel y Palestina: un horizonte que parece al alcance de la mano, pero que se corre siempre. Gaza está a pocos kilómetros. Una tragedia feroz, todavía en curso.La única conclusión a la que pude acceder es: un Estado no es su sociedad civil. No es lo mismo hablar de gobiernos que de personas. La sociedad israelí también está fragmentada, también reclama en las calles que termine la guerra, también carga con sus muertos, los llora, pide por el regreso de los rehenes para poder empezar de nuevo. Pueblos que históricamente vuelven a empezar todos los días. Y lo mismo pasa en Gaza. El dolor no reconoce credos ni fronteras.<h4> La voz de la gente: lo que se dice en las calles</h4>Durante los días que estuvimos en Tel Aviv, especialmente en el barrio de Jaffa, entendí que más allá de los titulares y las noticias que vemos en los medios, hay un país que también sufre, que pide, que se expresa, aunque eso no se muestre. Un domingo —que para ellos equivale a nuestro lunes—, la ciudad amaneció con marchas multitudinarias en diferentes puntos de Israel. Más de 30 mil personas cortaban la autopista principal que une Tel Aviv con Jerusalén. Neumáticos encendidos, bocinas, carteles, banderas pidiendo el fin de la guerra y el regreso de los rehenes. El reclamo era claro: “Que esto se termine”. Desde comerciantes hasta jóvenes estudiantes, desde padres que perdieron hijos hasta soldados que regresaron del frente, todas las personas con las que pude tener contacto repitieron la misma idea: “Esto tiene que terminar”. No desde el odio, sino desde el cansancio. Casi todos tienen un conocido, un amigo, un familiar afectado. Una herida directa.También hay una comunidad enorme de argentinos que emigraron hace muchos o pocos años. En el hotel, hablé con "Judy" —una chica venezolana/judía que trabaja de camarera hace tres años en Tel Aviv—. “Todavía no puedo entender el dolor —me dijo—. Cuesta sostener la rutina, pero hay que seguir. Es difícil vivir en guerra, pero no queda otra. Uno se aferra a lo que tiene cerca, a la esperanza”. Esa frase me quedó resonando, porque resume el espíritu de lo que vi: una sociedad que no se rinde, que busca en la colectividad una contención para el día a día.<h4>La contradicción de convivir</h4>Israel es un territorio que convive en tensión, pero también en mixtura. Caminar por sus calles es ver cómo la contradicción puede ser una forma de vida: mezquitas, sinagogas e iglesias compartiendo la misma cuadra; judíos religiosos y laicos, árabes y cristianos cruzándose en el mercado, en la playa, en el transporte público, en la misma Jerusalén vieja. Ahí el contraste se vuelve abrumador: en unas pocas cuadras se condensa la historia espiritual del mundo. De un lado, el Santo Sepulcro, donde se cree que Jesús fue crucificado y sepultado; a pocos metros, la Cúpula de la Roca brillando en dorado, lugar sagrado para el Islam; y a unos pasos más, el Muro de los Lamentos, corazón del judaísmo.Todo convive, pero también se superpone, como si el cielo y la tierra disputaran el mismo punto de energía. Las oraciones se mezclan, los rezos se cruzan. Los cantos en hebreo se funden con los llamados del muecín desde la mezquita, mientras los campanarios repican.Todo es hipnótico. Cada piedra parece tener memoria. Y uno camina con la sensación de estar parado en el centro de la historia universal, de algo imposible de explicar, donde lo sagrado y lo humano se rozan sin tocarse del todo.<h4> Volver a bailar porque también hay vida</h4>La Tribu Nova —un colectivo creado para acompañar a sobrevivientes y familias en duelo— organizó un nuevo festival en el Parque Yarkon de Tel Aviv, el primer evento multitudinario luego del 7 de octubre. Fue el 14 de agosto de este año y reunió a más de 30 mil personas. Eligieron encontrarse nuevamente en la música, no como olvido, sino como acto de memoria y resistencia.Sobre el escenario pasaron artistas israelíes como Infected Mushroom, Yuval Dayan, Shai T, Red Axes y muchos más donde también realizaron colaboraciones con músicos locales, no pertenecientes precisamente al Psy Trance (género nato de este festival), sino que fue una forma de unir diferentes perfiles y estilos bajo un mismo lema: “Volveremos a bailar”.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/10/07/532166162_.jpg"><figcaption>Las familias de los 50 rehenes restantes en el escenario. Foto: Eclipse Media.</figcaption></figure>&nbsp;&nbsp;Sin embargo, ya en el recuerdo, siento que lo más poderoso no vino de la música, sino del silencio, pero del silencio colectivo. Hubo un momento en el que las familias de los 50 rehenes que aún permanecen en Gaza subieron al escenario. Un minuto de silencio absoluto en un parque colmado. Y luego habló Nimrod Arinin, hermano de una de las víctimas y fundador de la Tribu Nova. Sus palabras todavía resuenan: “La memoria se niega a desvanecerse y la vida sigue. A veces se siente frágil, a veces victoriosa. Incluso cuando la oscuridad parece absoluta, recordamos una promesa: bailaremos de nuevo”.Ese fue el corazón del festival: bailar como acto de resistencia, como forma de no permitir que el horror sea lo último que quede grabado en la memoria. Familias enteras, desde niños, padres, adultos mayores, no había distinción etaria. Es difícil imaginar un evento de música en un contexto así. Pero ahí estaban, encontrando por unas horas un refugio en la vida, en el bailar. Ese placer simple y tan cotidiano para los que vivimos de este lado, y un privilegio para ellos.Al día de hoy, 50 rehenes permanecen en Gaza, incluidos 15 miembros de la comunidad Nova, aunque se cree que solo 20 siguen con vida. El reclamo es diario y no cesa: en cada ciudad que visitamos, bastaban unos minutos para cruzarnos con la insignia amarilla que los representa.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/10/07/NovaHealingConcert2025-GALHARO-1339576_.jpg"><figcaption>Sin distinciones etarias, el Festival Nova reunió a familias enteras. Foto: Eclipse Media.</figcaption></figure>&nbsp;&nbsp;Entre tantos momentos, hubo una imagen imposible de olvidar: una pareja de padres, de más de 70 años, entrando con la remera de su hijo estampada en el pecho. Hablar con ellos fue un quiebre. No había odio en sus palabras. Había dulzura, memoria, una única petición: “que esto termine”. Entender cómo se sostiene la vida desde ese lugar fue una de las experiencias más desconcertantes que viví.Lloré cuando se fueron por la imposibilidad de comprender tanta entereza. Porque estaban ahí, recordando a sus hijos desde la música, desde lo colectivo, encontrando una forma de sostenerse entre otros. Y entendí que, a veces, esa es la única manera de seguir viviendo: en comunidad, cantando, sosteniendo la memoria sin dejar que el odio destruya todo lo demás.Ese instante fue una revelación. Me recordó por qué la música, en distintos momentos de la historia se convirtió en refugio. En Sarajevo, en plena guerra, los músicos seguían tocando mientras caían bombas. En Woodstock, la contracultura se transformó en un grito de paz en medio del caos. Y acá, en Israel, el sonido volvió a ser sinónimo de resistencia, de abrazo, de vida, una de las pocas herramientas para extender el pedido de paz al mundo.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/10/07/445393164_.jpg"><figcaption>Foto: Eclipse Media.</figcaption></figure>&nbsp;&nbsp;Escribo esto con la distancia de casi dos meses del viaje. No podía hacerlo antes. Necesitaba procesar, bajar la información, encontrar un modo de decirlo sin caer en golpes bajos ni en romanticismos fáciles. Lo que viví en Israel fue crudo, fuerte, inabarcable. Me cambió como periodista, pero también como persona.Hoy, en el aniversario de aquella masacre, y con otra en curso sucediendo todavía en Gaza, vuelvo a la canción de Drexler: “Ni patria ni credo, ni diferencias de criterio: no hay un solo fin que justifique cualquier medio”. Y es ahí donde la música —esa fuerza que nos atraviesa a todos— se convierte en un lenguaje universal.En los lugares donde todo parece destruido, a veces la música sigue sonando, como un pulso de vida que se niega a desaparecer. Drexler dijo que no pudo terminar su canción hasta que estalló el conflicto. Entiendo por qué. Hay experiencias que solo se pueden escribir cuando el alma vuelve al cuerpo. Y en ese punto exacto, entre el fin y el medio, lo único que queda es seguir diciendo.

Estar en el mismo lugar donde se sembró el horror y, al mismo tiempo, en un festival donde 30 mil personas eligieron volver a bailar en Israel. A dos años del ataque, un relato humano que intenta comprender cómo el dolor convive con la vida, y cómo la música insiste en ser puente y refugio en medio de la herida.

Estar en el mismo lugar donde se sembró el horror y, al mismo tiempo, en un festival donde 30 mil personas eligieron volver a bailar en Israel. A dos años del ataque, un relato humano que intenta comprender cómo el dolor convive con la vida, y cómo la música insiste en ser puente y refugio en medio de la herida.

“We will dance again”: El Nova Healing Concert en primera persona 

Hay noches que se escapan de lo ordinario y quedan suspendidas en una especie de eternidad. Lo de anoche en La Fábrica fue exactamente eso: Bernard Fowler, histórico corista de los Rolling Stones, se reencontró con su amigo Charly García en un show íntimo, al que apenas 70 personas tuvieron acceso. Una postal que parece soñada, pero que se volvió realidad en la ciudad de Buenos Aires.El lugar cargaba un magnetismo especial. La Fábrica, hoy bar y sala de shows, fue durante 15 años la guarida creativa de Charly. Volver ahí, rodeado de amigos, con la música como excusa, tuvo algo de ritual: una especie de círculo que se cierra, donde el pasado respira en el presente y el presente se convierte en historia.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DOtj0iWlMph/"></oembed></figure>Charly estaba cómodo, disfrutando, atento a cada acorde, celebrando el reencuentro. Y eso ya de por sí es un motivo de fiesta. Verlo bien, sonriendo, rodeado de afecto, es uno de esos regalos que no hay que dar por sentado.“Habrá sorpresas”, había avisado La Fábrica en Instagram al anunciar ayer al mediodía que se habían agotado las entradas. Y así fue: en la mesa principal del lugar estuvo, claro, el Doctor García junto a Patricio Sardelli de Airbag y otros amigos. Por su parte, Fowler, de 65 años, cantó casi 20 temas junto a su banda argentina compuesta por Fabián “Zorrito” Von Quintiero, Pilo Gómez, Gonzalo Lattes y otros invitados. Entre los hits que se destacaron: "God gave me everything" (Mick Jagger), "Brand new car" (The Rolling Stones), "Take it so hard" (Keith Richards) y "Jumping Jack Flash" (The Rolling Stones).<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/09/17/WhatsApp_Image_2025-09-17_at_09.55.574622_.jpeg"><figcaption>Foto: @lafabricaenvivo</figcaption></figure>&nbsp;En un momento, con la complicidad de todos los presentes, Fowler miró a Charly y dijo: “Le quiero dedicar esta canción a un muy querido amigo mío, un amigo de ustedes. La primera persona que conocí en mi primera noche en Argentina fue a él. Le quiero dedicar esta canción al señor Charly García”. Fue "Happy and real", de Charly, y la emoción, total.Además, esta canción tiene carga propia: fue el 23 de septiembre de 2013 cuando García tocó por primera vez nada más ni nada menos que en el Teatro Colón, donde solamente había interpretado en el 2002 el Himno Nacional. Ahí presentó “Líneas Paralelas - Artificio Imposible” y así fue que nuestro lugar máximo de música clásica empezó a perder solemnidad y el rock a ganárselo. En ese día tan representativo, Charly hizo parte a Fowler e interpretaron justamente "Happy and real".Volviendo a lo de anoche, literalmente el show de Bernard fue un recorrido lleno de swing y groove. La música se expandía como si tuviera alas propias. Nunca estuve en Nueva York, pero hubo instantes en los que sentí que el espacio se convertía en un club de Manhattan, de esos donde el tiempo se suspende y la vida entera parece condensarse en un par de canciones. Porque la música tiene ese poder: no solo evoca recuerdos o personas, también abre puertas a lugares donde nunca estuvimos y, sin embargo, nos resultan familiares.Pero lo verdaderamente conmovedor fue la carga simbólica del encuentro. Fowler conoció a Charly en los ‘90, en el Four Seasons, sin saber que estaba frente a “el” Charly García. Esa anécdota mínima, casi casual, dio origen a una amistad que se sostuvo en lo más genuino: la música como idioma común. Sin etiquetas, sin protocolos, solo el reconocimiento entre dos espíritus que vibran en la misma frecuencia.Anoche, ese lazo se sintió intacto. Y fue imposible no pensar en la cantidad de anécdotas que ambos deben guardar, tantas que probablemente nunca salgan a la luz y queden entre ellos, como secretos compartidos de algún camarín, con la complicidad de un piano y un vaso de whisky.Fowler, con su voz cargada de historia, y Charly, con esa presencia que trasciende lo físico, son dos símbolos que se retroalimentan. Dos artistas que, a su manera, cambiaron para siempre la música. Y estar frente a ellos, juntos, es un privilegio que excede lo individual: es un gesto que nos recuerda que el arte no se trata solo de canciones, sino de encuentros, de momentos únicos que alimentan la memoria colectiva.En un presente donde Charly prepara su próximo lanzamiento con Sting, esta noche se sintió como un anticipo de lo que todavía nos puede regalar. Porque verlo activo, disfrutando, celebrando con amigos, es una forma de esperanza. Una alegría que le devuelve a la música argentina y mundial un respiro luminoso.No fue un simple recital: fue un acto de celebración de la vida, de la amistad y del arte. Una confirmación de que, aunque no existan palabras suficientes ni whiskys alcanzables para abarcar la magnitud de las historias que cargan, lo que nos queda es agradecer que el rock, está más vivo que nunca. &nbsp;

En Buenos Aires hubo un instante donde el tiempo se detuvo. Bernard Fowler volvió a encontrarse con Charly García en el mismo lugar que durante años fue la guarida creativa del genio argentino. Y lo que pasó ahí adentro, entre apenas 70 personas, fue mucho más que un show: fue la celebración de una amistad y de la música misma. La crónica del encuentro, en esta nota.

En Buenos Aires hubo un instante donde el tiempo se detuvo. Bernard Fowler volvió a encontrarse con Charly García en el mismo lugar que durante años fue la guarida creativa del genio argentino. Y lo que pasó ahí adentro, entre apenas 70 personas, fue mucho más que un show: fue la celebración de una amistad y de la música misma. La crónica del encuentro, en esta nota.

El reencuentro de Bernard Fowler y Charly García: una amistad marcada por el rock

En el corazón del Teatro Margarita Xirgu, Zoe Gotusso está llevando adelante su primera residencia artística en Buenos Aires. Pero no se trata de una serie de shows convencionales. Lo que propone con “Pequeños conciertos” es otra cosa: un encuentro artesanal, cálido, íntimo, donde la música y el teatro conviven con absoluta armonía.Estos encuentros son reflejo de un fenómeno que crece, no por ruido, sino por conexión genuina. Desde que empieza el show, la puesta escénica —dirigida por Luciana Acuña, con dirección musical de Mariano Otero, escenografía de Mariana Tirante y arte visual de Tuchi Galán— dibuja un universo propio, donde los colores, la iluminación y hasta los silencios cuentan historias.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DKXoJ3Uu5FX/"></oembed></figure>Zoe se mueve con una libertad total entre canciones, relatos, coreografías y gestos de cercanía. Baja del escenario, canta entre la gente, invita a subir, borra toda distancia. Hay algo teatral, sí, pero también hay algo profundamente humano. Cada función se siente irrepetible, como si en ese instante se tejiera una complicidad secreta entre ella y el público.En escena, su estética remite a los años 60 y 70. Por momentos, su dulzura, su corte de pelo y su mirada melancólica la convierten en una especie de Beatle. Lo dice ella misma, y lo transmite en cada gesto: este show es un viaje hacia lo sensible, hacia el detalle, hacia esa belleza que no necesita gritar para conmover.Este domingo, tuvo como invitado a Julián Kartun, y ya pasaron también Louta y Emmanuel Horvilleur. Pero más allá de las presencias, lo que brilla es la madurez de Zoe: su crecimiento como artista se nota en la manera en que habita la escena, en cómo dosifica lo emocional, en cómo hace del encuentro algo artístico sin dejar de ser absolutamente real.En un contexto de grandes escenarios, luces obnubilantes y shows que apuestan al impacto, Zoe va por lo esencial: mirar a los ojos, cantar bajito, contar historias.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DKM8dYIOQJU/?img_index=1"></oembed></figure>Tras agotar las diez funciones iniciales, anunció dos nuevas fechas: 4 y 8 de junio. Con estas incorporaciones, la artista cordobesa llegará a un total de doce presentaciones en el Xirgu.

El escenario del teatro Margarita Xirgu se colma de interpretación y poesía en un encuentro íntimo de la mano de la cordobesa junto a su banda. En un contexto de grandes escenarios, luces obnubilantes y shows que apuestan al impacto, Zoe va por lo esencial: mirar a los ojos, cantar bajito, contar historias.

El escenario del teatro Margarita Xirgu se colma de interpretación y poesía en un encuentro íntimo de la mano de la cordobesa junto a su banda. En un contexto de grandes escenarios, luces obnubilantes y shows que apuestan al impacto, Zoe va por lo esencial: mirar a los ojos, cantar bajito, contar historias.

Pequeños Conciertos x Zoe Gotusso: la mística del teatro hecha música

Terminó el primero de los tres Vélez de Lali. Busco por la app un Cabify con ansiedad de encontrar alguno ante la procesión de fanáticos. Consigo. Me alivio, pero en partes. Ya no era ansiedad, era necesidad de poner palabras lo que había visto y sentido. Una crónica en casi tiempo real que me regala una vez más el periodismo y el amor por la música, claro.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/05/26/LALI_VELEZ-377442_.jpg"><figcaption>Foto: Marco Oviedo.</figcaption></figure>Acabo de salir del show de Lali en Vélez y todavía tengo las pupilas encendidas. Lo que presencié fue mucho más que un recital: fue una declaración de principios hecha espectáculo. Una obra pop total.&nbsp;Durante casi tres horas, Lali orquestó una celebración monumental que osciló entre lo íntimo y lo apoteósico. Cada coreografía, cada gesto, cada decisión estética fue una afirmación de identidad. Una puesta en escena feroz, afilada.Con más de 16 drags y 16 bailarines, cuerpos disidentes en escena y un despliegue técnico que rozó lo cinematográfico, convirtió el escenario en una trinchera brillante. Nos recordó que se puede cantar, bailar, conmover y al mismo tiempo resistir.No se limitó a repasar su historia: la resignificó. Puso sus discos sobre la mesa como capítulos de un manifiesto personal y político. Y lo hizo con una sensibilidad quirúrgica, con inteligencia emocional y con el pulso afilado de quien no le teme al poder. Porque hay que tener coraje para seguir cantando cuando la quisieron silenciar.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/05/26/LALI_VELEZ-357311_.jpg"><figcaption>Foto: Marco Oviedo.</figcaption></figure>Lali no solo sostuvo un show de talla internacional: sostuvo un espejo frente a su generación. Nos vimos ahí. En su vulnerabilidad, en su provocación, en su hambre de justicia, en su euforia. Porque verla triunfar así no es solo asistir al show de una artista en su mejor momento: es presenciar cómo se consolida una figura histórica del pop latinoamericano.Hoy me voy sabiendo que fuimos testigos de un acto de amor y de poder. Y que no hay mejor lugar que este para ser contemporánea y estar acá, ahora, al lado de una artista que decidió no pedir permiso.Y ahí estaba ella: firme, valiente, sensible, irreverente. Haciendo arte en un país donde ser mujer, decir lo que pensás y plantarte cuesta caro. Y sin embargo, ahí está. Reina por derecho propio.&nbsp;

La referente del pop fue ovacionada por 90 mil personas en dos noches inolvidables en Estadio de Vélez Sarfield. No solo consolida su carrera, sino que se planta y defiende ese lugar que trabajó y su público institucionalizó. La crónica de una noche pop y una referente no solo de la música.

La referente del pop fue ovacionada por 90 mil personas en dos noches inolvidables en Estadio de Vélez Sarfield. No solo consolida su carrera, sino que se planta y defiende ese lugar que trabajó y su público institucionalizó. La crónica de una noche pop y una referente no solo de la música.

Lali en Vélez: ¿Por qué es la Pop Star que necesitamos?

Lenny Kravitz dejó demostrado por qué lleva el slogan de ser "el hombre más sexy del mundo" a sus 60 años. Es que trasciende la sensualidad que pueda apreciarse por su belleza, porque además de esto emana talento, carisma y un rock sentido en las venas.Con una banda de músicos estelares, el comentario más repetido en la noche fue "parece como si estuviera sonando el disco, o mejor". Un rock transgeneracional que unió a un público de lo más variado pero en comunión por la euforia de un show ardiente.La primera de las dos noches producida en Argentina por DF Entertainment, ubicó al recital en el top de los mejores del año. El músico neoyorquino ofreció un espectáculo de casi dos horas, recorriendo parte de su discografía y sumando temas de su último álbum Blue Electric Light, en una nueva demostración de la vigencia de su voz inconfundible y sus canciones. &nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DC60hW0OyEt/?img_index=1"></oembed></figure>Poco después de las 21:00 horas, y después del show de apertura a cargo de la genial Marilina Bertoldi, la silueta inconfundible del ídolo, cual deidad, apareció sobre el escenario e hizo sonar los acordes de “Are You Gonna Go My Way?”, a la que le siguió “Minister of Rock 'n Roll”, sentando una base firme para una noche única.&nbsp;En este primer reencuentro con el público argentino después de cinco años, Kravitz presentó nuevas canciones de su último disco, grabado en las Bahamas. Las guitarras funk y los sintetizadores brillaron en temas como “TK421”, y con “Paralyzed” con influencias de un blues indiscutible. &nbsp;Promediando la noche, llegó el momento más esperado: una seguidilla de éxitos indelebles que incluyó “It Ain't Over 'Til It's Over”, “Again”, y su inolvidable versión de “American Woman”, con los que recorrió gran parte de su discografía invitando al público a sumergirse en un viaje atemporal por canciones que marcaron la historia.&nbsp;Lenny cerró su primera presentación en Argentina con un estallido de energía interpretando “Fly Away” y una versión extendida de “Let Love Rule”, donde además se paseó por todo el estadio ovacionado como un verdadero rockstar.El magnestismo de su presencia sobre el escenario sin dudas quedará en el recuerdo de uno de los grandes recitales de este 2024. Con un manejo excelente de la energía, cultivó durante todo el show la conquista con el público y lo logró. Será hasta la próxima. Este jueves dará su segunda y última presentación con entradas agotadas.&nbsp; &nbsp;&nbsp;

Con entradas soldout, Lenny Kravitz se reencontró con sus fans argentinos en la primera de sus dos presentaciones en el Estadio Arena. La gira Blue Electric Light Tour, con la que el ídolo está presentando su más reciente álbum, ofreció una noche literalmente explosiva. &nbsp;

Con entradas soldout, Lenny Kravitz se reencontró con sus fans argentinos en la primera de sus dos presentaciones en el Estadio Arena. La gira Blue Electric Light Tour, con la que el ídolo está presentando su más reciente álbum, ofreció una noche literalmente explosiva.&nbsp;

Antonella Punzino

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