Luego de dos años de silencio, Santi Celli regresa con nueva música y lo hace acompañado por Ale Sergi. “Antisocial” es el primer adelanto de "Tranquilo", su próximo álbum de estudio, y una canción que pone el foco en la ansiedad social desde un lugar despreocupado, con una impronta pop que no pierde profundidad.El single marca el inicio de una nueva etapa para el artista, que decidió tomarse el tiempo necesario para pensar qué quería decir en un contexto atravesado por la inmediatez y la sobreinformación.<h4>Un parate necesario en tiempos de velocidad</h4>En diálogo con Filo.news, Celli explicó que el proceso detrás de este nuevo material estuvo atravesado por una decisión poco habitual en la industria actual: frenar.“Hoy los algoritmos son máquinas que hay que alimentar permanentemente. Tomar la decisión de no hacerlo implica asumir un costo”, reconoció. Sin embargo, priorizó el valor de su obra por sobre la exposición constante: “Cualquier cosa que saco es algo que le dejo al mundo, es mi huella. Por eso le tengo mucho respeto a lo que publico”.Ese tiempo le permitió correrse de la lógica de la inmediatez y enfocarse en una búsqueda más profunda: “Quería entender qué decir en una época como la que estamos viviendo ahora”.<h4>“Antisocial”: una colaboración natural</h4>Sobre el origen del single, Celli contó que la canción surgió de manera espontánea, con una identidad sonora muy clara desde el inicio. “Tenía un color que me llevaba directamente a Miranda!, una banda que conozco y me encanta. Además, con Ale somos amigos hace años”, explicó.La colaboración con Ale Sergi llegó en el momento justo: “No se la mandé hasta que la canción estuvo bien planteada. Cuando la escuchó, se sumó de una. Para mí es un privilegio enorme”.<h4>“Tranquilo”, un disco pensado como obra completa</h4>“Antisocial” será el único adelanto de "Tranquilo", un álbum que verá la luz a principios de mayo y que contará con ocho canciones, más un bonus track que se lanzará posteriormente.Lejos de la lógica de adelantar múltiples singles, Celli decidió preservar la experiencia del disco como unidad: “Todo el disco me tiene muy contento. Fue un proceso largo donde el tiempo ayudó a que las canciones se fueran filtrando naturalmente”.En cuanto al sonido, adelantó que si bien mantiene su esencia pop, explorará nuevos géneros: “Hay influencias de funky, R&amp;B y soul. Son cosas que escuché siempre pero que nunca había reinterpretado”.<h4>La honestidad emocional como eje</h4>Uno de los conceptos centrales de esta nueva etapa es la “honestidad emocional”, una idea que el propio artista destacó como clave en su proceso creativo.“En los últimos años muchos nos sentimos desconcertados con cómo funciona el mundo hoy, con la velocidad y la atención que le damos a todo”, reflexionó.En ese contexto, buscó evitar fórmulas automáticas: “No quería escribir canciones por oficio o por inercia. Quería hablar de cosas que realmente me importan, mirar para adentro y entender qué quiero mostrar hoy”.<h4>Lo que viene: música y escenarios</h4>De cara a 2026, Celli confirmó que el lanzamiento del disco será el punto de partida para una nueva etapa en vivo, aunque prefirió no adelantar demasiado sobre la agenda de shows.“Voy a salir a tocar, pero es un año particular. Prefiero ir paso a paso”, explicó. Mientras tanto, el foco está puesto en el estreno de "Tranquilo", un trabajo que, según adelantó, condensa dos años de búsqueda, introspección y crecimiento artístico.

El artista argentino lanzó el primer single de su próximo álbum, una canción que aborda la ansiedad social desde una mirada descontracturada. En diálogo con Filo.news, habló sobre el proceso creativo, el tiempo que se tomó para frenar y la búsqueda de una mayor honestidad emocional.

El artista argentino lanzó el primer single de su próximo álbum, una canción que aborda la ansiedad social desde una mirada descontracturada. En diálogo con Filo.news, habló sobre el proceso creativo, el tiempo que se tomó para frenar y la búsqueda de una mayor honestidad emocional.

Santi Celli presenta “Antisocial” junto a Ale Sergi y adelanta su nuevo disco “Tranquilo”

Santi Celli presenta “Antisocial” y adelanta su nuevo disco “Tranquilo”

Luego del impacto de su último álbum "Lo bello y lo roto", el cantautor español Beret redobla la apuesta con el lanzamiento de su nuevo single “Hablo de ti”, una canción que profundiza en las emociones que atraviesan el recuerdo de un amor que persiste en el tiempo.Producido por Pablo Cebrián, el tema se sumerge en esa sensación de vacío que deja una persona especial, incluso cuando la rutina intenta ocupar su lugar. Con una lírica introspectiva, el artista vuelve a explorar su sello distintivo: la vulnerabilidad emocional como motor creativo.Este lanzamiento llega en paralelo al “Tour Lo Bello y lo Roto”, la gira con la que el sevillano está recorriendo distintos escenarios del mundo y que en mayo tendrá su esperado paso por la Argentina.<h4>Un disco atravesado por la emoción y la resiliencia</h4>En conversación con Filo.news, Beret contó cómo fue el proceso detrás de su tercer álbum de estudio. Lejos de planificarlo como un proyecto cerrado, explicó que su método parte de la creación de canciones individuales.“Nunca premedito hacer un disco. Trabajo los singles y después busco un punto en común entre todos”, aseguró. En ese sentido, el concepto del álbum se construyó a partir de una mirada retrospectiva sobre los últimos años de su vida.El artista encontró ese hilo conductor en el arte del kintsugi, una técnica japonesa que repara objetos rotos resaltando sus grietas. “Habla mucho de ese mensaje resiliente, de recomponerte y tener incluso más valor”, explicó.El resultado es un álbum con 13 canciones que oscilan entre distintos estados emocionales: desde la inteligencia emocional hasta el desamor, sin perder la energía que caracteriza su sonido.<h4>El regreso a la Argentina: “La intensidad del público es única”</h4>Con una fuerte conexión con el público local, Beret confirmó su regreso al país con tres fechas: el 14 de mayo en Córdoba, el 16 en Buenos Aires y el 17 en Rosario. “Todos los años vuelvo a Argentina, ya sea de gira o de vacaciones. La intensidad positiva que maneja la gente acá es increíble”, destacó.Sobre el reencuentro, adelantó que el show será un recorrido completo por su carrera: “Voy a cantar desde las canciones más míticas hasta las más nuevas. No quiero dejar nada importante afuera”.Además, dejó abierta la puerta a posibles sorpresas: “Me gustaría llevar invitados y que la gente realmente flashee con eso”.<h4>Un show pensado para sentir y compartir</h4>Uno de los momentos que más expectativa le generan al artista tiene que ver con la reacción del público frente a sus nuevas canciones.“Tengo muchas ganas de escuchar a la gente cantando los temas nuevos. Es la mejor forma de saber si les ha gustado, verles las caras”, explicó, destacando la importancia del vivo como termómetro emocional.En esa línea, el tour promete ser una experiencia íntima y potente, con una puesta renovada que combina sus grandes éxitos como “Lo siento”, “Vuelve” y “Porfa No Te Vayas”, junto al material más reciente.<h4>Recuerdos, colaboraciones y lo que viene</h4>El vínculo de Beret con Argentina no es nuevo. A lo largo de los años, ha construido una relación cercana tanto con el público como con artistas locales.Entre sus colaboraciones, se destacan trabajos junto a María Becerra, además de otros referentes de la escena. También recordó sus viajes personales: “Siempre voy a Mar del Plata a veranear, ya fui dos años y la paso súper bien”.De cara a lo que resta de 2026, el cantante adelantó que seguirá apostando por nuevos lanzamientos: “Quiero sacar cuatro singles este año, colaboraciones brutales y una sorpresa muy grande que la gente no se espera”.Mientras tanto, su presente lo encuentra en uno de los momentos más sólidos de su carrera, con millones de reproducciones a nivel global y una identidad artística cada vez más definida.Con su regreso confirmado, Beret invita a sus fans argentinos a reencontrarse en una serie de shows que prometen emoción, cercanía y canciones para cantar a corazón abierto.

Tras el lanzamiento de su nuevo single, el artista español confirmó su regreso al país con tres shows en mayo. En diálogo con Filo.news, habló del proceso creativo de "Lo bello y lo roto", su vínculo con el público argentino y las sorpresas que prepara para el tour.

Tras el lanzamiento de su nuevo single, el artista español confirmó su regreso al país con tres shows en mayo. En diálogo con Filo.news, habló del proceso creativo de "Lo bello y lo roto", su vínculo con el público argentino y las sorpresas que prepara para el tour.

Beret vuelve a la Argentina: presenta “Hablo de ti” y adelanta sorpresas para su gira 2026

Beret vuelve a la Argentina: presenta “Hablo de ti” y adelanta sorpresas

“Disciplina, deseo y dirección”. Ese fue el título de la charla que reunió a Lali, BB Asul y Blair Bladdee en el marco de los "EQUAL Days" organizados por Spotify Argentina. Lejos de una charla técnica sobre la industria de la música, el encuentro se convirtió en conocer los procesos creativos que cada una de estas tres artistas atravesaron. Allí detallaron sobre los obstáculos, sus frustraciones, la decisión de no amoldarse a lo que esperan de ellas, el poder de la intuición y la importancia de aprender a decir que no cuando lo creen necesario.El lema de estos días fue "EQUAL es mucho más que una playlist" y así es. Es un espacio en el que se tiene la posibilidad de escuchar a colegas, personas que te inspiran, artistas, entre otras, contar sobre las dificultades que se atraviesan, en este caso, en la industria de la música.<h4>Los comienzos de la fantasía pop</h4>Si bien cada una de ellas tres llegó a la música desde lugares distintos, todas tuvieron el impulso de hacer música. De hecho, Blair contó entre risas que todo empezó desde una imagen muy clara: “fantasía de popstar tipo Hannah Montana”. En ese sentido, relató que el camino no fue inmediato porque en ese momento ella se encontraba estudiando diseño gráfico, pero que sí hubo una herramienta que la ayudó a dar el salto: el autotune. "A mí me daba vergüenza cantar y eso me ayudó para poder hacer mi primera canción".Por su parte, BB Asul recordó que su acercamiento se dio a partir de ver a otras artistas argentinas en la escena. De esa manera, mencionó a La Joaqui, Cazzu y hasta incluso a Lali, quien estaba sentada a su izquierda. "Me dio una noción que podía hacer eso, hacer canciones y cantarlas”. Además, su primer acercamiento a la composición también fue "casi accidental". Según contó, un día ella iba caminando por la calle cuando se encontró con unos amigos del secundario que le ofrecieron sumarse a la banda que tenían para hacer coros. Un día le dejaron hacer su propia canción: "No podía creer lo que me pasó cuando escribía", admitió. En ese momento se dio cuenta de su deseo y aseguró: "Los dejé a la mierda y me puse a hacer mis canciones".A su vez, todos conocemos cómo comenzó la carrera de Lali dentro del universo Cris Morena. En la charla ella rememoró esos años y afirmó: "Muy ladri, no tenía ninguna situación académica. Era una niña que bailaba frente al espejo y estaba conectada con la música por mi casa”.<h4>Seguir la intuición y aprender a decir "no"</h4>Uno de los ejes más repetidos durante la charla fue la intuición. Para las tres artistas, construir una carrera en la música implica tomar decisiones constantes y muchas veces incómodas. Sobre todo cuando el entorno propone caminos que no siempre coinciden con lo que una quiere hacer o hay un otro diciéndo por dónde deberían ir.“La intuición es todo. Se mezcla con el deseo y con el impulso de ir hacia un lugar”, explicó Lali. Para la artista, ese instinto es clave no solo al momento de crear música, sino también a la hora de elegir con quién trabajar o qué decisiones tomar dentro de un proyecto.Blair también se refirió a ese proceso interno que atraviesa cuando escribe canciones. “Para escribir hay que conectarse mucho con el presente de una. Preguntarse: ‘¿qué quiero ser yo hoy?’”, explicó. Y agregó: “Si te sentís incómoda, salí de ahí. Y divertite, que eso es lo más importante”.BB Asul coincidió en que la seguridad personal es fundamental para poder sostener una identidad artística en una industria donde constantemente aparecen opiniones externas. “Una tiene que encontrar seguridad en lo que quiere hacer, porque siempre va a venir alguien a decirte qué es lo mejor o lo que deberías hacer”, señaló. En ese sentido, destacó que una de las claves está en aprender a equilibrar la escucha con la convicción propia: “Hay un punto medio entre escuchar a los demás y tener la seguridad suficiente para decir que no cuando algo no te representa”.<h4>Tener una identidad artística propia</h4>Otro de los temas centrales del panel fue la construcción de una identidad artística. Las tres coincidieron en que ese proceso no es inmediato ni lineal: cambia con el tiempo, con las experiencias y con el crecimiento personal.Para BB Asul, entender qué quiere decir con su música fue algo que apareció recién con el paso de los años. “Recién ahora estoy empezando a entender por qué mis canciones dicen lo que dicen y qué quiero expresar con ellas”, contó. Durante mucho tiempo, explicó, simplemente se dejó llevar por el impulso creativo. “Antes hacía lo que me salía, lo que me pintaba, y también creo que eso está bien. Pero entenderse a una misma es un camino”.En el caso de Blair, la construcción de un proyecto artístico muchas veces empieza desde lo visual. “Yo suelo imaginar los videoclips antes que las letras”, contó. En su último disco, explicó, pensó el proyecto como una historia completa: “Sabía que tenía un principio, un nudo y un desenlace. Tener claro ese recorrido me ayudó a entender hacia dónde iba todo”.<h4>Una era atravesada por redes sociales</h4>En un contexto donde las redes sociales son parte fundamental de la difusión musical, las artistas también reflexionaron sobre la exposición y la relación con el público. Para BB Asul, uno de los aprendizajes más importantes fue perder el miedo a mostrar su trabajo. “Aprendí que no tiene que darme vergüenza compartir lo que hago todas las veces que sea necesario”, dijo. Según explicó, muchas veces existe una idea instalada de que insistir no es “cool”. Sin embargo, ella lo ve de otra manera: “Si estás orgullosa de lo que estás haciendo, hay que mostrarlo. Las redes están para eso”.Lali, por su parte, puso el foco en otro aspecto del mundo digital: la cantidad de opiniones que circulan constantemente. “Hay tanto consejo en redes que a veces se vuelve peligroso. Es raro cómo nos movemos en un mundo donde scrolleás y parece que todo el mundo tiene la verdad sobre algo”, reflexionó. En ese contexto, aseguró que confiar en el propio criterio se vuelve casi un acto de resistencia: “Hacer las cosas a tu manera hoy es casi contracultural”.<h4>Las malas decisiones y la frustración</h4>Lali compartió una experiencia que marcó su forma de trabajar dentro de la industria. Durante un tiempo participó de campamentos de composición en Estados Unidos, una práctica común en el pop internacional. Sin embargo, el resultado no fue el esperado.“No me sirvió ir a hacer camps en Miami con gente que no conocía. Fue una situación muy frustrante”, contó. “Entrar a un estudio y que alguien te tire una letra que podría cantar cualquiera, en ese momento me daba vergüenza decir que no”.La experiencia le permitió entender qué tipo de proceso creativo quería para su música. “Me sirvió para darme cuenta de que quería hacer mis discos en Buenos Aires, con gente en la que confío”, explicó. En ese sentido, también habló sobre la importancia de cuidar el núcleo creativo de un proyecto. “Hay que cuidar la mesa chica creativa, porque todo sale del corazón del proyecto”, señaló.<h4>Aceptar las contradicciones y el éxito</h4>En una época atravesada por las redes sociales y la exposición constante, sostuvo que muchas veces parece que no hay espacio para equivocarse, cambiar de opinión o simplemente pensar en voz alta. Sin embargo, para ella, el proceso creativo también implica aceptar esas tensiones.<blockquote>“A los artistas que me gustan los vi ser personas. A esta época me interesa pensarla: vivir te transforma en alguien contradictorio. En esta época no nos permitimos nuestras contradicciones, no nos perdonamos hablar en un micrófono y decir una burrada, como si todos fuéramos Einstein. Hay miedo a decir, a pensar, a expresar un deseo, porque parece que estamos signados por la cancelación”.</blockquote>Para la artista, aceptar esa complejidad también se refleja en la forma en la que se construyen los discos. En ese sentido, explicó que sus proyectos musicales están atravesados tanto por su deseo personal como por el contexto en el que surgen. “Mi último álbum está signado por lo que yo tenía ganas de hacer, pero también por el contexto. Me gusta sentir que además de cumplir mi deseo, estoy entregando algo que tiene que ver con su época. Poder mirar para atrás y decir: ‘este disco pertenece al momento en el que salió’”, contóEn ese mismo análisis apareció otro tema que, según señaló, todavía resulta incómodo de poner sobre la mesa: el dinero y el crecimiento de los proyectos artísticos. En el marco de una conversación atravesada por el feminismo y la industria musical, remarcó que muchas veces a las mujeres les cuesta hablar abiertamente de ese crecimiento.“El dinero es un tema en el feminismo. Cuando un proyecto crece una se aferra mucho a lo que construyó y cuesta hablar de que creció, de que genera dinero y de que con ese dinero se puede dar trabajo a muchas personas”.Incluso, hizo referencia a la hora de tener que tomar decisiones que determinan tu carrera, como fue en su caso sacar "Fanático" como primer corte de su último álbum: "Me decían que era muy violento". Sin embargo, a pesar de eso ella pidió que confiraran en su criterio porque el hecho de sacar ese tema, teniendo en cuenta el contexto y el crecimiento del proyecto musical de Lali, "era un statement".En fin. Lo que apareció una y otra vez en las intervenciones de Lali Espósito, BB Asul y Blair Bladdee fue una forma de pensar el trabajo creativo atravesada por la intuición, el deseo y también por las dudas, los errores y las incomodidades que inevitablemente aparecen en el camino.En ese sentido, encuentros como los EQUAL Days funcionan como algo más que un panel o una charla abierta: son instancias donde las experiencias se comparten, se ponen en palabras procesos que muchas veces quedan invisibles y, sobre todo, se habilita una conversación necesaria sobre el lugar que ocupan hoy las mujeres en la música.

Las tres artistas participaron del panel “Disciplina, deseo y dirección” en Casa Spotify, donde compartieron sus procesos creativos, los obstáculos de la industria y la importancia de confiar en la intuición para construir una carrera propia.

Las tres artistas participaron del panel “Disciplina, deseo y dirección” en Casa Spotify, donde compartieron sus procesos creativos, los obstáculos de la industria y la importancia de confiar en la intuición para construir una carrera propia.

Lali, BB Asul y Blair Bladdee en los EQUAL Days: "el desafío de no ser lo que esperan de mí"

Lali, BB Asul y Blair Bladdee en los EQUAL Days

Gabriel García Márquez cumpliría hoy 99 años. El escritor colombiano nació en Aracataca (Magdalena) el 6 de marzo de 1927. En este nuevo recuerdo de su natalicio no vamos a hablar sobre sus obras más conocidas, como pueden ser "Cien Años de Soledad" o "Crónicas de una muerte anunciada" o "El amor en tiempos de cólera", sino que más bien me interesa hablar sobre el vínculo del colombiano con Argentina.&nbsp;Hubo, entre sus obras, un artículo que le costó bastantes controversias. Escribir un año después las Malvinas lo conectó directamente al territorio del sur del mundo en un acto que demostró que la escritura fue un acto político. Incluso, eso también lo dejó claro el día que mencionó la lucha de las Abuelas y Madres de Plaza de Mayo cuando ganó el Premio Nobel de la Literatura.<h4>El libro que lo unió a Buenos Aires</h4>Pero vamos por el principio. Se podría decir que el primer vínculo de Gabriel García Márquez con Argentina fue con el libro que lo catapultó al éxito. Fue la editorial argentina Sudamericana la que terminó de imprimir "Cien Años de Soledad" el 30 de mayo de 1967. El libro forma parte de la literatura universal, fue traducido a más de 35 idiomas y vendió millones de ejemplares a lo largo y ancho de todo el mundo.Incluso, la llegada del libro a la editorial argentina tiene una historia interesante. En una entrevista el colombiano contó que una vez terminada la obra corrió al correo junto a su esposa, Mercedes Barcha, para enviar el borrador a Buenos Aires. Sin embargo, se encontraron con un obstáculo y es que no les alcanzaba para pagar el flete. Es por eso que decidieron mandar una parte, pero cuando se dieron cuenta habían enviado la última y no la primera. Por suerte, Francisco “Paco” Porrúa, editor de Sudamericana, quedó tan ansioso por leer el principio del libro que les anticipó el dinero para que pudieran enviarlo.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DD7zQ7kPMU4/?utm_source=ig_web_copy_link"></oembed></figure><h4>Doce días en Buenos Aires</h4>Así fue que Gabriel García Márquez empezaba a construir una relación con Buenos Aires. De hecho, visitó la ciudad por primera y única vez en agosto de 1967. Aterrizó en Ezeiza junto a su esposa en un avión que procedía desde México. Cuando llegaron fueron recibidos por Porrúa y así comenzaron con un viaje, que no tenía como objetivo promocionar "Cien Años de Soledad", sino que el colombiano había sido invitado a participar como jurado de un premio compartido por Sudamericana y la revista Panorama.Fueron 12 días en los que estuvo en Argentina. Realizó una sesión de fotos comandada por la argentina Sara Facio, fue al teatro, comió asado y aunque se dice que pasó un gran tiempo decidió no volver nunca más al país. ¿Por que? Los rumores dicen que se trataba de un tipo muy supersticioso, por lo que solía decir que si en Buenos Aires el éxito lo había elegido, allí también podría abandonarlo.Sin embargo, la reconocida fotógrafa argentina contó que una noche de 1974 comiendo juntos en la casa de Julio Cortázar en París, le preguntó al colombiano por qué no había regresado nunca a Argentina y que le contestó entre risas: "No vuelvo porque me comen". Según Facio, García Márquez decía que tenía miedo de que se lo comieran porque cobraba los derechos de autor. De esa manera, argumentó que sabía cuánto se vendían sus libros y todo lo que lo querían los argentinos. Ante esta respuesta la argentina le aseguró: "Vení, no te vamos a comer, pero si te vamos a llenar de besos".<h4>El Nobel y la denuncia sobre los desaparecidos</h4>Por otro lado, la implicación de García Márquez con la Argentina no era solo desde la literatura. De hecho, cuando recibió el Premio Nobel de la Literatura en octubre de 1982, el colombiano reclamó por los nietos apropiados durante la vigente dictadura argentina.En ese sentido, manifestó: "Los desaparecidos por motivos de represión son casi 120.000, que es como si hoy no se supiera dónde están todos los habitantes de Upsala". A lo que continuó con su denuncia: "Numerosas mujeres arrestadas embarazadas dieron a luz en cárceles argentinas, pero aún se ignora el paradero y la identidad de sus hijos, que fueron dados en adopción clandestina o internados en orfanatos por las autoridades militares".Se trataba, además, de un momento histórico para los Derechos Humanos y también tiempos en los que el reclamo de las Abuelas y Madres de Plaza de Mayo ya estaba recorriendo todo el mundo.<h4>La polémica por Malvinas</h4>Pero su vínculo con Argentina no siempre fue visto con buenos ojos. Tuvo un texto que le pudo traer alguna que otra controversia por lo que narraba. Se trató de "Las Malvinas, un año después". El artículo fue publicado en el diario El País de España en abril de 1983. Allí el colombiano cuenta algunos rumores que circulaban sobre el conflicto bélico entre Argentina e Inglaterra.En ese texto el colombiano relata que "revistas inglesas y norteamericanas celebraron este dos de abril el primer aniversario de la aplastante victoria británica", a lo que agrega: "me parece injusto que en la misma ocasión no se oiga una voz indignada de la América Latina que muestre algunos de los aspectos inhumanos e irritantes del otro lado de la medalla: la derrota argentina".Quienes criticaron a García Márquez por este texto argumentan que el colombiano expone algunas cifras que no están publicadas de manera oficial, como números de suicidios, el uso de drogas en soldados, violaciones, castrados, etc. La crítica va directamente hacia el lugar de "de dónde el escritor saca esas cifras". Sin embargo, el colombiano alegó que recibía cartas de exiliados que le contaban estas historias "terroríficas".A pesar de este texto mencionado, no se puede evitar decir que el colombiano tuvo una relación de interés para con Argentina, si bien solo nos visitó una vez, en su controversial texto volvió a hacer referencia al reclamo por los desaparecidos en dictadura: "Nunca me parecerá superfluo preguntar otra vez y mil veces más —junto a las madres de la Plaza de Mayo— dónde están los ocho mil, los diez mil, los quince mil desaparecidos de la década anterior".Gabriel García Márquez murió el 17 de abril de 2014 en Ciudad de México. Pero antes, tras algunos años de silencio, en 2002, presentó la primera parte de sus memorias, "Vivir para contarla", en la que repasa los primeros treinta años de su vida. Luego, dos años después, vio la luz la que iba a ser su última novela, "Memorias de mis putas tristes".

Visitó Argentina solo una vez. Pero su vínculo con el país no solo incluye la publicación de "Cien años de soledad", también hay una polémica por la guerra de Malvinas y un recordado apoyo al reclamo de las Abuelas y Madres de Plaza de Mayo.

Visitó Argentina solo una vez. Pero su vínculo con el país no solo incluye la publicación de "Cien años de soledad", también hay una polémica por la guerra de Malvinas y un recordado apoyo al reclamo de las Abuelas y Madres de Plaza de Mayo.

99 años de Gabriel García Márquez: su único viaje a Buenos Aires, un artículo de Malvinas y el reclamo por los desaparecidos

A 99 años de Gabriel García Márquez: Buenos Aires, Malvinas y los desaparecidos

Ramma y Cindy Cats presentaron su Spotify Session exclusiva, ya disponible en la plataforma, y lo hicieron desde un lugar poco habitual en la industria: el de la creación compartida, la experimentación y la libertad total. Tras la primera edición protagonizada por Peces Raros, esta nueva entrega suma voces fundamentales de la escena argentina actual y refuerza el espíritu del formato.Grabada en Casa Spotify, la sesión reúne a Ramma como artista, a Cindy Cats en la dirección musical y a Michel Hamonet en la dirección visual, conformando la tríada creativa que define a Spotify Sessions: reinterpretar cinco canciones desde una mirada sonora y estética completamente nueva.<h4>Una invitación a crear, sin fórmulas</h4>La colaboración nació a partir de una invitación directa de Spotify. “Querían hacer esta colaboración, este tridente de dirección de cámaras, de film, dirección de música y artista. Nos invitaron a crear un momento para ver re lindo”, contó Cindy Cats sobre el origen del proyecto.La elección de Ramma no fue casual. Durante el proceso de brainstorming, la banda sintió que su música ofrecía un terreno amplio para explorar. “Sabíamos que íbamos a tener una paleta grande de posibilidades, tanto por las canciones de Ramma como por sus aptitudes musicales. Era un planazo”, explicaron.<h4>Admiración mutua y química creativa</h4>Para Ramma, la propuesta tuvo un componente emocional fuerte. “Para mí fue un honor. A los chicos los conozco hace un montón, desde antes de que ellos me conozcan a mí. Siempre los tuve muy arriba”, confesó el artista nacido en Trelew.Esa admiración previa se tradujo en un trabajo intenso y comprometido. “Fue darlo todo. Teníamos muchas posibilidades de hacer un montón de cosas, y el desafío fue ordenar todo para que salga así de linda”, agregó.<h4>Escuchar, compartir y elegir juntos</h4>El proceso creativo se apoyó en el encuentro constante: largas escuchas, comidas compartidas e intercambio de ideas. “Estuvimos mucho escuchando música juntos, juntándonos a comer, a tirar ideas. Queríamos mostrar todas las facetas de Ramma, porque su paleta de colores es muy amplia”, explicaron desde Cindy Cats.Ese trabajo colectivo funcionó como un filtro para elegir las canciones que finalmente integran la sesión, buscando representar el universo completo del artista.<h4>Una mirada visual que nace del sonido</h4>Desde lo visual, Michel Hamonet destacó el carácter colaborativo del proyecto. “Hubo muchas ideas en la mesa que fuimos rotando. A veces alguien traía una referencia, después se combinaba con una paleta de colores, o un sonido inspiraba lo visual”, detalló.Según el director, el vínculo previo que se fue construyendo facilitó el resultado final. “Tuvimos muchas reuniones, ya nos conocíamos un montón y todo fue más fácil. Hubo mucha sinergia y en el producto final eso se nota”.<h4>Un trabajo intenso, pero disfrutable</h4>La magnitud del proyecto también se reflejó en el equipo involucrado. “Éramos 56 personas en cada reunión. Fue un laburo intenso, pero re lindo”, remarcaron desde Cindy Cats, quienes destacaron la importancia de construir una imagen sólida que acompañe a las canciones.Hamonet coincidió en que el proceso abrió nuevas formas de trabajar: “Tal vez nunca había pensado lo musical y lo visual de esta manera. Fue pura experimentación y búsqueda de algo diferencial”.<h4>Presente y futuro de los protagonistas</h4>Mientras celebra el lanzamiento de la Spotify Session, Ramma ya piensa en lo que viene. “Este año quiero seguir con una pata más musical, más pianito, más composición. Se viene mucha música y giras. Lo más musical que hice hasta ahora va a salir este año”, adelantó.Cindy Cats, por su parte, arrancó el año con múltiples proyectos: nuevas fechas en Buenos Aires, regreso a España y material en camino. “Siempre hay algo en silencio que cuando salga va a ser lo más fuerte de la Cindy”, anticiparon.Michel Hamonet también proyecta expandir este cruce de lenguajes: “Estoy pensando cómo traer todo este mundo de la música a lo cinematográfico”.<h4>Tracklist – Spotify Session Ramma x Cindy Cats</h4>“algún día”“Nostalgia”“Bicho de Ciudad” (cover de Los Piojos)“cuando pase la tormenta”“PUTAS”La Spotify Session Ramma x Cindy Cats ya está disponible en Spotify. Las canciones pueden escucharse en la plataforma, mientras que los usuarios Premium acceden a la experiencia completa en formato audiovisual.

Grabada en Casa Spotify y dirigida visualmente por Michel Hamonet, la Spotify Session de Ramma junto a Cindy Cats propone una experiencia audiovisual íntima y potente, donde la improvisación, el cruce de universos y el trabajo colectivo fueron clave.

Grabada en Casa Spotify y dirigida visualmente por Michel Hamonet, la Spotify Session de Ramma junto a Cindy Cats propone una experiencia audiovisual íntima y potente, donde la improvisación, el cruce de universos y el trabajo colectivo fueron clave.

Ramma y Cindy Cats estrenaron su Spotify Session: una colaboración sin reglas, jam y libertad creativa

Ramma y Cindy Cats estrenaron su Spotify Session

El origen de Qotzuñi no responde a una producción tradicional. El proyecto comenzó de manera casi fortuita, durante un viaje de fotografía documental por Bolivia, con el objetivo de registrar historias de comunidades afectadas por el cambio climático y el sobre desarrollo humano. En ese recorrido, la casualidad y las redes de colaboración marcaron el rumbo.Un contacto clave fue Jordan Salama, cuyo hermano se encontraba realizando una investigación académica en una comunidad indígena afectada por la desaparición total de un lago. Ese lago era el Poopó, que supo ser el segundo más grande de Bolivia y que, en la última década, se secó por completo.Lo que inicialmente parecía una historia sobre una catástrofe ambiental, pronto reveló una dimensión mucho más profunda.<h4>Más que la sequía: identidad y pertenencia</h4>En diálogo con Filo.news, uno de sus directores, Gastón Zilberman, explicó que durante el trabajo de campo, el equipo entendió que el eje del relato no era únicamente cómo se secó el lago, sino la relación estructural que la comunidad indígena Uru mantenía con él. Los Uru se autodenominan “la gente del lago”: su alimentación, su trabajo y su identidad cultural estaban íntimamente ligados a ese ecosistema hoy desaparecido.El documental pone el foco en esa conexión perdida. Para la comunidad, el lago era “su madre y su padre”. Su desaparición no solo transformó el paisaje, sino también la forma de vida y la autopercepción de quienes habitaban sus orillas, que hoy se sienten huérfanos.<h4>Un relato construido con la comunidad</h4>Desde el inicio, Qotzuñi se pensó como un proyecto colaborativo. La comunidad participó activamente en la construcción del relato: decidió a quién entrevistar, dónde filmar y de qué manera contar su propia historia. El productor del cortometraje fue Florencio Inocente Aguilar, máxima autoridad de la comunidad, quien ofició como guía y nexo con los distintos testimonios.Una de las decisiones centrales fue prescindir de voces expertas externas. No hay científicos ni especialistas frente a cámara. La historia está narrada exclusivamente por los propios habitantes, en primera persona, dando cuenta de su vínculo con el lago y de cómo tuvieron que adaptarse a su desaparición.<h4>Cambio climático, minería y consecuencias globales</h4>El documental también expone las múltiples causas detrás del desastre ambiental: la sequía inducida por el cambio climático, el desvío de agua para la minería y la agricultura, y la contaminación de los suelos producto de los desechos mineros. Factores que, combinados, aceleraron la desaparición de un cuerpo de agua de dimensiones colosales.En apenas 13 minutos, Qotzuñi logra condensar una problemática local que interpela a escala global. “Este lago no se les secó solo a ellos, se nos secó a todos”, plantea el director y ese es el mensaje central de la película, que también funciona como una crítica directa al negacionismo climático.<h4>Impacto real y camino a los Oscar</h4>Filmado en apenas dos semanas, el cortometraje ya fue exhibido en más de 19 países y permitió algo poco habitual: convertir la visibilidad en acción concreta. A partir de las proyecciones, el equipo logró reunir fondos para desarrollar, junto a la comunidad, emprendimientos familiares como alternativas económicas sostenibles, evitando que los habitantes deban trabajar en las mismas minas que contribuyeron a la desaparición del lago.Qotzuñi, dirigido por los jóvenes argentinos Gastón Zilberman y Michael Salama en colaboración con la Nación Originaria Uru del Lago Poopó, fue preseleccionado para los Premios Oscar 2026 y se encuentra oficialmente en carrera hacia la nominación. Actualmente, el proyecto impulsa una campaña internacional para ampliar su difusión y sumar aliados estratégicos que potencien su impacto cultural y social.

Dirigido por Gastón Zilberman y Michael Salama, el cortometraje documental narra en primera persona el impacto del cambio climático y la minería sobre la Nación Originaria Uru del Lago Poopó. La película ya se proyectó en más de 19 países y busca ampliar su impacto social y cultural.

Dirigido por Gastón Zilberman y Michael Salama, el cortometraje documental narra en primera persona el impacto del cambio climático y la minería sobre la Nación Originaria Uru del Lago Poopó. La película ya se proyectó en más de 19 países y busca ampliar su impacto social y cultural.

“Qotzuñi”: el documental argentino que visibiliza la desaparición de un lago en Bolivia

El cineasta y artista visual estadounidense Angelo Madsen visita por primera vez la Argentina para presentar su obra y compartir su mirada sobre el cine contemporáneo, la creación colectiva y la potencia política de la cultura. Con una filmografía que cruza documental, performance e investigación personal, el realizador se convirtió en una de las voces más singulares del cine experimental actual.Aunque suele ser presentado como director, artista y también profesor, Madsen evita encasillarse. “Generalmente digo que soy cineasta y artista visual. A veces soy profesor”, dice entre risas. Su vínculo con el cine tampoco nació desde la cinefilia clásica, sino desde la práctica: “Mi amor por el cine llegó cuando empecé a hacer mis propias películas en la universidad. Me enamoré del proceso de edición: la forma en que podés mover el tiempo y crear una sensibilidad completamente diferente sobre cómo funciona”.Esa relación libre con el lenguaje audiovisual también explica su manera de crear. Madsen no se piensa como un narrador tradicional ni trabaja desde estructuras lineales: “Sigo lo que me interesa y me mantengo cerca de lo que conozco. No me considero un storyteller. Me interesan las ideas y las relaciones. Contar una historia me resulta prescriptivo, como si siguiera una fórmula. Cuando comparto ideas me siento más libre”.Su paso por Argentina no solo estará marcado por proyecciones, sino también por el encuentro con el público. Para Madsen, la experiencia colectiva en una sala tiene un valor irremplazable: “Cualquier oportunidad de que públicos en vivo experimenten una obra juntos es una bendición. Pero hoy, más que nunca, los artistas tenemos que trabajar el doble para poner en primer plano la importancia de la cultura y la diferencia”.Sobre esta primera visita al país, asegura que prefiere evitar idealizaciones: “No conozco Argentina y soy escéptico de los superlativos. Pero estoy entusiasmado por mi primer viaje y seguro de que su público es encantador”.Sin grandes expectativas porque “llevan a decepciones”, el director espera encontrarse con artistas, hacedores culturales y nuevas amistades. “Quiero tener conversaciones productivas sobre el trabajo y la vida”, resume.Con una obra que combina la experimentación formal y la búsqueda identitaria, Madsen llega para abrir preguntas más que para responderlas. Y quizás ahí radica la marca más potente de su cine: invitar a pensar sin necesidad de explicarlo todo.<h4>FAQ8 comienza con una tarde de juego, música y cultura queer</h4>Este 6 de diciembre a las 17, FAQ abre su nueva edición con Queer Ping Pong, un evento participativo que mezcla ping pong, baile, cultura queer y música electrónica. Como parte de su espíritu de experimentación, este año la actividad se realiza en el CETC – Centro de Experimentación del Teatro Colón, un espacio que acompaña la propuesta exploratoria del festival.Gracias al apoyo del Goethe-Institut, Queer Ping Pong llega por primera vez a Buenos Aires con su creadora Yeşim Duman, curadora y gestora cultural, junto a la pole performer DJ FRZNTE (Franziska Zahl, una de las figuras más destacadas de la escena club berlinesa) y las DJs locales Gogó Dansey y DJ Squirt.A diferencia de la lógica nocturna de la cultura de club, Queer Ping Pong propone un encuentro diurno, lúdico y comunitario: una tarde de tenis de mesa, sets de DJ, partidos de singles y dobles, rondas rotativas y un torneo para quienes se animen. Las paletas y pelotas serán provistas, aunque quienes quieran pueden llevar su propio equipo.De gira por primera vez en Latinoamérica, la propuesta sostiene un formato no competitivo, con una única categoría y centrado en la diversión, la integración y el encuentro. La entrada es libre y gratuita.

El cineasta y artista visual estadounidense visita el país por primera vez y reflexiona sobre su relación con el cine, el proceso creativo y la importancia de la cultura en tiempos de incertidumbre.

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Angelo Madsen llega por primera vez a Argentina con un cine que desarma la idea de “contar historias”

Angelo Madsen llega por primera vez a Argentina

La Valenti, una de las voces más potentes y originales de la nueva escena argentina, se prepara para coronar el año con un show que promete convertirse en un hito dentro de su propia obra. El próximo 12 de diciembre en The Roxy, la artista presentará “Pop, Folclore y Demencia”, una propuesta que condensa la búsqueda sonora y estética que marcó su último tiempo: unir definitivamente su costado electrónico, su raíz folclórica y su impronta performática.<h4>“Aprendí a soltar”: el proceso detrás del show</h4>“Estamos terminando de armar todo para el 12 de diciembre, pero se viene lindo”, cuenta La Valenti, en un presente que atraviesa con calma. “Lo estoy viviendo tranqui la verdad. Tenemos las tareas delegadas, hay cosas en las que no me meto para no abrumarme. Lo fui aprendiendo con el tiempo, porque cuando arranqué estaba sola y te cuesta soltar”.Ese aprendizaje también se refleja en su identidad artística. A un año del lanzamiento de “La Capitana”, su álbum conceptual, la cantante siente que al fin logró unir sus mundos: “En el último año se reforzó la parte acústica. Yo ya venía haciendo folclore hace bastante, pero todavía sentía que no había logrado unir las partes. Creo que este es el momento”.<h4>Un disco inspirado en mujeres que la historia dejó afuera</h4>El proyecto que desemboca en este show nace de un gesto político y personal: crear un mapa de próceres mujeres, aunque Google no las nombre así. “Cuando empecé a escribir el disco dije: quiero que el personaje sea una mujer más crecida, más plantada. Yo tenía 23 cuando hice mi disco anterior; ahora tengo 28. Me inspiré en mujeres que considero próceres, aunque no estén en los libros”, explica.El nombre “La Capitana” surge de la figura de Eva Perón: “Más allá de cuestiones políticas, tuvo mucha incidencia en nuestra historia. Siento que fue un antes y un después para las mujeres que estaban detrás de un hombre. Para mí ella opacó 100% a Perón”.<h4>Un show que une pop, folclore y electrónica</h4>“Pop, Folclore y Demencia” no es solo un título: es la síntesis de un universo. La propuesta combina un álbum de estudio y una película musical que recorren doce canciones inspiradas en esas mujeres invisibilizadas y en los paisajes patagónicos de su infancia.Sobre el escenario, la artista construye una experiencia sensorial donde el folclore argentino convive con el pop, el hip hop y la electrónica, entre la introspección poética y la energía explosiva. Será una oportunidad para reencontrarse con su público y cerrar el año con un espectáculo vibrante que recorrerá las canciones de “La Capitana” junto a clásicos de su repertorio.<h4>Una artista que tiende puentes entre lo ancestral y lo contemporáneo</h4>Nacida en Neuquén, La Valenti se consolidó como una artista multidisciplinaria que combina música, poesía, performance y una estética fuertemente ligada al patrimonio cultural argentino y a la reivindicación del poder femenino latinoamericano.Tras su debut discográfico con “RCHOP” en 2022, la artista dio un salto artístico con “La Capitana”, una obra que fusiona cine, música y puesta teatral. Ese trabajo la llevó a presentarse en escenarios emblemáticos como Studio Crobar, protagonizar una gira federal en 2025, ser elegida artista EQUAL de Spotify y representar a Argentina en BIME Pro Bilbao 2025.A la par, desarrolla “Corazón Acústico”, un show íntimo de voz, guitarra y violín donde conviven composiciones propias y versiones de íconos como María Elena Walsh y Mercedes Sosa. Este formato ya pasó por la Usina del Arte, el Konex y la Sala Zitarrosa de Montevideo.

La Valenti presenta el 12 de diciembre en The Roxy “Pop, Folclore y Demencia”, un espectáculo que une sus mundos a través de un álbum, una película musical y una puesta performática inspirada en las mujeres próceres y los paisajes patagónicos.

La Valenti presenta el 12 de diciembre en The Roxy “Pop, Folclore y Demencia”, un espectáculo que une sus mundos a través de un álbum, una película musical y una puesta performática inspirada en las mujeres próceres y los paisajes patagónicos.

La Valenti presenta “Pop, Folclore y Demencia”: un viaje entre raíces, poder femenino y vanguardia

La Valenti presenta “Pop, Folclore y Demencia”

Juan Campodónico vuelve al centro de la escena, pero esta vez con un proyecto que lo coloca en primera persona. Después de décadas moviéndose entre bandas, producciones y proyectos colectivos, el artista uruguayo decidió encarar un trabajo que, según él mismo confiesa, surgió casi como una necesidad identitaria. “Había hecho decenas de álbumes, pero en plataformas solo aparecían algunos remixes con mi nombre. Me dio bronca”, cuenta, entre risas. Esa sensación de vacío digital se transformó en una señal: faltaba el disco que mostrara quién es Campodónico cuando se corre del detrás de escena.La génesis del álbum coincidió con otro momento determinante: la llegada de su hijo, Milo. “Hacer este disco fue también una manera de estar más en casa, conectado a ese instante vital”, recuerda. Por eso, el primer track se titula simplemente "Milo". El proceso creativo se volvió un espacio íntimo, pero también una zona de exploración donde convivieron la electrónica, el pulso del tango y la sensibilidad melódica que marcó buena parte de su trayectoria.<h4>Un título entre la contradicción y la identidad</h4>"Todo Esto Tampoco Soy Yo" es un nombre que funciona como declaración y como juego. Contradictorio, irónico, filosófico. “Me gusta que el título tenga varias lecturas. Habla de un distanciamiento introspectivo, pero también de la búsqueda de lo esencial”, explica. Campodónico se piensa a sí mismo en movimiento, en construcción permanente. De algún modo, el título marca ese terreno: la identidad como algo que se desplaza, que no se agota en un solo gesto.Esa ambigüedad también remarca un punto central: no se trata de un disco solista en el sentido tradicional. Más bien, es la obra de un artista que entiende su hacer en relación con otros, que encuentra impulso en la colaboración y en el intercambio creativo.<h4>Colaboraciones que narran un recorrido</h4>Lejos de encerrarse en un estudio, Campodónico convocó voces que representan distintos momentos de su vida musical. Josean Log, Zeballos, Eli Almic, Cami Rodríguez, Jorge Drexler y Sebastián Teysera fueron parte del proceso. “Como productor, estar mirando desde afuera me permite plasmar ideas que no siempre puedo lograr solo. Este disco es de un artista, pero también es de un productor”, resume.La presencia de Drexler tiene un peso emocional particular. Amigos desde sus épocas de estudiantes, Campodónico produjo cuatro de sus discos (Frontera, Sea, Eco y 12 segundos). Incluirlo ahora, dice, es casi un gesto biográfico. A eso se suman guiños a su etapa en Bajofondo, con texturas tangueras que ya son parte de su sello, y la conexión con nuevas generaciones del indie rioplatense y uruguayo, como Cami Rodríguez (Niña Lobo), Zeballos y Eli Almic.<h4>Una nueva etapa que ya empezó</h4>El lanzamiento del disco abre un capítulo que lo encuentra en movimiento. Para este verano, Campodónico planea presentarlo en formato Live Set, un híbrido entre DJ set y show en vivo acompañado por Cami Rodríguez en voz y guitarra. “Toco Ableton, guitarra eléctrica y canto. Es un set más flexible, más lúdico”, detalla.Pero 2026 asoma con ambiciones más grandes: presentaciones formales en Montevideo y Buenos Aires, además de viajes previstos a México y Colombia, con una puesta escénica más desarrollada. “Voy a estar metido a full en esta nueva etapa”, afirma. Y sugiere, casi sin decirlo, que esta búsqueda recién empieza.

El músico, productor y referente clave de la escena rioplatense presenta "Todo Esto Tampoco Soy Yo", un disco que nace entre la búsqueda personal, la paternidad y una nueva etapa creativa donde las colaboraciones revelan sus múltiples capas artísticas.

El músico, productor y referente clave de la escena rioplatense presenta "Todo Esto Tampoco Soy Yo", un disco que nace entre la búsqueda personal, la paternidad y una nueva etapa creativa donde las colaboraciones revelan sus múltiples capas artísticas.

Juan Campodónico: “Había una página en blanco esperando que contara quién soy”

Una bala que atraviesa un corazón. Que late, sangra, se desborda y busca volver a latir. Esa es la imagen que da comienzo a “De amor”, el nuevo universo artístico de Un Muerto Más, el proyecto del músico, actor y poeta Guido Carmona. Un disco, una película, un poema extendido sobre lo que duele, lo que cura y lo que inevitablemente vuelve a doler.El artista, que ya había conquistado a la escena emergente con “Verano en invierno” y con sus performances escénicas —como “La cena”, con funciones agotadas en el Xirgu, Vorterix y el Konex—, vuelve con una propuesta aún más ambiciosa: un proyecto integral donde todo tiene que ver con todo.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=gGBiT9wq0UM&amp;list=RDgGBiT9wq0UM&amp;start_radio=1"></oembed></figure>“Fue un disco que me llevó mucho más tiempo que lo que lleva un disco por lo general. No solo era componer canciones, sino pensar en la parte visual, en cómo se conectaba la historia, cuál era el conflicto. Me gusta mucho el cine, entonces también era un poco pensarlo como una película”, cuenta Guido en diálogo con Filo.news.<h4>Poesía, redes y vulnerabilidad</h4>Durante los últimos dos años, Un Muerto Más se sumergió en un proceso creativo que mezcló escritura diaria, introspección y conexión directa con su comunidad digital. En sus redes comenzó a compartir fragmentos de lo que serían letras o poemas recitados, y lo que parecía un experimento terminó volviéndose un puente real con el público: millones de reproducciones y más de 200.000 seguidores fueron testigos del nacimiento de “De amor”.“Escribí más de 100 poemas para lograr 11 canciones perfectas”, explica. “Quise mostrar un proceso que antes se hacía puertas adentro. La gente fue cómplice. Fue un universo que se sumerge en las heridas del amor, en el camino de sanar, con el único fin de volver a rompernos.”<h4>Un disco que también es una película</h4>De espíritu inquieto, Guido llevó la idea más lejos: “De amor” también es una película conceptual que narra una historia de principio a fin. Se filmó en seis días con un equipo independiente y comprometido con la visión del artista.<blockquote>“Lo más emocionante fue el primer día de rodaje, entender que eso estaba ocurriendo, que había mucha gente igual de metida que yo. Era volver a casa, dormir cuatro horas y seguir. Pero nadie se quejaba de nada. Hubo un ambiente muy lindo”</blockquote>La película tuvo tres funciones exclusivas en el Cinemark de Palermo, además de proyecciones en Córdoba, Mar del Plata y Barcelona. Desde el 18 de septiembre, está disponible completa en el canal de YouTube de Un Muerto Más, el mismo día en que el disco llegó a todas las plataformas.<h4>Lo que viene: un corazón latiendo en Vorterix</h4>La presentación oficial de “De amor” será el 23 de octubre en el Teatro Vorterix, donde Guido promete un show que trasciende los límites del formato tradicional.<blockquote>“Sabía que me estaba levantando la vara a mí mismo. Va a ser una experiencia integral, con la película muy presente y con momentos nuevos”</blockquote>Luego, Un Muerto Más pasará por Sala Formosa (Córdoba, 30 de octubre), Festival Bandera (Rosario, 1 de noviembre) y Casa Rock (Mar del Plata, 29 de noviembre).Con “De amor”, Guido Carmona se reafirma como una de las voces más singulares e intensas de la nueva generación artística argentina: un creador que no teme mostrar sus heridas, ni volver a abrirlas si eso significa seguir creando.

Guido Carmona presenta “De amor”, un disco-película que atraviesa el corazón con poesía, teatralidad y una sensibilidad brutal. Un viaje íntimo y colectivo sobre lo que significa sanar para volver a romperse.

Guido Carmona presenta “De amor”, un disco-película que atraviesa el corazón con poesía, teatralidad y una sensibilidad brutal. Un viaje íntimo y colectivo sobre lo que significa sanar para volver a romperse.

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