Mora Navarro atiende la videollamada y lo primero que hace es un acto de rebeldía contemporánea: “Voy a sacarme el celular de acá porque estoy hinchada las bolas de que lleguen notificaciones que no quiero ver”.&nbsp;La escena la define a la perfección. No es solo un berrinche del momento; es la génesis de "Revolución Humana", su segundo disco de estudio. Un álbum que nace de la necesidad imperiosa de soltar las pantallas, habitar las calles y volver a comprometer el cuerpo a través del movimiento y el baile.Sin embargo, para llegar a este presente luminoso y rockero, Mora tuvo que atravesar el silencio más profundo de su vida.<div class="raw-html-embed"><iframe width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/videoseries?si=W9sG5cRTc3UeaBxE&amp;list=OLAK5uy_kPklOBcYiliI8INtDY7-xckVkFEKX3gVc" title="YouTube video player" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allowfullscreen=""></iframe></div><h4>Un quiebre total: cuando el estudio se quedó mudo</h4>La historia de "Revolución Humana" empezó a gestarse a fines de 2024 como un cúmulo de canciones dispersas. Venía de un golpe frustrante: viajar a España para grabar un disco que finalmente terminó descartado. Lejos de achicarse, volvió "re manija" con ganas de encarar una obra con concepto, estética y narrativa.&nbsp;Se volcó al pop, al rock y a ritmos intensos. Quería bajarse de la alienación digital y conectar con "lo verdadero": el encuentro con el otro. Estaba envalentonada, pero de repente... el freno de mano más violento."Silencio en el estudio. Literalmente silencio en el estudio. Tuve que hacerme una operación en la boca por un problema de salud del que me tuve que hacer cargo y fue un momento de quiebre total", recuerda Mora.Para alguien que cantó históricamente y que no concebía su identidad sin la música, el diagnóstico fue un cachetazo. “En mi vida nunca no canté. Me embarqué en la de 'por favor voy a hacer todo lo que tenga que disciplinarme para transformar esto'. Esta experiencia tan turbulenta me transformó mucho, me hizo entender cosas ligadas a la gratitud y a la preservación de mi salud mental y física”.Contra todo pronóstico, Mora tuvo que volver a aprender a cantar. Y en ese proceso de sanación, las maquetas de su nuevo proyecto funcionaron como su salvavidas: “El disco funcionó como un flota-flota”.<h4>Escribir sin hablar: la resurrección en 11 canciones</h4>El alta médica trajo consigo una urgencia creativa imparable. "Si yo tengo la posibilidad de cantar, quiero decirlo todo y no me quiero guardar nada", se juró. La premisa en el estudio pasó a ser despojarse del "deber ser" y hacer, básicamente, lo que se le cantara.Las letras más profundas y viscerales del disco nacieron justamente cuando no podía emitir sonido. Por eso, aunque el álbum transita la impotencia, la soledad y la introspección, el resultado final es sumamente luminoso y bailable.“Revolución Humana nace con la necesidad de volver a encontrarse en el espacio de la compartida, de la calle. El ser humano tiene un poder de transformación muy groso al que no le damos pelota. Vivimos en piloto automático y parece que no tenemos poder de decisión de nada, que lo decidimos todo por stories. No es así: la humanidad tiene un poder inconmensurable y nos lo olvidamos”, reflexiona.<h4>Feat de amigos: entre la ternura y la fiesta house</h4>El disco no es un viaje solitario. Mora se rodeó de su "hermandad" musical para potenciar cada rincón de la obra, y cada colaboración tuvo su propia mística:* Palu de Paloma en "Promesa": Una oda de amor a la amistad compuesta a piano y voz en el living de su casa. “Tenemos voces medio aterciopeladas las dos, quedó muy dulce y tierna”.* Lauti (de Isla de Caras) en "Será mañana": Un track que habla de la previa del romance, de la tensión en el aire cuando no sabés si hay match o no. “Tiene un componente tierno y un poco sassy (atrevido). Habla de cómo nos relacionamos hoy, de la dificultad de ser vulnerables y de ghostear”.* Clara Cava en "Lo que tenemos no se puede comprar": "Su hermana de la vida", así la definió la artista. Una pista con vibra house hecha puramente para tirar barras y bailar. “Para mí Clara es la fiesta y el disfrute. La música a veces hace cosas donde el lenguaje se queda corto. El mundo está en cualquiera: bailemos, compartamos, celebremos”.<h4>La ruta de la manija: gira federal y primicia para Buenos Aires</h4>La revolución ya empezó a rodar y tuvo su bautismo de fuego en Rosario. “Fue espectacular, conocí un montón de gente que no me conocía físicamente pero sí a mis canciones. Encontrarnos ahí fue hermoso”, cuenta.La agenda de Mora no da respiro: se presentará en Córdoba el próximo 18 de junio, pasará por La Plata en julio y, atención al público de CABA, hay primicia total: la presentación oficial en Buenos Aires será después del Mundial. Aunque todavía no puede revelar ni la fecha exacta ni el venue, promete un show súper visual que ampare las emociones del disco.Su objetivo de gira va más allá: “Mi intención es ir a los lugares y cantar con artistas de esos espacios. Es un privilegio salir de Buenos Aires y conocer qué música hay en las provincias, hay movidas increíbles. Vivimos tiempos muy hostiles y juntarse a celebrar desde un lado cultural, sin la necesidad real de lo productivo, es sumamente necesario”.<h4>El Top 3 de Revolución Humana, por Mora Navarro</h4>Para cerrar la charla, le pedimos que se la juegue por un podio de sus propias canciones. Así quedó su ránking de favoritas actuales:Top 3 - "Lo que tenemos no se puede comprar" (ft. Clara Cava): "Me despierto, me la pongo y estoy como 'vamos arriba', me divierte mucho".Top 2 - "Sola": "El proceso de hacerla fue muy deforme y frankenstein. Es súper sensible, muy introspectiva pero hiper pop y arriba".Top 1 - "Autopsia de mi corazón": "Es la más rockera y para adelante. Trata sobre la inercia de los días, pero es pulsión de vida pura. La canté ayer en una jam con amigos y fue muy fuerte lo que pasó".

La artista argentina relanza su carrera con un segundo disco que es, literalmente, un proceso de muerte y resurrección. “Si tengo la posibilidad de cantar, quiero decirlo todo”, confesó.

La artista argentina relanza su carrera con un segundo disco que es, literalmente, un proceso de muerte y resurrección. “Si tengo la posibilidad de cantar, quiero decirlo todo”, confesó.

Del silencio absoluto a la pulsión de vida: Mora Navarro y el poder transformador de su "Revolución Humana"

Mora Navarro y el poder transformador de su "Revolución Humana"

El fenómeno literario que redefinió el romance new adult, "Off Campus", finalmente hace su debut en la pantalla. La serie, basada en las novelas de Elle Kennedy, llega bajo la mirada creativa de la showrunner Louise Levy, quien asumió el desafío de trasladar la química y la intensidad de los libros a un formato audiovisual. En una entrevista con Filo.news, sus protagonistas, Ella Bright y Belmont Cameli, nos revelan los detalles de este ambicioso proyecto.<div class="raw-html-embed"><iframe width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/qhhfIk99HdQ?si=vNd7eXj__L3xhlM3" title="YouTube video player" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allowfullscreen=""></iframe></div>La visión de Louise Levy como showrunner se ve respaldada por un equipo de producción con vasta experiencia en éxitos juveniles. Entre los productores ejecutivos se encuentran Wyck Godfrey y Marty Bowen, reconocidos por liderar franquicias globales como "Crepúsculo" y "Bajo la misma estrella". Además, para tranquilidad de los seguidores más fieles, la propia autora de las novelas participó activamente como productora.La serie construye un ecosistema universitario vibrante gracias a un elenco de gran carisma. El grupo de amigos y compañeros está encabezado por Mika Abdalla como Allie, Antonio Cipriano en el papel de Logan, Stephen Kalyn como Dean y Jalen Thomas Brooks interpretando a Tucker. Los primeros 8 episodios de la primera temporada ya se encuentran disponibles para maratonear en Prime Video.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/05/13/Photo_8_30006649_.jpg"></figure><h4>El camino hacia Briar U</h4>Para los actores, la conexión con el material original fue inmediata desde el proceso de audición. Ella Bright, quien interpreta a la decidida Hannah Wells, recuerda el impacto de leer el guion por primera vez: "Tuvimos la suerte de tener el piloto completo desde el inicio. La escena final, donde se sella el trato entre los personajes, fue el momento en que me sentí totalmente comprometida. Me divertí muchísimo filmándola".<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/05/13/Photo_5_30004412_.jpg"></figure>Belmont Cameli, el encargado de ponerse en la piel del capitán de hockey Garrett Graham, destaca el trabajo conjunto con la producción: "Hablé mucho con Louise Levy sobre el proyecto y sobre quién es Garrett realmente. Una vez que entendí el arco de los personajes y hacia dónde querían llevar la historia en esta primera temporada, supe que quería ser parte de esto".<h4>Intimidad, respeto y narrativa</h4>Uno de los puntos más delicados y celebrados de la adaptación es cómo aborda la vida personal de Hannah, quien busca recuperar su autonomía tras una experiencia traumática. En ese sentido, Bright y Cameli subrayan que, aunque la química romántica es un motor de la serie, el respeto y los límites en el set fueron la prioridad absoluta.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/05/13/Photo_1_30004846_.jpg"></figure>"Contamos con un equipo increíble y una coordinadora de intimidad", explica Ella Bright. "Todas esas escenas son un esfuerzo de equipo; todos —desde los escritores hasta los directores— estábamos en la misma sintonía. La vulnerabilidad de esos momentos es crucial para la historia, y se manejaron con muchísimo cuidado porque sirven a una narrativa mayor".Cameli coincide en que la honestidad es la clave del show: "El sexo es una parte fundamental de la historia de Garrett y Hannah, pero cada escena está impulsada por el desarrollo de sus personajes. Tuvimos conversaciones excelentes para asegurar que el mensaje sobre el consentimiento y el respeto fuera claro para el público".<h4>Mucho más que una comedia romántica</h4>A pesar de que el punto de partida es un intercambio de favores —tutorías a cambio de técnicas de seducción—, los protagonistas aseguran que la serie ofrece una profundidad que sorprenderá a quienes no conocen los libros."Lo que es genial es ver cómo aprenden el uno del otro", reflexiona Bright. "Hannah inicialmente descarta a Garrett por ser el típico atleta engreído, pero descubre que hay mucho más bajo la superficie".&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/05/13/Off_Campus_S1_UT_250708_HENLIA_00121R_3000_(1)6541_.jpg"></figure>Por su parte, Cameli promete una experiencia completa para la audiencia: "Hay grandes amistades, secuencias de hockey impresionantes y una banda sonora increíble. Es una serie muy bien equilibrada donde todos encontrarán algo que disfrutar".Con la visión de Louise Levy al mando y una dupla protagónica con una química innegable, "Off Campus" se perfila como la nueva obsesión de la temporada, demostrando que detrás de cada trato siempre hay una historia mucho más profunda por contar.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/05/13/Photo_4_30003988_.jpg"></figure>

La exitosa saga literaria estrena su adaptación televisiva bajo la dirección de Louise Levy. Ella Bright y Belmont Cameli nos cuentan cómo fue dar vida a Hannah y Garrett y la importancia de la honestidad en las historias universitarias.

La exitosa saga literaria estrena su adaptación televisiva bajo la dirección de Louise Levy. Ella Bright y Belmont Cameli nos cuentan cómo fue dar vida a Hannah y Garrett y la importancia de la honestidad en las historias universitarias.

De los libros a la pantalla: Ella Bright y Belmont Cameli cuentan los secretos de "Off Campus"

Ella Bright y Belmont Cameli cuentan los secretos de "Off Campus"

La cantautora catalana Suu atraviesa un gran momento creativo y emocional. Con el lanzamiento de su nuevo single, “Los días como hoy”, la artista profundiza en una temática tan universal como incómoda: la tristeza que aparece incluso cuando todo parece estar bien.La canción, que funciona como un ejercicio de introspección, llega en la previa de su primera gira por Latinoamérica, que incluirá tres fechas en la Argentina y marcará un hito en su carrera.<h4>Una canción sobre habitar lo que sentimos</h4>“Los días como hoy” nació en un momento particular. Según contó Suu a Filo.news, la idea surgió el mismo día en que tenía un concierto importante en Barcelona. “Aparentemente estaba todo bien, pero yo no me sentía así. Me puse a escribir la canción desde ese lugar y, cuando terminé, la tristeza se fue”, explicó.La artista también reflexionó sobre el aprendizaje detrás de esa experiencia: “Hay emociones que simplemente hay que transitarlas. No hay que bloquearlas, hay que dejar que pasen”.En esa línea, la canción pone el foco en aceptar la vulnerabilidad y permitir que los pensamientos —sobre el pasado, el futuro o las pérdidas— formen parte del proceso personal.<h4>La música como refugio (y terapia)</h4>Para Suu, componer no es solo un trabajo: es también una herramienta emocional.“La música la uso mucho como modo de terapia”, reconoció. Sin embargo, también advirtió que ese proceso puede ser delicado: “A veces, cuando incluís a otras personas en tus historias, hay que ir con cuidado”.Este enfoque íntimo y honesto atraviesa toda su obra y se potencia en el formato que eligió para su nueva gira.<h4>Un show cercano, casi como en casa</h4>Lejos de los grandes escenarios, la gira “A solas 2.0” propone una experiencia diferente. Se trata de conciertos en formato reducido, donde la cercanía con el público es protagonista.“No me gusta armar un setlist cerrado. Intento que la gente se vaya habiendo escuchado su canción favorita”, contó.Además, adelantó que sus shows funcionan como un espacio de intercambio: “Es como si estuvieran en el salón de mi casa, yo cantándoles y contándoles mis historias. Esa es la intención”.<h4>Primera vez en Argentina: ilusión y conexión</h4>La llegada de Suu al país tiene un condimento especial. No solo será su primera vez en Latinoamérica, sino también su primer viaje tan largo. “Nunca estuve tan lejos en un avión. Me hace mucha ilusión que sea por la música”, dijo.Su vínculo con la cultura argentina, sin embargo, viene de antes. La artista contó que creció escuchando referentes locales como Andrés Calamaro y Coti, y que actualmente también sigue a nuevas figuras de la escena.Incluso, adelantó que está preparando sorpresas para el público local: “Estoy armando un popurrí de canciones argentinas. Una de Coti seguro va a caer”.<h4>Fechas en Argentina</h4>La gira pasará por tres ciudades del país:16 de abril – Niceto Bar (Ciudad de Buenos Aires) 17 de abril – Casa Brava (Rosario) 18 de abril – Ciudad de Gatos (La Plata), como apertura de shows de Delfina Campos y Carmen Sánchez ViamonteLuego continuará su recorrido por México.<h4>Una invitación a descubrir algo distinto</h4>Para quienes aún no conocen su música, Suu dejó una invitación clara: “No es el típico show de cantautor intenso. Hay momentos íntimos, pero también se canta y se ríe mucho”.Con una propuesta que combina sensibilidad, frescura y cercanía, la artista catalana desembarca en la Argentina con la promesa de generar un clima único.

La artista catalana Suu presenta su nuevo single y se prepara para una serie de shows en Buenos Aires, Rosario y La Plata. En diálogo con Filo.news, habló sobre la vulnerabilidad, la música como terapia y su vínculo con el público argentino.

La artista catalana Suu presenta su nuevo single y se prepara para una serie de shows en Buenos Aires, Rosario y La Plata. En diálogo con Filo.news, habló sobre la vulnerabilidad, la música como terapia y su vínculo con el público argentino.

Suu llega a la Argentina con “Los días como hoy” y una gira íntima por primera vez en Latinoamérica

Suu llega a la Argentina con “Los días como hoy” y una gira íntima

Luego de dos años de silencio, Santi Celli regresa con nueva música y lo hace acompañado por Ale Sergi. “Antisocial” es el primer adelanto de "Tranquilo", su próximo álbum de estudio, y una canción que pone el foco en la ansiedad social desde un lugar despreocupado, con una impronta pop que no pierde profundidad.El single marca el inicio de una nueva etapa para el artista, que decidió tomarse el tiempo necesario para pensar qué quería decir en un contexto atravesado por la inmediatez y la sobreinformación.<h4>Un parate necesario en tiempos de velocidad</h4>En diálogo con Filo.news, Celli explicó que el proceso detrás de este nuevo material estuvo atravesado por una decisión poco habitual en la industria actual: frenar.“Hoy los algoritmos son máquinas que hay que alimentar permanentemente. Tomar la decisión de no hacerlo implica asumir un costo”, reconoció. Sin embargo, priorizó el valor de su obra por sobre la exposición constante: “Cualquier cosa que saco es algo que le dejo al mundo, es mi huella. Por eso le tengo mucho respeto a lo que publico”.Ese tiempo le permitió correrse de la lógica de la inmediatez y enfocarse en una búsqueda más profunda: “Quería entender qué decir en una época como la que estamos viviendo ahora”.<h4>“Antisocial”: una colaboración natural</h4>Sobre el origen del single, Celli contó que la canción surgió de manera espontánea, con una identidad sonora muy clara desde el inicio. “Tenía un color que me llevaba directamente a Miranda!, una banda que conozco y me encanta. Además, con Ale somos amigos hace años”, explicó.La colaboración con Ale Sergi llegó en el momento justo: “No se la mandé hasta que la canción estuvo bien planteada. Cuando la escuchó, se sumó de una. Para mí es un privilegio enorme”.<h4>“Tranquilo”, un disco pensado como obra completa</h4>“Antisocial” será el único adelanto de "Tranquilo", un álbum que verá la luz a principios de mayo y que contará con ocho canciones, más un bonus track que se lanzará posteriormente.Lejos de la lógica de adelantar múltiples singles, Celli decidió preservar la experiencia del disco como unidad: “Todo el disco me tiene muy contento. Fue un proceso largo donde el tiempo ayudó a que las canciones se fueran filtrando naturalmente”.En cuanto al sonido, adelantó que si bien mantiene su esencia pop, explorará nuevos géneros: “Hay influencias de funky, R&amp;B y soul. Son cosas que escuché siempre pero que nunca había reinterpretado”.<h4>La honestidad emocional como eje</h4>Uno de los conceptos centrales de esta nueva etapa es la “honestidad emocional”, una idea que el propio artista destacó como clave en su proceso creativo.“En los últimos años muchos nos sentimos desconcertados con cómo funciona el mundo hoy, con la velocidad y la atención que le damos a todo”, reflexionó.En ese contexto, buscó evitar fórmulas automáticas: “No quería escribir canciones por oficio o por inercia. Quería hablar de cosas que realmente me importan, mirar para adentro y entender qué quiero mostrar hoy”.<h4>Lo que viene: música y escenarios</h4>De cara a 2026, Celli confirmó que el lanzamiento del disco será el punto de partida para una nueva etapa en vivo, aunque prefirió no adelantar demasiado sobre la agenda de shows.“Voy a salir a tocar, pero es un año particular. Prefiero ir paso a paso”, explicó. Mientras tanto, el foco está puesto en el estreno de "Tranquilo", un trabajo que, según adelantó, condensa dos años de búsqueda, introspección y crecimiento artístico.

El artista argentino lanzó el primer single de su próximo álbum, una canción que aborda la ansiedad social desde una mirada descontracturada. En diálogo con Filo.news, habló sobre el proceso creativo, el tiempo que se tomó para frenar y la búsqueda de una mayor honestidad emocional.

El artista argentino lanzó el primer single de su próximo álbum, una canción que aborda la ansiedad social desde una mirada descontracturada. En diálogo con Filo.news, habló sobre el proceso creativo, el tiempo que se tomó para frenar y la búsqueda de una mayor honestidad emocional.

Santi Celli presenta “Antisocial” junto a Ale Sergi y adelanta su nuevo disco “Tranquilo”

Santi Celli presenta “Antisocial” y adelanta su nuevo disco “Tranquilo”

Luego del impacto de su último álbum "Lo bello y lo roto", el cantautor español Beret redobla la apuesta con el lanzamiento de su nuevo single “Hablo de ti”, una canción que profundiza en las emociones que atraviesan el recuerdo de un amor que persiste en el tiempo.Producido por Pablo Cebrián, el tema se sumerge en esa sensación de vacío que deja una persona especial, incluso cuando la rutina intenta ocupar su lugar. Con una lírica introspectiva, el artista vuelve a explorar su sello distintivo: la vulnerabilidad emocional como motor creativo.Este lanzamiento llega en paralelo al “Tour Lo Bello y lo Roto”, la gira con la que el sevillano está recorriendo distintos escenarios del mundo y que en mayo tendrá su esperado paso por la Argentina.<h4>Un disco atravesado por la emoción y la resiliencia</h4>En conversación con Filo.news, Beret contó cómo fue el proceso detrás de su tercer álbum de estudio. Lejos de planificarlo como un proyecto cerrado, explicó que su método parte de la creación de canciones individuales.“Nunca premedito hacer un disco. Trabajo los singles y después busco un punto en común entre todos”, aseguró. En ese sentido, el concepto del álbum se construyó a partir de una mirada retrospectiva sobre los últimos años de su vida.El artista encontró ese hilo conductor en el arte del kintsugi, una técnica japonesa que repara objetos rotos resaltando sus grietas. “Habla mucho de ese mensaje resiliente, de recomponerte y tener incluso más valor”, explicó.El resultado es un álbum con 13 canciones que oscilan entre distintos estados emocionales: desde la inteligencia emocional hasta el desamor, sin perder la energía que caracteriza su sonido.<h4>El regreso a la Argentina: “La intensidad del público es única”</h4>Con una fuerte conexión con el público local, Beret confirmó su regreso al país con tres fechas: el 14 de mayo en Córdoba, el 16 en Buenos Aires y el 17 en Rosario. “Todos los años vuelvo a Argentina, ya sea de gira o de vacaciones. La intensidad positiva que maneja la gente acá es increíble”, destacó.Sobre el reencuentro, adelantó que el show será un recorrido completo por su carrera: “Voy a cantar desde las canciones más míticas hasta las más nuevas. No quiero dejar nada importante afuera”.Además, dejó abierta la puerta a posibles sorpresas: “Me gustaría llevar invitados y que la gente realmente flashee con eso”.<h4>Un show pensado para sentir y compartir</h4>Uno de los momentos que más expectativa le generan al artista tiene que ver con la reacción del público frente a sus nuevas canciones.“Tengo muchas ganas de escuchar a la gente cantando los temas nuevos. Es la mejor forma de saber si les ha gustado, verles las caras”, explicó, destacando la importancia del vivo como termómetro emocional.En esa línea, el tour promete ser una experiencia íntima y potente, con una puesta renovada que combina sus grandes éxitos como “Lo siento”, “Vuelve” y “Porfa No Te Vayas”, junto al material más reciente.<h4>Recuerdos, colaboraciones y lo que viene</h4>El vínculo de Beret con Argentina no es nuevo. A lo largo de los años, ha construido una relación cercana tanto con el público como con artistas locales.Entre sus colaboraciones, se destacan trabajos junto a María Becerra, además de otros referentes de la escena. También recordó sus viajes personales: “Siempre voy a Mar del Plata a veranear, ya fui dos años y la paso súper bien”.De cara a lo que resta de 2026, el cantante adelantó que seguirá apostando por nuevos lanzamientos: “Quiero sacar cuatro singles este año, colaboraciones brutales y una sorpresa muy grande que la gente no se espera”.Mientras tanto, su presente lo encuentra en uno de los momentos más sólidos de su carrera, con millones de reproducciones a nivel global y una identidad artística cada vez más definida.Con su regreso confirmado, Beret invita a sus fans argentinos a reencontrarse en una serie de shows que prometen emoción, cercanía y canciones para cantar a corazón abierto.

Tras el lanzamiento de su nuevo single, el artista español confirmó su regreso al país con tres shows en mayo. En diálogo con Filo.news, habló del proceso creativo de "Lo bello y lo roto", su vínculo con el público argentino y las sorpresas que prepara para el tour.

Tras el lanzamiento de su nuevo single, el artista español confirmó su regreso al país con tres shows en mayo. En diálogo con Filo.news, habló del proceso creativo de "Lo bello y lo roto", su vínculo con el público argentino y las sorpresas que prepara para el tour.

Beret vuelve a la Argentina: presenta “Hablo de ti” y adelanta sorpresas para su gira 2026

Beret vuelve a la Argentina: presenta “Hablo de ti” y adelanta sorpresas

“Disciplina, deseo y dirección”. Ese fue el título de la charla que reunió a Lali, BB Asul y Blair Bladdee en el marco de los "EQUAL Days" organizados por Spotify Argentina. Lejos de una charla técnica sobre la industria de la música, el encuentro se convirtió en conocer los procesos creativos que cada una de estas tres artistas atravesaron. Allí detallaron sobre los obstáculos, sus frustraciones, la decisión de no amoldarse a lo que esperan de ellas, el poder de la intuición y la importancia de aprender a decir que no cuando lo creen necesario.El lema de estos días fue "EQUAL es mucho más que una playlist" y así es. Es un espacio en el que se tiene la posibilidad de escuchar a colegas, personas que te inspiran, artistas, entre otras, contar sobre las dificultades que se atraviesan, en este caso, en la industria de la música.<h4>Los comienzos de la fantasía pop</h4>Si bien cada una de ellas tres llegó a la música desde lugares distintos, todas tuvieron el impulso de hacer música. De hecho, Blair contó entre risas que todo empezó desde una imagen muy clara: “fantasía de popstar tipo Hannah Montana”. En ese sentido, relató que el camino no fue inmediato porque en ese momento ella se encontraba estudiando diseño gráfico, pero que sí hubo una herramienta que la ayudó a dar el salto: el autotune. "A mí me daba vergüenza cantar y eso me ayudó para poder hacer mi primera canción".Por su parte, BB Asul recordó que su acercamiento se dio a partir de ver a otras artistas argentinas en la escena. De esa manera, mencionó a La Joaqui, Cazzu y hasta incluso a Lali, quien estaba sentada a su izquierda. "Me dio una noción que podía hacer eso, hacer canciones y cantarlas”. Además, su primer acercamiento a la composición también fue "casi accidental". Según contó, un día ella iba caminando por la calle cuando se encontró con unos amigos del secundario que le ofrecieron sumarse a la banda que tenían para hacer coros. Un día le dejaron hacer su propia canción: "No podía creer lo que me pasó cuando escribía", admitió. En ese momento se dio cuenta de su deseo y aseguró: "Los dejé a la mierda y me puse a hacer mis canciones".A su vez, todos conocemos cómo comenzó la carrera de Lali dentro del universo Cris Morena. En la charla ella rememoró esos años y afirmó: "Muy ladri, no tenía ninguna situación académica. Era una niña que bailaba frente al espejo y estaba conectada con la música por mi casa”.<h4>Seguir la intuición y aprender a decir "no"</h4>Uno de los ejes más repetidos durante la charla fue la intuición. Para las tres artistas, construir una carrera en la música implica tomar decisiones constantes y muchas veces incómodas. Sobre todo cuando el entorno propone caminos que no siempre coinciden con lo que una quiere hacer o hay un otro diciéndo por dónde deberían ir.“La intuición es todo. Se mezcla con el deseo y con el impulso de ir hacia un lugar”, explicó Lali. Para la artista, ese instinto es clave no solo al momento de crear música, sino también a la hora de elegir con quién trabajar o qué decisiones tomar dentro de un proyecto.Blair también se refirió a ese proceso interno que atraviesa cuando escribe canciones. “Para escribir hay que conectarse mucho con el presente de una. Preguntarse: ‘¿qué quiero ser yo hoy?’”, explicó. Y agregó: “Si te sentís incómoda, salí de ahí. Y divertite, que eso es lo más importante”.BB Asul coincidió en que la seguridad personal es fundamental para poder sostener una identidad artística en una industria donde constantemente aparecen opiniones externas. “Una tiene que encontrar seguridad en lo que quiere hacer, porque siempre va a venir alguien a decirte qué es lo mejor o lo que deberías hacer”, señaló. En ese sentido, destacó que una de las claves está en aprender a equilibrar la escucha con la convicción propia: “Hay un punto medio entre escuchar a los demás y tener la seguridad suficiente para decir que no cuando algo no te representa”.<h4>Tener una identidad artística propia</h4>Otro de los temas centrales del panel fue la construcción de una identidad artística. Las tres coincidieron en que ese proceso no es inmediato ni lineal: cambia con el tiempo, con las experiencias y con el crecimiento personal.Para BB Asul, entender qué quiere decir con su música fue algo que apareció recién con el paso de los años. “Recién ahora estoy empezando a entender por qué mis canciones dicen lo que dicen y qué quiero expresar con ellas”, contó. Durante mucho tiempo, explicó, simplemente se dejó llevar por el impulso creativo. “Antes hacía lo que me salía, lo que me pintaba, y también creo que eso está bien. Pero entenderse a una misma es un camino”.En el caso de Blair, la construcción de un proyecto artístico muchas veces empieza desde lo visual. “Yo suelo imaginar los videoclips antes que las letras”, contó. En su último disco, explicó, pensó el proyecto como una historia completa: “Sabía que tenía un principio, un nudo y un desenlace. Tener claro ese recorrido me ayudó a entender hacia dónde iba todo”.<h4>Una era atravesada por redes sociales</h4>En un contexto donde las redes sociales son parte fundamental de la difusión musical, las artistas también reflexionaron sobre la exposición y la relación con el público. Para BB Asul, uno de los aprendizajes más importantes fue perder el miedo a mostrar su trabajo. “Aprendí que no tiene que darme vergüenza compartir lo que hago todas las veces que sea necesario”, dijo. Según explicó, muchas veces existe una idea instalada de que insistir no es “cool”. Sin embargo, ella lo ve de otra manera: “Si estás orgullosa de lo que estás haciendo, hay que mostrarlo. Las redes están para eso”.Lali, por su parte, puso el foco en otro aspecto del mundo digital: la cantidad de opiniones que circulan constantemente. “Hay tanto consejo en redes que a veces se vuelve peligroso. Es raro cómo nos movemos en un mundo donde scrolleás y parece que todo el mundo tiene la verdad sobre algo”, reflexionó. En ese contexto, aseguró que confiar en el propio criterio se vuelve casi un acto de resistencia: “Hacer las cosas a tu manera hoy es casi contracultural”.<h4>Las malas decisiones y la frustración</h4>Lali compartió una experiencia que marcó su forma de trabajar dentro de la industria. Durante un tiempo participó de campamentos de composición en Estados Unidos, una práctica común en el pop internacional. Sin embargo, el resultado no fue el esperado.“No me sirvió ir a hacer camps en Miami con gente que no conocía. Fue una situación muy frustrante”, contó. “Entrar a un estudio y que alguien te tire una letra que podría cantar cualquiera, en ese momento me daba vergüenza decir que no”.La experiencia le permitió entender qué tipo de proceso creativo quería para su música. “Me sirvió para darme cuenta de que quería hacer mis discos en Buenos Aires, con gente en la que confío”, explicó. En ese sentido, también habló sobre la importancia de cuidar el núcleo creativo de un proyecto. “Hay que cuidar la mesa chica creativa, porque todo sale del corazón del proyecto”, señaló.<h4>Aceptar las contradicciones y el éxito</h4>En una época atravesada por las redes sociales y la exposición constante, sostuvo que muchas veces parece que no hay espacio para equivocarse, cambiar de opinión o simplemente pensar en voz alta. Sin embargo, para ella, el proceso creativo también implica aceptar esas tensiones.<blockquote>“A los artistas que me gustan los vi ser personas. A esta época me interesa pensarla: vivir te transforma en alguien contradictorio. En esta época no nos permitimos nuestras contradicciones, no nos perdonamos hablar en un micrófono y decir una burrada, como si todos fuéramos Einstein. Hay miedo a decir, a pensar, a expresar un deseo, porque parece que estamos signados por la cancelación”.</blockquote>Para la artista, aceptar esa complejidad también se refleja en la forma en la que se construyen los discos. En ese sentido, explicó que sus proyectos musicales están atravesados tanto por su deseo personal como por el contexto en el que surgen. “Mi último álbum está signado por lo que yo tenía ganas de hacer, pero también por el contexto. Me gusta sentir que además de cumplir mi deseo, estoy entregando algo que tiene que ver con su época. Poder mirar para atrás y decir: ‘este disco pertenece al momento en el que salió’”, contóEn ese mismo análisis apareció otro tema que, según señaló, todavía resulta incómodo de poner sobre la mesa: el dinero y el crecimiento de los proyectos artísticos. En el marco de una conversación atravesada por el feminismo y la industria musical, remarcó que muchas veces a las mujeres les cuesta hablar abiertamente de ese crecimiento.“El dinero es un tema en el feminismo. Cuando un proyecto crece una se aferra mucho a lo que construyó y cuesta hablar de que creció, de que genera dinero y de que con ese dinero se puede dar trabajo a muchas personas”.Incluso, hizo referencia a la hora de tener que tomar decisiones que determinan tu carrera, como fue en su caso sacar "Fanático" como primer corte de su último álbum: "Me decían que era muy violento". Sin embargo, a pesar de eso ella pidió que confiraran en su criterio porque el hecho de sacar ese tema, teniendo en cuenta el contexto y el crecimiento del proyecto musical de Lali, "era un statement".En fin. Lo que apareció una y otra vez en las intervenciones de Lali Espósito, BB Asul y Blair Bladdee fue una forma de pensar el trabajo creativo atravesada por la intuición, el deseo y también por las dudas, los errores y las incomodidades que inevitablemente aparecen en el camino.En ese sentido, encuentros como los EQUAL Days funcionan como algo más que un panel o una charla abierta: son instancias donde las experiencias se comparten, se ponen en palabras procesos que muchas veces quedan invisibles y, sobre todo, se habilita una conversación necesaria sobre el lugar que ocupan hoy las mujeres en la música.

Las tres artistas participaron del panel “Disciplina, deseo y dirección” en Casa Spotify, donde compartieron sus procesos creativos, los obstáculos de la industria y la importancia de confiar en la intuición para construir una carrera propia.

Las tres artistas participaron del panel “Disciplina, deseo y dirección” en Casa Spotify, donde compartieron sus procesos creativos, los obstáculos de la industria y la importancia de confiar en la intuición para construir una carrera propia.

Lali, BB Asul y Blair Bladdee en los EQUAL Days: "el desafío de no ser lo que esperan de mí"

Lali, BB Asul y Blair Bladdee en los EQUAL Days

Gabriel García Márquez cumpliría hoy 99 años. El escritor colombiano nació en Aracataca (Magdalena) el 6 de marzo de 1927. En este nuevo recuerdo de su natalicio no vamos a hablar sobre sus obras más conocidas, como pueden ser "Cien Años de Soledad" o "Crónicas de una muerte anunciada" o "El amor en tiempos de cólera", sino que más bien me interesa hablar sobre el vínculo del colombiano con Argentina.&nbsp;Hubo, entre sus obras, un artículo que le costó bastantes controversias. Escribir un año después las Malvinas lo conectó directamente al territorio del sur del mundo en un acto que demostró que la escritura fue un acto político. Incluso, eso también lo dejó claro el día que mencionó la lucha de las Abuelas y Madres de Plaza de Mayo cuando ganó el Premio Nobel de la Literatura.<h4>El libro que lo unió a Buenos Aires</h4>Pero vamos por el principio. Se podría decir que el primer vínculo de Gabriel García Márquez con Argentina fue con el libro que lo catapultó al éxito. Fue la editorial argentina Sudamericana la que terminó de imprimir "Cien Años de Soledad" el 30 de mayo de 1967. El libro forma parte de la literatura universal, fue traducido a más de 35 idiomas y vendió millones de ejemplares a lo largo y ancho de todo el mundo.Incluso, la llegada del libro a la editorial argentina tiene una historia interesante. En una entrevista el colombiano contó que una vez terminada la obra corrió al correo junto a su esposa, Mercedes Barcha, para enviar el borrador a Buenos Aires. Sin embargo, se encontraron con un obstáculo y es que no les alcanzaba para pagar el flete. Es por eso que decidieron mandar una parte, pero cuando se dieron cuenta habían enviado la última y no la primera. Por suerte, Francisco “Paco” Porrúa, editor de Sudamericana, quedó tan ansioso por leer el principio del libro que les anticipó el dinero para que pudieran enviarlo.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DD7zQ7kPMU4/?utm_source=ig_web_copy_link"></oembed></figure><h4>Doce días en Buenos Aires</h4>Así fue que Gabriel García Márquez empezaba a construir una relación con Buenos Aires. De hecho, visitó la ciudad por primera y única vez en agosto de 1967. Aterrizó en Ezeiza junto a su esposa en un avión que procedía desde México. Cuando llegaron fueron recibidos por Porrúa y así comenzaron con un viaje, que no tenía como objetivo promocionar "Cien Años de Soledad", sino que el colombiano había sido invitado a participar como jurado de un premio compartido por Sudamericana y la revista Panorama.Fueron 12 días en los que estuvo en Argentina. Realizó una sesión de fotos comandada por la argentina Sara Facio, fue al teatro, comió asado y aunque se dice que pasó un gran tiempo decidió no volver nunca más al país. ¿Por que? Los rumores dicen que se trataba de un tipo muy supersticioso, por lo que solía decir que si en Buenos Aires el éxito lo había elegido, allí también podría abandonarlo.Sin embargo, la reconocida fotógrafa argentina contó que una noche de 1974 comiendo juntos en la casa de Julio Cortázar en París, le preguntó al colombiano por qué no había regresado nunca a Argentina y que le contestó entre risas: "No vuelvo porque me comen". Según Facio, García Márquez decía que tenía miedo de que se lo comieran porque cobraba los derechos de autor. De esa manera, argumentó que sabía cuánto se vendían sus libros y todo lo que lo querían los argentinos. Ante esta respuesta la argentina le aseguró: "Vení, no te vamos a comer, pero si te vamos a llenar de besos".<h4>El Nobel y la denuncia sobre los desaparecidos</h4>Por otro lado, la implicación de García Márquez con la Argentina no era solo desde la literatura. De hecho, cuando recibió el Premio Nobel de la Literatura en octubre de 1982, el colombiano reclamó por los nietos apropiados durante la vigente dictadura argentina.En ese sentido, manifestó: "Los desaparecidos por motivos de represión son casi 120.000, que es como si hoy no se supiera dónde están todos los habitantes de Upsala". A lo que continuó con su denuncia: "Numerosas mujeres arrestadas embarazadas dieron a luz en cárceles argentinas, pero aún se ignora el paradero y la identidad de sus hijos, que fueron dados en adopción clandestina o internados en orfanatos por las autoridades militares".Se trataba, además, de un momento histórico para los Derechos Humanos y también tiempos en los que el reclamo de las Abuelas y Madres de Plaza de Mayo ya estaba recorriendo todo el mundo.<h4>La polémica por Malvinas</h4>Pero su vínculo con Argentina no siempre fue visto con buenos ojos. Tuvo un texto que le pudo traer alguna que otra controversia por lo que narraba. Se trató de "Las Malvinas, un año después". El artículo fue publicado en el diario El País de España en abril de 1983. Allí el colombiano cuenta algunos rumores que circulaban sobre el conflicto bélico entre Argentina e Inglaterra.En ese texto el colombiano relata que "revistas inglesas y norteamericanas celebraron este dos de abril el primer aniversario de la aplastante victoria británica", a lo que agrega: "me parece injusto que en la misma ocasión no se oiga una voz indignada de la América Latina que muestre algunos de los aspectos inhumanos e irritantes del otro lado de la medalla: la derrota argentina".Quienes criticaron a García Márquez por este texto argumentan que el colombiano expone algunas cifras que no están publicadas de manera oficial, como números de suicidios, el uso de drogas en soldados, violaciones, castrados, etc. La crítica va directamente hacia el lugar de "de dónde el escritor saca esas cifras". Sin embargo, el colombiano alegó que recibía cartas de exiliados que le contaban estas historias "terroríficas".A pesar de este texto mencionado, no se puede evitar decir que el colombiano tuvo una relación de interés para con Argentina, si bien solo nos visitó una vez, en su controversial texto volvió a hacer referencia al reclamo por los desaparecidos en dictadura: "Nunca me parecerá superfluo preguntar otra vez y mil veces más —junto a las madres de la Plaza de Mayo— dónde están los ocho mil, los diez mil, los quince mil desaparecidos de la década anterior".Gabriel García Márquez murió el 17 de abril de 2014 en Ciudad de México. Pero antes, tras algunos años de silencio, en 2002, presentó la primera parte de sus memorias, "Vivir para contarla", en la que repasa los primeros treinta años de su vida. Luego, dos años después, vio la luz la que iba a ser su última novela, "Memorias de mis putas tristes".

Visitó Argentina solo una vez. Pero su vínculo con el país no solo incluye la publicación de "Cien años de soledad", también hay una polémica por la guerra de Malvinas y un recordado apoyo al reclamo de las Abuelas y Madres de Plaza de Mayo.

Visitó Argentina solo una vez. Pero su vínculo con el país no solo incluye la publicación de "Cien años de soledad", también hay una polémica por la guerra de Malvinas y un recordado apoyo al reclamo de las Abuelas y Madres de Plaza de Mayo.

99 años de Gabriel García Márquez: su único viaje a Buenos Aires, un artículo de Malvinas y el reclamo por los desaparecidos

A 99 años de Gabriel García Márquez: Buenos Aires, Malvinas y los desaparecidos

Ramma y Cindy Cats presentaron su Spotify Session exclusiva, ya disponible en la plataforma, y lo hicieron desde un lugar poco habitual en la industria: el de la creación compartida, la experimentación y la libertad total. Tras la primera edición protagonizada por Peces Raros, esta nueva entrega suma voces fundamentales de la escena argentina actual y refuerza el espíritu del formato.Grabada en Casa Spotify, la sesión reúne a Ramma como artista, a Cindy Cats en la dirección musical y a Michel Hamonet en la dirección visual, conformando la tríada creativa que define a Spotify Sessions: reinterpretar cinco canciones desde una mirada sonora y estética completamente nueva.<h4>Una invitación a crear, sin fórmulas</h4>La colaboración nació a partir de una invitación directa de Spotify. “Querían hacer esta colaboración, este tridente de dirección de cámaras, de film, dirección de música y artista. Nos invitaron a crear un momento para ver re lindo”, contó Cindy Cats sobre el origen del proyecto.La elección de Ramma no fue casual. Durante el proceso de brainstorming, la banda sintió que su música ofrecía un terreno amplio para explorar. “Sabíamos que íbamos a tener una paleta grande de posibilidades, tanto por las canciones de Ramma como por sus aptitudes musicales. Era un planazo”, explicaron.<h4>Admiración mutua y química creativa</h4>Para Ramma, la propuesta tuvo un componente emocional fuerte. “Para mí fue un honor. A los chicos los conozco hace un montón, desde antes de que ellos me conozcan a mí. Siempre los tuve muy arriba”, confesó el artista nacido en Trelew.Esa admiración previa se tradujo en un trabajo intenso y comprometido. “Fue darlo todo. Teníamos muchas posibilidades de hacer un montón de cosas, y el desafío fue ordenar todo para que salga así de linda”, agregó.<h4>Escuchar, compartir y elegir juntos</h4>El proceso creativo se apoyó en el encuentro constante: largas escuchas, comidas compartidas e intercambio de ideas. “Estuvimos mucho escuchando música juntos, juntándonos a comer, a tirar ideas. Queríamos mostrar todas las facetas de Ramma, porque su paleta de colores es muy amplia”, explicaron desde Cindy Cats.Ese trabajo colectivo funcionó como un filtro para elegir las canciones que finalmente integran la sesión, buscando representar el universo completo del artista.<h4>Una mirada visual que nace del sonido</h4>Desde lo visual, Michel Hamonet destacó el carácter colaborativo del proyecto. “Hubo muchas ideas en la mesa que fuimos rotando. A veces alguien traía una referencia, después se combinaba con una paleta de colores, o un sonido inspiraba lo visual”, detalló.Según el director, el vínculo previo que se fue construyendo facilitó el resultado final. “Tuvimos muchas reuniones, ya nos conocíamos un montón y todo fue más fácil. Hubo mucha sinergia y en el producto final eso se nota”.<h4>Un trabajo intenso, pero disfrutable</h4>La magnitud del proyecto también se reflejó en el equipo involucrado. “Éramos 56 personas en cada reunión. Fue un laburo intenso, pero re lindo”, remarcaron desde Cindy Cats, quienes destacaron la importancia de construir una imagen sólida que acompañe a las canciones.Hamonet coincidió en que el proceso abrió nuevas formas de trabajar: “Tal vez nunca había pensado lo musical y lo visual de esta manera. Fue pura experimentación y búsqueda de algo diferencial”.<h4>Presente y futuro de los protagonistas</h4>Mientras celebra el lanzamiento de la Spotify Session, Ramma ya piensa en lo que viene. “Este año quiero seguir con una pata más musical, más pianito, más composición. Se viene mucha música y giras. Lo más musical que hice hasta ahora va a salir este año”, adelantó.Cindy Cats, por su parte, arrancó el año con múltiples proyectos: nuevas fechas en Buenos Aires, regreso a España y material en camino. “Siempre hay algo en silencio que cuando salga va a ser lo más fuerte de la Cindy”, anticiparon.Michel Hamonet también proyecta expandir este cruce de lenguajes: “Estoy pensando cómo traer todo este mundo de la música a lo cinematográfico”.<h4>Tracklist – Spotify Session Ramma x Cindy Cats</h4>“algún día”“Nostalgia”“Bicho de Ciudad” (cover de Los Piojos)“cuando pase la tormenta”“PUTAS”La Spotify Session Ramma x Cindy Cats ya está disponible en Spotify. Las canciones pueden escucharse en la plataforma, mientras que los usuarios Premium acceden a la experiencia completa en formato audiovisual.

Grabada en Casa Spotify y dirigida visualmente por Michel Hamonet, la Spotify Session de Ramma junto a Cindy Cats propone una experiencia audiovisual íntima y potente, donde la improvisación, el cruce de universos y el trabajo colectivo fueron clave.

Grabada en Casa Spotify y dirigida visualmente por Michel Hamonet, la Spotify Session de Ramma junto a Cindy Cats propone una experiencia audiovisual íntima y potente, donde la improvisación, el cruce de universos y el trabajo colectivo fueron clave.

Ramma y Cindy Cats estrenaron su Spotify Session: una colaboración sin reglas, jam y libertad creativa

Ramma y Cindy Cats estrenaron su Spotify Session

El origen de Qotzuñi no responde a una producción tradicional. El proyecto comenzó de manera casi fortuita, durante un viaje de fotografía documental por Bolivia, con el objetivo de registrar historias de comunidades afectadas por el cambio climático y el sobre desarrollo humano. En ese recorrido, la casualidad y las redes de colaboración marcaron el rumbo.Un contacto clave fue Jordan Salama, cuyo hermano se encontraba realizando una investigación académica en una comunidad indígena afectada por la desaparición total de un lago. Ese lago era el Poopó, que supo ser el segundo más grande de Bolivia y que, en la última década, se secó por completo.Lo que inicialmente parecía una historia sobre una catástrofe ambiental, pronto reveló una dimensión mucho más profunda.<h4>Más que la sequía: identidad y pertenencia</h4>En diálogo con Filo.news, uno de sus directores, Gastón Zilberman, explicó que durante el trabajo de campo, el equipo entendió que el eje del relato no era únicamente cómo se secó el lago, sino la relación estructural que la comunidad indígena Uru mantenía con él. Los Uru se autodenominan “la gente del lago”: su alimentación, su trabajo y su identidad cultural estaban íntimamente ligados a ese ecosistema hoy desaparecido.El documental pone el foco en esa conexión perdida. Para la comunidad, el lago era “su madre y su padre”. Su desaparición no solo transformó el paisaje, sino también la forma de vida y la autopercepción de quienes habitaban sus orillas, que hoy se sienten huérfanos.<h4>Un relato construido con la comunidad</h4>Desde el inicio, Qotzuñi se pensó como un proyecto colaborativo. La comunidad participó activamente en la construcción del relato: decidió a quién entrevistar, dónde filmar y de qué manera contar su propia historia. El productor del cortometraje fue Florencio Inocente Aguilar, máxima autoridad de la comunidad, quien ofició como guía y nexo con los distintos testimonios.Una de las decisiones centrales fue prescindir de voces expertas externas. No hay científicos ni especialistas frente a cámara. La historia está narrada exclusivamente por los propios habitantes, en primera persona, dando cuenta de su vínculo con el lago y de cómo tuvieron que adaptarse a su desaparición.<h4>Cambio climático, minería y consecuencias globales</h4>El documental también expone las múltiples causas detrás del desastre ambiental: la sequía inducida por el cambio climático, el desvío de agua para la minería y la agricultura, y la contaminación de los suelos producto de los desechos mineros. Factores que, combinados, aceleraron la desaparición de un cuerpo de agua de dimensiones colosales.En apenas 13 minutos, Qotzuñi logra condensar una problemática local que interpela a escala global. “Este lago no se les secó solo a ellos, se nos secó a todos”, plantea el director y ese es el mensaje central de la película, que también funciona como una crítica directa al negacionismo climático.<h4>Impacto real y camino a los Oscar</h4>Filmado en apenas dos semanas, el cortometraje ya fue exhibido en más de 19 países y permitió algo poco habitual: convertir la visibilidad en acción concreta. A partir de las proyecciones, el equipo logró reunir fondos para desarrollar, junto a la comunidad, emprendimientos familiares como alternativas económicas sostenibles, evitando que los habitantes deban trabajar en las mismas minas que contribuyeron a la desaparición del lago.Qotzuñi, dirigido por los jóvenes argentinos Gastón Zilberman y Michael Salama en colaboración con la Nación Originaria Uru del Lago Poopó, fue preseleccionado para los Premios Oscar 2026 y se encuentra oficialmente en carrera hacia la nominación. Actualmente, el proyecto impulsa una campaña internacional para ampliar su difusión y sumar aliados estratégicos que potencien su impacto cultural y social.

Dirigido por Gastón Zilberman y Michael Salama, el cortometraje documental narra en primera persona el impacto del cambio climático y la minería sobre la Nación Originaria Uru del Lago Poopó. La película ya se proyectó en más de 19 países y busca ampliar su impacto social y cultural.

Dirigido por Gastón Zilberman y Michael Salama, el cortometraje documental narra en primera persona el impacto del cambio climático y la minería sobre la Nación Originaria Uru del Lago Poopó. La película ya se proyectó en más de 19 países y busca ampliar su impacto social y cultural.

“Qotzuñi”: el documental argentino que visibiliza la desaparición de un lago en Bolivia

El cineasta y artista visual estadounidense Angelo Madsen visita por primera vez la Argentina para presentar su obra y compartir su mirada sobre el cine contemporáneo, la creación colectiva y la potencia política de la cultura. Con una filmografía que cruza documental, performance e investigación personal, el realizador se convirtió en una de las voces más singulares del cine experimental actual.Aunque suele ser presentado como director, artista y también profesor, Madsen evita encasillarse. “Generalmente digo que soy cineasta y artista visual. A veces soy profesor”, dice entre risas. Su vínculo con el cine tampoco nació desde la cinefilia clásica, sino desde la práctica: “Mi amor por el cine llegó cuando empecé a hacer mis propias películas en la universidad. Me enamoré del proceso de edición: la forma en que podés mover el tiempo y crear una sensibilidad completamente diferente sobre cómo funciona”.Esa relación libre con el lenguaje audiovisual también explica su manera de crear. Madsen no se piensa como un narrador tradicional ni trabaja desde estructuras lineales: “Sigo lo que me interesa y me mantengo cerca de lo que conozco. No me considero un storyteller. Me interesan las ideas y las relaciones. Contar una historia me resulta prescriptivo, como si siguiera una fórmula. Cuando comparto ideas me siento más libre”.Su paso por Argentina no solo estará marcado por proyecciones, sino también por el encuentro con el público. Para Madsen, la experiencia colectiva en una sala tiene un valor irremplazable: “Cualquier oportunidad de que públicos en vivo experimenten una obra juntos es una bendición. Pero hoy, más que nunca, los artistas tenemos que trabajar el doble para poner en primer plano la importancia de la cultura y la diferencia”.Sobre esta primera visita al país, asegura que prefiere evitar idealizaciones: “No conozco Argentina y soy escéptico de los superlativos. Pero estoy entusiasmado por mi primer viaje y seguro de que su público es encantador”.Sin grandes expectativas porque “llevan a decepciones”, el director espera encontrarse con artistas, hacedores culturales y nuevas amistades. “Quiero tener conversaciones productivas sobre el trabajo y la vida”, resume.Con una obra que combina la experimentación formal y la búsqueda identitaria, Madsen llega para abrir preguntas más que para responderlas. Y quizás ahí radica la marca más potente de su cine: invitar a pensar sin necesidad de explicarlo todo.<h4>FAQ8 comienza con una tarde de juego, música y cultura queer</h4>Este 6 de diciembre a las 17, FAQ abre su nueva edición con Queer Ping Pong, un evento participativo que mezcla ping pong, baile, cultura queer y música electrónica. Como parte de su espíritu de experimentación, este año la actividad se realiza en el CETC – Centro de Experimentación del Teatro Colón, un espacio que acompaña la propuesta exploratoria del festival.Gracias al apoyo del Goethe-Institut, Queer Ping Pong llega por primera vez a Buenos Aires con su creadora Yeşim Duman, curadora y gestora cultural, junto a la pole performer DJ FRZNTE (Franziska Zahl, una de las figuras más destacadas de la escena club berlinesa) y las DJs locales Gogó Dansey y DJ Squirt.A diferencia de la lógica nocturna de la cultura de club, Queer Ping Pong propone un encuentro diurno, lúdico y comunitario: una tarde de tenis de mesa, sets de DJ, partidos de singles y dobles, rondas rotativas y un torneo para quienes se animen. Las paletas y pelotas serán provistas, aunque quienes quieran pueden llevar su propio equipo.De gira por primera vez en Latinoamérica, la propuesta sostiene un formato no competitivo, con una única categoría y centrado en la diversión, la integración y el encuentro. La entrada es libre y gratuita.

El cineasta y artista visual estadounidense visita el país por primera vez y reflexiona sobre su relación con el cine, el proceso creativo y la importancia de la cultura en tiempos de incertidumbre.

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